Dans une certaine mesure, chaque biopic est une œuvre de fiction imaginative. Ce que le réalisateur et l’écrivain choisissent d’inclure et d’exclure, l’accent principal sur le sujet, les détails exagérés ou en partie fabriqués pour susciter un récit qui informe le public. Bien que les documentaires aient également des objectifs pour illustrer une thèse, ils sont des sources d’informations plus fiables sur une personne. Le biopic, en particulier lorsque le sujet est un artiste ou un créateur, espère capturer une partie de l’essence de l’artiste par des moyens expressifs. Parfois, cela fonctionne en utilisant leur production créative comme fondement de la pièce, une tâche qui est facilitée si l’art/la musique/la performance du sujet a été informé par ses expériences de vie. Il n’y a pas de formule éprouvée pour obtenir un bon biopic, mais il y a certainement une réaction palpable quand on ne fonctionne pas. Dans le cas de l’œuvre d’art de forme libre d’Henrik Martin Dahlsbakken Croquer une biographie très lâche du peintre le plus célèbre de Norvège, jeter le livre de règles en fait un concept intrigant qui ne fonctionne pas tout à fait dans son exécution.
Quatre écrivains, Fredrik Høyer, Mattis Herman Nyquist, Gine Cornelia Pedersen et Eivind Sæther affrontent Edvard Munch à quatre étapes de sa vie. Quatre comédiens l’incarnent. À l’âge de vingt et un ans et séjournant à Vestfold, nous trouvons Edvard (Alfred Ekker Strande) vivant avec sa tante et son père et tombant amoureux de son amante intermittente Milly Thaulow (Thea Lambrechts Vaulen). Cette section est tournée de la manière la plus conventionnelle et se conforme aux éléments plus traditionnels d’un drame biographique. Comme dans la plupart des films, les détails de la vie et de la philosophie de Munch sont éparpillés dans le dialogue. Il y a un aspect rêveur à l’époque de Vestfold qui est teinté d’obscurité alors que l’amour d’Edvard tourne au vinaigre et qu’il commence sa relation à vie avec la bouteille et les troubles alimentaires.
Évitant délibérément une chronologie traditionnelle, le public fait des allers-retours dans la vie de Munch. À l’âge de quatre-vingts ans et joué par Anne Krigsvoll, il approche de la fin de sa vie en Norvège occupée en 1944. À l’âge de quarante-cinq ans et joué par Ola G. Furuseth Munch fait une dépression nerveuse et est hospitalisé dans le libéral Jacobson clinique (ces sections sont filmées en noir et blanc). La période la plus marquante de sa vie au cinéma est à Berlin (1892 dans la réalité historique, mais contemporaine dans le film) où il voit sa grande exposition fermée et traite d’un doute de soi qui n’est pas aidé par ses contemporains dont August Strindberg (genre échangé et joué par Lisa Carlehed), le modèle et amant de Munch, Dagny Juel (Ida Elise Broch), et le sculpteur Gustav Vigeland (Nader Khademi) qui pontifient sur l’art et le but culturel mais se retrouvent dans une rave EDM dans un entrepôt de Berlin.
La question que le public pourrait se poser est pourquoi Dahlsbakken choisit-il de représenter Munch dans ces scénarios et que disent-ils de l’artiste ? C’est une question pertinente à laquelle le film a du mal à répondre. Il est logique de montrer le temps passé par l’artiste à l’hôpital et ses interactions avec le gentil Dr Daniel Jacobson (Jesper Christensen) qui est fasciné par l’intersection du génie et de la folie. Munch explique la perte de sa sœur et de sa mère et les cicatrices qui l’ont marqué. L’« anxiété » de son père qu’il ressent est dans son sang, et le fait qu’il soit « né mourant », ce qui lui a causé des problèmes pulmonaires tout au long de sa vie. Jacobson compare Munch à Michel-Ange dans sa compulsion à créer (en effet, l’artiste a laissé plus de 30 000 œuvres d’art, dont la plus célèbre est “The Scream”) et l’interaction entre le médecin et le patient permet parfois d’élucider qui était Munch. Pourtant, chaque section du film est en discordance délibérée avec les autres et souvent le public est encore laissé deviner les énigmes de l’artiste en dépit d’un barrage d’indices visuels sur son identité.
Todd Haynes dans son travail sur Bob Dylan Je ne suis pas là a utilisé des techniques similaires, y compris les quatre acteurs jouant le musicien à différentes étapes de sa vie (y compris Cate Blanchett jouant une version échangée entre les sexes) et il est clair que Dahlsbakken a pris des notes de Haynes. Malheureusement, Dahlsbakken n’est pas un réalisateur aussi accompli que Haynes et où Je ne suis pas là travaillé pour maintenir le mythe de Dylan comme peut-être un artiste qui ne peut jamais être simplement catégorisé, Croquer et la direction de Dahlsbakken ne peut pas maintenir les mêmes techniques et parvenir à donner au public une idée de qui était Munch.
Un autre défaut majeur de Croquer est que le récit fracturé repose en fait sur le fait que le public sait qui sont certaines des personnes dans la vie de Munch, mais ne les explique jamais tout à fait. Nous avons des moments où Munch maltraite son amant et mannequin Tulla Larsen (Gine Cornelia Pedersen), mais nous ne recevons pas suffisamment d’informations à son sujet pour que ces scènes aient de la gravité. À moins que le public ne connaisse la relation de Munch avec le grand dramaturge suédois « inadapté » August Strindberg, les scènes de Berlin fonctionnent-elles ? Munch dit à Jacobson “J’ai dit une fois à Strindberg que je détestais tout le monde et tout sauf moi-même, et il a dit que j’avais de la chance parce qu’il se déteste aussi.” Il y a un aperçu du personnage mais pas assez pour établir à quel point cette relation était importante pour Munch.
Dahlsbakken parvient à fournir des visuels fascinants, en particulier dans une scène où Munch traverse Berlin à l’aube et le ciel devient une toile qui reflète ses peintures. Lorsque la section en noir et blanc de l’hôpital se déplace dans un paysage de rêve où Munch essaie de décider s’il est vivant ou mort, il y a une beauté obsédante.
Le script à différents moments semble exister afin que Munch puisse livrer des lignes telles que “Je suis si sensible que je peux peindre de belles choses” et “Quand je peins, je me sens entier” ou “L’art naît de la joie et du chagrin, surtout du chagrin .” En dépit d’essayer d’éviter les clichés, le script tombe dedans. La juxtaposition de retenir des informations essentielles sur l’artiste et d’attendre que le public comprenne le langage symbolique est choquante et finalement assez vide. Cependant, Dahlsbakken a pris un risque avec Croquer et cela est admirable en soi ; le fait que le risque ne paye pas est décevant mais un échec intéressant peut souvent être plus gratifiant qu’un succès médiocre.
Voir également
Directeur: Henrik Martin Dahlsbakken
Jeter: Alfred Ekker Strande, Mattis Herman Nyquist, Ola G. Furuseth
Écrivains: Henrik Martin Dahlsbakken, Eivind Sæther, Fredrik Høyer, Mattis Herman Nyquist, Gine Cornelia Pedersen
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