L’artiste Maya Varadaraj (née en 1989) croit aux possibilités alchimiques de la connexion ancestrale ; l’artiste montante puise dans ses histoires familiales pour créer ses peintures et céramiques profondément ressenties.
Varadaraj, qui a grandi en Inde et vit et travaille maintenant à New Rochelle, New York, s’inspire de photographies de famille depuis 2020, peignant les portraits de ses proches sur une toile de lin brut, un matériau qui fait allusion à l’histoire coloniale de l’Inde et au travail de sa famille. dans le textile. L’artiste s’est d’abord retrouvée attirée par les photographies de ses proches pour traiter de ses propres expériences de fausse couche et se connecter avec les femmes de sa famille à travers les générations. Elle décrit ce processus comme « incroyablement thérapeutique ».
Atelier de Maya Varadaraj à Nouvelle Rochelle. Avec l’aimable autorisation de l’artiste.
Mais la manière dont Varadaraj s’intéresse à ces documents personnels s’adapte constamment. En préparant son exposition personnelle actuelle, «Aucun sentiment n’est définitif», à l’Aicon Contemporary de New York, l’artiste a trouvé l’inspiration en lisant Rainer Maria Rilke Lettres à un jeune poète (le titre de l’exposition tire son nom d’une ligne dans les lettres. Varadaraj a décidé de écrire des lettres personnelles à chacun de ses sujets avant de commencer sa dernière série de portraits ; bien que les lettres n’aient jamais été envoyées, le processus d’écriture offrait une extrapolation émotionnelle de chaque image et de sa signification.
Ayant récemment transformé une partie de la maison qu’elle partage avec son mari en un studio entièrement fonctionnel, l’artiste a également porté ses portraits à une échelle monumentale, un processus Varadaraj a déclaré qu’elle inspire un sentiment de respect et de révérence pour ces personnes dans sa vie.
Récemment, nous avons discuté avec Varadaraj, qui nous a parlé de son visiteur de studio préféré (indice : c’est son chat !), de l’activité qui relance son processus créatif et de l’objet de studio improbable qui compte pour elle.
Atelier de Maya Varadaraj à Nouvelle Rochelle. Avec l’aimable autorisation de l’artiste.
Pourquoi aimez-vous avoir votre studio chez vous ? Parce que le travail ne s’arrête jamais ! J’y pense toujours, donc si je veux simplement y aller et faire quelque chose, il doit être accessible, donc avoir un studio à la maison a été une grande bénédiction. Et j’ai aussi un assez grand espace. Avant, je travaillais littéralement sur ma table basse et je disposais d’un seul espace mural où je pouvais travailler. La plus grande échelle à laquelle je pouvais travailler était de 60 pouces sur 48 pouces, mais maintenant j’ai envie de réaliser un travail beaucoup plus grand, ce qui semble incroyable.
Qu’aimez-vous écouter ou jouer lorsque vous êtes en studio ? J’ai besoin d’avoir quelque chose que je connais très bien en arrière-plan. Honnêtement, j’adore avoir les films Harry Potter en arrière-plan. Je peux suivre ces conversations et même chronométrer ma peinture maintenant. Je vais mettre le premier film pour faire la majeure partie de la sous-couche et une fois cela fait, je commencerai la coloration du teint du deuxième film, et au troisième film, je passe à l’amour de l’arrière-plan. Cela me permet de rester concentré. Je peux me chronométrer sans regarder mon téléphone.
Maya en studio. Avec l’aimable autorisation d’Aicon Contemporary.
Avez-vous une routine pour vos journées en studio ?Je me réveille le matin et je fais mon Wordle. Ensuite, je commence à peindre ou à dessiner ou partout où je suis dans le processus. Une grande partie de mon travail avant la peinture est réalisée numériquement. Je fais beaucoup de recherches numériques ou de croquis numériques et comme je travaille principalement avec des photographies peintes, je possède une archive de photographies que je continue de collectionner. Je passe du temps à les organiser, à les intégrer dans Photoshop, à choisir les couleurs et à essayer différentes compositions avec elles. Pour beaucoup de portraits, je ne dessinais pas seulement à partir d’une photographie, mais je réalisais un croquis composite à partir de plusieurs photographies différentes. En dessinant numériquement, j’aime voir s’il y a des motifs que je peux réaliser, en jouant avec différentes combinaisons de couleurs. Une fois que tout cela est fait, je peux comprendre à quel point je veux travailler en taille ou en taille.
Avant, je travaillais à très petite échelle, n’est-ce pas ? En quoi le fait de passer à une plus grande échelle a-t-il modifié votre travail, voire pas du tout ?
