Les photographes de studio sont souvent admirés pour leurs compétences en éclairage, et pour cause. Créer un éclairage de portrait convaincant est non seulement extrêmement difficile, mais nécessite un équipement d’éclairage, des arrière-plans et un espace de prise de vue. L’édition peut jouer un petit ou un grand rôle dans l’image finale. Vous êtes-vous déjà demandé quelle part de ce que vous voyez a été créée à huis clos, par opposition à la salle de montage ? Dans cet article, je vais vous montrer quelques images avant et après de mon propre travail en studio et lever le voile sur mon processus de montage.
En tant que photographe portraitiste, j’aime acquérir des connaissances et améliorer mes compétences en éclairage. J’ai étudié avec de nombreux photographes que j’admire, afin de développer ma connaissance de l’éclairage dans le but de trouver ma propre voix personnelle en tant qu’artiste visuel. J’expérimente souvent, organisant des séances de studio tard dans la nuit avec des amis photographes où nous explorons différentes lumières, modificateurs et même reproduisons l’éclairage de certains de nos portraitistes préférés.
Je le mentionne pour jeter les bases de cet article et dissiper toute idée fausse, car rien ne remplace la compréhension de la manipulation de la lumière en studio. Il n’y a pas de raccourci au-delà des fondamentaux, et aussi performante que soit la technologie d’aujourd’hui, vous ne pouvez toujours pas réparer un mauvais éclairage en post-production. Cela signifie que ma principale préoccupation est de créer une image à huis clos contenant les matières premières dont j’ai besoin pour la salle de montage.
Une autre préoccupation pour moi est le type d’image que j’essaie de créer et le but qu’elle servira. Lorsque je crée une photo de la tête et des épaules, je la garde généralement propre et simple, en évitant un look post-traité. Par conséquent, les portraits que je crée sont terminés à 95 % à huis clos. Cela est particulièrement vrai pour les clients professionnels qui recherchent une photo à utiliser sur les réseaux sociaux qui les représente lors de leur meilleur jour. Je garde le drame pour mon travail de portrait et je l’offre en plus de portraits nets et simples.
Alors, combien de modifications sont effectuées en post ? Pour moi, cela varie en fonction de la capture, du sujet et de l’objectif. Il n’y a pas d’approche “taille unique”, bien que la plupart de mes portraits soient coloriés et utilisent des ombres dramatiques avec un degré variable d’intensité. Examinons quelques images avant et après et discutons du processus que j’ai utilisé pour créer le résultat final.
Prenez cette image de Lee. Il est facile de voir que je n’ai pas changé l’éclairage de manière majeure par rapport à la capture d’origine. La différence la plus notable entre les deux images est que j’ai colorié la photo finale et que je me suis éloigné des tons plus chauds de la capture d’origine. Une technique courante que j’utilise consiste à peindre un peu dans les ombres en utilisant des calques de courbes. Cela ajoute une touche dramatique tout en préservant l’image d’origine. Si vous regardez attentivement, vous remarquerez peut-être que j’ai également assombri ses mains juste un peu, afin d’aider à attirer les yeux sur le visage, qui est au centre de mon travail de portrait.
Passons maintenant à quelque chose qui a demandé un peu plus de post-production. Dans l’image de Tarik ci-dessous, la différence la plus notable, comme dans l’image de Lee, est l’utilisation de l’étalonnage des couleurs. L’image d’origine était également sous-exposée, ce que je fais parfois exprès, car il est beaucoup plus facile de tirer des détails des ombres en post. Dans ce cas, j’étais un peu plus en dessous que je ne l’aurais souhaité, mais j’avais encore de la place pour augmenter l’exposition de base avant de commencer le montage. L’autre différence ici est que le drame global de l’éclairage a été amélioré en post. Regardez les ombres sur le côté gauche de son nez, par exemple. Le montage est un peu plus sombre que l’original. La même chose peut être dite des reflets sur sa joue droite de la caméra. Il y a un pop beaucoup plus distinct dans les hautes lumières que sur l’original. Cela a été accompli non seulement en augmentant simplement l’exposition, mais comme auparavant, mais en utilisant un certain nombre de couches de courbes et en peignant dans les ombres et les hautes lumières. J’ai également ajouté des couches texturées pour faciliter l’étalonnage des couleurs et l’aspect général que je voulais. Comme pour la première image, le gros du travail d’éclairage a été fait dans mon studio et non en poste.
Dans l’image suivante de mon fils, j’ai utilisé la même technique d’édition de base que pour les deux images précédentes, bien que cette fois, j’ai ajouté un effet d’éclairage en post. Après avoir étalonné l’image, j’ai peint dans les ombres et les hautes lumières, comme avant, sauf avec une main plus lourde. Ceci est particulièrement visible sur la joue gauche de sa caméra, qui est considérablement plus sombre que sur l’image d’origine. Ensuite, la vignette d’arrière-plan a été peinte en utilisant un autre calque de courbes, afin de donner l’illusion qu’une lumière d’arrière-plan frappait la toile. Enfin, j’ai augmenté le contraste et écrasé un peu les ténèbres et les lumières à l’aide du curseur Niveaux pour donner à l’image le pop supplémentaire dont elle avait besoin pour correspondre à son expression.
