TLDR : Dans cet article, nous discutons de la notion de “plantes de l’industrie” dans l’industrie musicale, en expliquant que ce phénomène a toujours existé, même avec des groupes comme les Beatles et David Bowie. La clé est de reconnaître que l’industrie musicale est motivée par le profit, pas nécessairement par une machination malveillante.
Ces dernières années, nous sommes devenus obsédés par l’expression “planter l’industrie”, et ce n’est pas une mince tragédie. À une époque où l’industrie musicale est en proie à des disparités entre les classes sociales, à une misogynie et à un racisme persistants, à des dividendes effrénés de la part des grands groupes, à une diminution des parts de bénéfices des artistes et à des projets de base vitaux confrontés à une menace économique existentielle, concentrer une guerre d’attention sur la question des mythiques “usines de l’industrie” revient à lutter contre le changement climatique en essayant de trouver ces satanés dragons cracheurs de feu et de les contraindre à une soumission incombustible.
Nous sommes devenus avides de pouvoir avec notre envie d’identifier et de dénoncer les soi-disant “plantes industrielles” : “Royal Blood a fait quelque chose que je n’ai pas aimé, et je n’ai jamais aimé leur musique non plus” signifie soudainement “plante industrielle” ; “Wet Leg n’est pas le groupe que j’espérais être la grande percée indie des années 2020, et ce sont des femmes”. Résultat ? L’industrie se plante. Ce calcul semble découler de la nature de plus en plus conspiratrice de la société, qui coïncide avec l’étrange désir philosophique moderne de faire en sorte que le monde qui nous entoure corresponde exactement à nos propres idéaux philosophiques – jusqu’aux groupes qui “deviennent célèbres”.
Cependant, ce qu’ils ne font pas, c’est fournir la moindre preuve et se contenter de déformer l’histoire d’un groupe pour qu’elle corresponde à leur notion de “popularité insuffisante” et postuler que cela est dû à quelque chose de sinistre plutôt qu’à une simple différence de goût. Pour s’en convaincre, il suffit de se rappeler que Wet Leg a été qualifié de “sensation du jour au lendemain” plus de dix ans après le début de sa carrière musicale, ce qui lui a finalement permis de trouver un créneau commercial concordant.
L’histoire de Wet Leg montre à quel point les mécanismes de la narration de l’industrie sont absurdes. Si les groupes sont populaires, c’est parce que les gens les aiment. L’expression “planter l’industrie” implique que ces fans ont, en fait, subi un lavage de cerveau pour aimer les artistes. Mon amie est une grande fan de Wet Leg et a récemment décrit leur concert comme l’un des meilleurs qu’elle ait vus depuis longtemps ; le plaisir de cette amie a-t-il été contraint par une cabale sinistre au sein de l’industrie ? Si elle a été assez sage pour les considérer comme des produits de l’industrie, ne les aimera-t-elle pas et se mettra-t-elle soudainement à écouter exclusivement des groupes non signés, non contaminés par les méthodes dégoûtantes de l'”industrie musicale” ?
Pour décomposer l’argument, rien n’a été présenté comme une preuve de l’existence d’une usine de l’industrie qui ne soit pas conforme aux normes d’une maison de disques à l’ère de la culture pop : le travail d’une maison de disques est de trouver des artistes dont elle pense qu’ils pourraient avoir du succès. Ils essaient ensuite de les aider dans leur parcours en les conseillant, en les finançant, en les commercialisant et en les faisant monter sur les plus grandes scènes possibles. Pendant ce temps, ils font pression sur la presse musicale et font la promotion de l’artiste auprès du public. Du point de vue de l’industrie, il s’agit d’un sinistre stratagème destiné à placer des artistes non méritants dans une position de pouvoir et à tromper le grand public. En réalité, il s’agit littéralement du travail d’une maison de disques qui n’a pas changé d’un iota depuis les débuts de la culture pop.
La distinction qui semble avoir été oubliée dans tout cela est que l’industrie musicale est motivée par le profit, tout comme n’importe quelle autre entreprise. Et dans ce cas, ses profits proviennent de la popularité. Peut-être parce que nous considérons l’art musical comme une sorte d’authentique transcendance de l’âme sur la lutte, nous imprégnons l’industrie qui le soutient d’un sentiment similaire. Nous voulons qu’elle tende l’oreille dans les sous-sols de ce monde, à la recherche de la prochaine star modeste comme Nick Drake, et qu’elle leur donne une licence créative libre. Et peut-être que dans un monde parfait, ils soutiendraient le talent et l’intégrité artistique à outrance, mais il s’agit là d’une chimère idéologique. Si de nombreux artistes brillants peuvent en effet souffrir de l’inclination naturelle de l’industrie à défendre des œuvres commerciales, gérables et modelables, ceux qui sont soutenus vers le succès le sont en raison de la rentabilité potentielle que leur confère leur popularité. Toute suggestion de conspiration relève soit d’une incompréhension flagrante du fonctionnement de l’industrie, soit d’un cynisme toxique qui, dans l’ensemble, a fait progresser la misogynie.