Je suis parti du travail dans miniature, 10 par huit pouces à 80 par 66 pouces. C’est été si intéressant; le travail se sent complètement différent. Opoule Je suis fonctionnement sur un petit échelle, c’est comme ressentir Je suis devenir très intime avec le image, et j’ai beaucoup de contrôle sur l’image. On se sent plus comme un parent-enfant relation. Quand je passe aux plus grandes échelles, jet n’a pas je n’ai plus l’impression que ça. je me sens comme Je suis ctoujourschanter avec un adulte et il y a un peu plus de respect. Tous ces émotions et souvenirs sont tenus en face, et il faut plus de confiance pour aller plus grand. Travailler avec des photographies à cette échelle, on ne sait jamais comment c’est va se révéler. Il y a Quelque chose de bien à ce sujet parce que une partie du processus est tellement contrôlée, et puis le reste semble surprenant, und cela vous donne de l’espace pour en quelque sorte explorer et soyez plus expérimental avec cela.
Pour les œuvres de votre exposition personnelle actuelle, vous m’avez mentionné que vous pensez beaucoup aux tissus dans vos portraits et que cela reflète l’histoire de votre famille avec l’industrie textile. Comment ça?
Après la guerre civile aux États-Unis, l’Inde est devenue l’une des principales cibles de la culture du coton sous l’Empire britannique. Mon arrière-grand-père est devenu cultivateur de coton, ce qui l’a finalement conduit vers le secteur du transport. Pendant ce temps, la famille de ma mère possède des usines textiles, qui faisaient également partie de l’industrie cotonnière, en particulier dans la ville où j’ai grandi, Coimbatore. Cette ville et les villes environnantes constituent encore aujourd’hui une grande plaque tournante de la production de vêtements pour de nombreux grands détaillants occidentaux. Mais ce n’est que cette année que j’ai tout appris sur la guerre civile. Je suis arrivé aux États-Unis quand j’étais adolescent et je suis citoyen ici, mais je me suis toujours demandé ce qui m’avait amené ici. Apprendre cela sur la guerre civile et comment cela a affecté ma famille semble très circulaire et lie les deux ensemble.
Un jouet de lutteur de Sumo que le frère de l’artiste lui a offert. Avec l’aimable autorisation de l’artiste.
Avez-vous un outil ou un objet préféré dans votre studio ?Mon frère m’a acheté une figurine de lutteur de sumo lorsqu’il était au Japon. Il bouge sur place et me calme. Cela me rappelle ma famille et le fait que j’ai leur soutien, même si parfois je travaille seule dans mon studio. Je pense que c’est un joli petit rappel qu’il n’y a rien de si grave dans la vie. Les choses peuvent être très simples si nous le voulons.
Quand tu te sens coincé en studio, que fais-tu ?
Je pourrais simplement m’accorder une pause complète et regarder la télévision ou lire. Quand je préparais cette exposition, j’ai vécu beaucoup de ces journées parce que beaucoup de choses que je peins me semblaient lourdes. Même si c’est thérapeutique, j’ai aussi besoin de faire une pause dans ma réflexion. Lire les poèmes de Rilke était comme une très belle réinitialisation. Au lieu de devoir me calmer, je lisais l’histoire de quelqu’un d’autre qui se calmait. Quand on lit le livre, on a l’impression que deux artistes se donnent des conseils. C’était comme parler à un ami et il vous dit d’y aller doucement et que tout va bien. C’était très centré pour moi. Et je n’avais pas l’impression de tergiverser, mais de progresser d’une manière ou d’une autre.
Vous aimez aussi beaucoup faire de l’exercice, n’est-ce pas ?
Ouais, j’adore l’haltérophilie. Cela me met au défi et me rend incroyablement fort. Quand j’ai fait ma première fausse couche, la première chose que j’ai faite a été de faire de la musculation, car cela vous sort de ce sentiment de vulnérabilité. Cela vous met directement dans une position où vous devez vous sentir en confiance. Cela vous montre de quoi votre corps est capable et cela vous ancre vraiment parce que vous travaillez en relation avec la gravité.
Benedict Arnold Paddington, le Troisième, compagnon d’atelier de l’artiste. Avec l’aimable autorisation de l’artiste.
Votre chat vient souvent dans votre studio. Quel est son prénom?
Benedict Arnold Paddington III, mais nous l’appelons Paddington. C’est mon terrible loup, et puis mon mari a Francis Appleton Napoléon Ier, et nous l’appelons Poe, mais Poe ne traîne pas vraiment avec moi dans mon studio.
Sur quoi travaillez-vous maintenant que vous avez le show solo ?
Je n’ai rien à l’horizon après deux expositions personnelles consécutives, une l’année dernière et une cette année. Lorsque vous avez des shows solo, vous ne pouvez penser à rien d’autre parce que vous réfléchissez au concept et à la manière dont le show va se dérouler. Je suis vraiment excité de continuer sur ma lancée. Je travaille tout le temps dans un atelier de céramique. Je me sens beaucoup plus libre puisque je n’ai pas forcément besoin d’inscrire cette œuvre dans la narration d’un spectacle. Donc je ne me mets pas trop de pression ! J’ai une petite édition imprimée avec le projet Wassaic prévu. Je suis vraiment excité à ce sujet. J’ai effectué une résidence avec Wassaic Project l’année dernière, qui a changé ma vie et j’y ai rencontré certains de mes meilleurs amis.
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