Dans l’image suivante de Katherine, en plus des techniques dont j’ai déjà parlé, j’ai également retouché sa peau. Personnellement, je préfère l’approche «moins c’est plus» à la retouche, bien que presque toutes les images qui quittent mon studio soient retouchées à un degré ou à un autre. Parfois, cela signifie enlever une seule tache ou un poil égaré, mais cela dépend de la peau de la personne et du contexte de l’image. Je ne vais pas ressasser ce que j’ai déjà expliqué, car il devrait être clair à ce stade que le style de montage a été fait presque de la même manière que les images précédentes. J’ajouterai qu’ici, comme je le fais souvent, l’image est recadrée d’un format 4×6 à un 4×5. Bien que je réalise que je peux régler mon appareil photo pour photographier en 4×5, je préfère le format plus large pour diverses raisons. Il y a des moments où j’ai l’impression que la composition nécessite un recadrage 4×6 afin de transmettre correctement le message. D’un point de vue pratique, j’aime aussi avoir un peu de marge de manœuvre dans mes images pour le recadrage, car le plus souvent je préférerai recadrer, comme je l’ai fait ici. En ce qui concerne notre sujet de l’éclairage, une autre chose que j’aime faire est de peindre avec de la lumière dans les yeux et autour des yeux. Cela illumine non seulement les yeux, mais peut aider à éliminer les ombres sombres sous eux. Gardez à l’esprit que j’ai utilisé une touche très légère pour cela, car il est très facile d’en faire trop.
Ensuite, parlons de l’image de John ci-dessous. Il a été créé comme une exploration du style de Dan Winters, et bien que j’aie fait de mon mieux pour reproduire l’éclairage dans mon studio, je me suis également appuyé sur le montage pour donner vie à l’image et composer les ombres dures, ainsi que la vignette. Contrairement aux images précédentes, le montage joue un rôle plus crucial dans le résultat final. L’image non éditée se composait d’une lumière principale, d’une lumière d’appoint, d’un drapeau et d’un éclairage d’arrière-plan, qui peuvent tous être vus dans la version non éditée. En post, cependant, j’ai considérablement amélioré l’ombre dure sur le côté droit de l’appareil photo du visage du sujet, et j’ai également éclairci la lumière d’arrière-plan pour améliorer la lueur circulaire. J’ai également écrasé les noirs et fait ressortir les hautes lumières, bien que la sensation générale de l’image soit toujours en sourdine. La principale chose à noter ici est que l’importance du post-traitement fait désormais plus partie intégrante de l’image finale. Dans les exemples précédents, l’édition a joué un rôle moins important dans la création de la densité réelle des ombres et de la forme de la lumière. Malgré tout, j’ai quand même fait de mon mieux pour rester fidèle à l’éclairage d’origine, sans ajouter ou créer des ombres ou des reflets complètement nouveaux qui n’étaient pas déjà présents dans le fichier brut.
L’image finale dont je veux discuter représente également le montage le plus agressif. Contrairement aux images précédentes, celle-ci a été créée principalement dans Affinity Photo lors d’une expérience de montage. L’image originale utilisait la méthode d’éclairage standard Peter Hurley key-fill-kick, qui est toujours apparente dans le montage. J’ai cependant utilisé plusieurs calques de texture pour donner à l’image un aspect granuleux, ainsi que des calques de courbes pour peindre dans les ténèbres et les lumières. J’ai également ajouté la vignette et renforcé les détails de contraste pour renforcer la texture granuleuse et la crudité de l’image. Comme pour le reste des images, j’ai également ajouté une courbe de couleur. En général, je vais rarement aussi loin dans la salle de montage, mais cette image peut servir d’exemple de ce que vous pouvez faire avec une main habile en poste. Comme pour toutes les images de cet article, cependant, l’éclairage d’origine reste en grande partie inchangé.
Conclusion
Bien que certains photographes utilisent le post-traitement pour créer l’essentiel de leur “look”, j’ai constaté que la plupart des photographes que je suis amené à utiliser l’édition comme un moyen d’améliorer, plutôt que de créer, leur vision. Au lieu de s’appuyer sur une mentalité de «réparer en post», ils obtiennent l’exposition, l’éclairage et le style final très proches à huis clos et utilisent le montage pour peaufiner ce qui est déjà une excellente capture. J’ajouterai également que si vous photographiez en mode connecté comme je le fais, il est important de montrer à vos clients un rendu précis de ce à quoi ressemblera l’image finale. Lorsque mes clients voient les images apparaître sur mon écran, cela les inspire et contribue à créer une énergie positive lors de leur séance. Cela affecte également vos résultats en tant que photographe. Cependant, je ne suis pas contre l’utilisation intensive du post-traitement, comme je l’espère, cet essai l’a clairement indiqué. J’espère que cet aperçu de mon processus d’édition a été perspicace et, comme toujours, j’aimerais avoir de vos nouvelles dans la section des commentaires.
Abonnez-vous à notre page Facebook: https://www.facebook.com/mycamer.net
Pour recevoir l’actualité sur vos téléphones à partir de l’application Telegram cliquez ici: https://t.me/+KMdLTc0qS6ZkMGI0
Nous ecrire par Whatsapp : Whatsapp +44 7476844931
Jeu de briques
Snake
Pacman
Bubble