Lorsqu’un label se fait le champion d’un groupe, il ne s’agit pas d’une sorte de conspiration diabolique visant à tromper les masses, mais plutôt d’une stratégie économique intelligente – la même stratégie intelligente qui a changé le monde un nombre incalculable de fois grâce à des artistes brillants que je ne peux m’empêcher de qualifier, malheureusement, de “plantes de l’industrie” et, pour preuve, j’en ai compilé quelques-unes ci-dessous.
Cela ne veut pas dire que tout ce que l’industrie musicale fait au nom du profit est acceptable – il y a des dissimulations, des problèmes de rémunération et d’autres tactiques détournées – mais simplement qu’épuiser notre attention sur les “plantes de l’industrie” est une distraction désolante. Lorsque nous nous attaquons aux disparités dans l’industrie musicale, nous devons veiller à ne pas perpétuer un mythe dangereux et à ne pas perdre de vue les véritables problèmes. Par exemple, la réaction à la petite querelle idiote de Royal Blood a fait couler beaucoup plus d’encre que la perte imminente de lieux de concerts populaires comme The Leadmill, le coup de massue potentiel de l’implication sans politique de l’IA dans la musique, ou, sur une note plus festive, le nouveau festival exclusivement féminin Higher Ground.
Alors, pour enfoncer le clou, jetons un coup d’œil à quelques grands groupes passés qui ne se distinguent en rien des artistes modernes que l’on ternit inconsidérément avec la brosse à reluire de l’industrie.
Les meilleurs groupes de l’industrie du disque :
Sommaire
- Les Beatles
- Les Sex Pistols
- David Bowie
- FAQ:
Les Beatles
“Ils les ont fait venir de Liverpool”, se souvient George Martin à propos de sa première rencontre avec les Beatles. “Quand j’ai écouté ce qu’ils faisaient, c’était bien, mais ce n’était pas brillant. C’était bien, mais je me suis dit : “Pourquoi devrais-je m’intéresser à ça ?”. Même à cette époque, Martin était un producteur très respecté qui travaillait avec certains des meilleurs virtuoses de la scène britannique.
Lire Paul McCartney - "Rock With 'US' : la liste des concerts "sold out"“Mais la magie a opéré lorsque j’ai commencé à les connaître, parce que c’étaient des gens terriblement agréables à connaître. Ils étaient drôles, très intelligents et disaient toutes sortes de choses agréables. Et c’était le genre de personnes avec lesquelles on aimait être. Je me suis donc dit : “Si je ressens cela pour eux, d’autres personnes ressentiront cela pour eux”. Et donc, ils devraient être très populaires”, conclut Martin. Si vous enlevez le cœur et l’humanité, vous obtenez quelque chose qui n’est pas très différent des critiques formulées à l’encontre des usines de l’industrie en raison de leur mercantilisme et de leur facilité de gestion, qui ont été privilégiés au détriment du “talent” et de l'”originalité”.
Dès le départ, les Beatles ont été mis en avant par Parlophone alors qu’ils n’étaient rien de plus qu’un boysband commercialisable à la musicalité moyenne chantant des chansons génériques sur des histoires d’amour qui se tiennent par la main. Et pourtant, deux ans après leur signature, des panneaux d’affichage étaient placardés dans toute la ruche culturelle de l’Amérique, déclarant : “Les Beatles arrivent” : “Les Beatles arrivent”. Cette promotion par l’industrie a contribué à créer une hystérie chez les fans, qui les a poussés bien au-delà de la profondeur de la musique qu’ils produisaient à l’époque. Mais ils ont touché un créneau de la société et, même si certains puristes n’ont pas apprécié, ils ont connu un succès monumental.
Libérés par ce soutien, leurs talents ont continué à se développer et ils ont légitimement mérité la place louée qui leur avait été réservée. S’agit-il pour autant d’une usine à fabriquer de l’industrie ou simplement d’artistes bien gérés, prêts à surfer sur la vague de l’air du temps ?
Les Sex Pistols
Il y a deux façons de considérer les Sex Pistols : le groupe qui a révolutionné la culture, arrachant le monde aux virtuoses et ouvrant la porte à ceux qui ont quelque chose à dire plutôt que simplement les moyens de dire quelque chose, ou bien des escrocs assemblés par un magnat et une boutique de mode qui ont volé le son des Ramones et le look de Richard Hell, puis se sont contentés de sortir des chansons incendiaires pour servir d’autopromotion, tout en ayant très peu de talent instrumental.
À bien des égards, ces deux positions sont défendables… ce qui souligne le fait que notre vision de la validité artistique dépend de nos goûts respectifs plutôt que d’une quelconque “vérité” conspiratrice. En fin de compte, quel que soit le degré d’ingéniosité et d’artifice du groupe, il ne fait aucun doute qu’il a changé la culture pour toujours après coup, et c’est là un exploit artistique qui échappe à la fronde et aux flèches des détracteurs.
Sid Vicious était un bassiste qui ne savait pas jouer de la basse, Johnny Rotten a été repêché dans la rue grâce à son T-shirt et à son look, et le livre de Steve Jones révèle qu’il s’agissait d’une bande de caricatures imaginées par le riche magnat de la musique et de la mode Malcolm McLaren et la styliste Vivienne Westwood. Mais comme les Sex Pistols ont précédé la mode actuelle, ils sont à juste titre considérés comme des subversifs intelligents et libérateurs qui ont sauvé le monde d’une culture prog et bourgeoise ennuyeuse et vêtue de fromage.
David Bowie
L’un des éléments les plus étranges de l’argument de l’industrie du disque est qu’un groupe ne peut pas, à juste titre, échouer dans un genre ou un projet, puis changer de tactique et connaître soudainement le succès. L’implication est qu’un changement de style est soit synonyme de vente de l’âme, soit la preuve que l’industrie s’est emparée d’une toile vierge semblable à celle d’un musicien et l’a marionnettisée par la suite. David Bowie serait certainement victime de ces accusations inutiles s’il était une star montante aujourd’hui.
Au départ, Bowie était le proverbial artiste catastrophe. Cependant, à bien des égards, ses échecs en disent plus sur lui en tant qu’artiste que sa célébrité. Aujourd’hui, le terme “influenceur” est chargé de toutes les connotations des médias sociaux, mais lorsque Bowie essayait de faire irruption sur la scène, la culture pop existait depuis à peine assez longtemps pour que les gens en saisissent même la notion.
Au début, il voulait plus que tout être un architecte du changement d’une manière ou d’une autre, et tout le reste était secondaire. Il voulait simplement être une figure influente. Il a déclaré un jour : “Je suppose que pour moi, en tant qu’artiste, il ne s’agissait pas seulement d’exprimer mon travail ; je voulais vraiment, plus que tout autre chose, contribuer d’une manière ou d’une autre à la culture dans laquelle je vivais”.
Que ce soit par le biais de la musique, de son spectacle de mime multimédia, qui n’a pas duré longtemps, ou d’autres moyens, Bowie était plus préoccupé par le “devenir” que par l'”être”. Il aspirait à devenir une star et à exercer son influence créative sur la société, mais cela signifie-t-il que lorsqu’il a eu l’occasion de le faire en s’associant avec le grand manitou de l’industrie Tony Visconti, l’œuvre couronnée de succès qui a suivi était creuse et invalide ?
Lorsqu’il a connu le succès, les gens ont également “découvert” avec désapprobation qu’il avait également travaillé dans l’industrie en tant qu’auteur-compositeur avant de devenir célèbre. Ce salaud avait en fait osé établir des liens préexistants par le biais d’un travail acharné qui lui a finalement donné une longueur d’avance ! En fin de compte, Bowie a affiné son jeu vers quelque chose de plus grand public et les millions de fans qu’il a gagnés grâce à cela – dont les vies ont été bénies par sa brillance – affirmeraient fièrement qu’il n’y a aucun problème avec cela ou qu’il n’y a aucune conspiration en cours dans son succès.
FAQ:
Q: Qu’est-ce qu’une “plante de l’industrie” ?
R: Une “plante de l’industrie” est un terme utilisé pour décrire un artiste ou un groupe qui est promu par l’industrie musicale en raison de leur potentiel commercial, plutôt que de leur talent musical.
Q: Pourquoi l’industrie musicale est-elle motivée par le profit ?
R: Comme toute entreprise, l’industrie musicale est là pour générer des revenus. Elle est donc plus susceptible de promouvoir des artistes qui ont un large appel commercial.
Q: Est-ce que les Beatles et David Bowie étaient des “plantes de l’industrie” ?
R: Selon la définition, oui. Ces artistes ont été fortement promus par leurs maisons de disques respectives en raison de leur potentiel commercial.