Peindre l’existence noire dans l’histoire

Lorsque la cinéaste Christine Turner a reçu un appel du Los Angeles County Museum of Art (LACMA) lui demandant si elle accepterait de faire un film sur les peintres Kehinde Wiley et Amy Sherald, elle n’a pas hésité à dire oui. Elle avait suivi le travail des deux artistes pendant plusieurs années, allant même une fois voir le travail de Sherald à New York alors qu’elle était enceinte de neuf mois. Et elle savait que la seule façon de présenter Wiley et Sherald dans toute leur gloire, m’a-t-elle dit, était de “leur donner la même révérence, la même dignité et le même respect” qu’ils accordent à leurs propres modèles. Le produit final, “Paint & Pitchfork”, explore l’héritage inachevé de deux icônes culturelles noires et comment, en se peignant eux-mêmes, leurs sujets et leur peuple dans le dossier de l’histoire de l’art, ils tentent de rectifier l’absence sociale et culturelle de, comme Wiley dit, dans le film, “des gens qui me ressemblent”.

Wiley parle de son éducation dans le centre-sud de Los Angeles comme d’une époque où son talent artistique s’est épanoui et ses liens familiaux se sont approfondis, même face à la pauvreté. Dans le documentaire, des photos de ces années apparaissent à l’écran, accompagnées des instruments qui alimentent la bande originale du jazz : des battements de tambour introduisent l’image d’un jeune Wiley avec une chevelure à la Basquiat ; les barres métalliques d’un vibraphone cèdent la place à l’artiste en tant qu’adulte photographié parmi une mer de membres souriants de la famille, tous vêtus de vêtements colorés et serrés contre lui. Turner présente les arrière-plans luxuriants et complexes des peintures à grande échelle de Wiley avant de zoomer sur les détails précis : sa palette, ses coups de pinceau, les zones de toile qu’il colore méticuleusement. Wiley explique son attirance intense vers les dix-septième, dix-huitième et des maîtres du XIXe siècle tels que Diego Velázquez et Francisco Goya, et vers des maîtres contemporains de l’art plus figuratif, dont Charles White et Kerry James Marshall ; en partie à cause de ce mélange d’influences, Wiley a déterminé que son style allait être très majestueux et très noir. “Je regarderais ça”, dit-il, se référant à de grands portraits européens, “et je m’y mettrais.”

Le film pivote ensuite sur Sherald, qui apparaît en denim de la tête aux pieds, son col sauté et frôlant ses boucles en tire-bouchon. Ses racines sont dans le sud des États-Unis et elle explique comment le conservatisme de Columbus, en Géorgie, sa ville natale, est devenu le modèle de ce qu’il ne faut pas imiter dans sa vie et son art. Les cornes trrillent tout au long d’une progression des photos d’enfance de Sherald, et nous voyons que les combinaisons de couleurs saisissantes de son art se reflètent dans ses vêtements, comme si c’était à ce moment-là qu’elle avait commencé à développer son style. « J’ai fait un tableau, où j’ai trouvé cette jeune femme qui vivait hors des sentiers battus. J’ai réalisé que c’était le genre de personne que je recherchais », déclare Sherald. « Ce sont ces personnes qui ont besoin d’être représentées dans l’histoire de l’art et d’être sur les murs des institutions. Ce sont les gens qui ont besoin de regarder quelque chose et de trouver leur humanité à l’intérieur de cela, car il est parfois impossible de le trouver ailleurs.

Les lignes de temps des artistes ont convergé lorsqu’ils ont reçu des commandes qui ont changé leur vie de la National Portrait Gallery pour immortaliser les Obamas. Le travail de Wiley a tendance à encadrer les hommes noirs avec des fleurs métaphoriques et d’autres motifs. Dans son portrait de Barack Obama, Wiley a ajouté des représentations botaniques du passé de l’ancien président, y compris des fleurs d’Hawaï, de l’Illinois et du Kenya, qui sortent de leurs rideaux feuillus pour embrasser le modèle stoïque. Le portrait de Sherald de Michelle Obama est typique du style de blocage des couleurs de l’artiste, qui met l’accent sur la majesté de l’ancienne Première Dame.

Les deux portraits commémorent leurs sujets, mais pas plus que les artistes ne visent à faire pour toutes les autres personnes noires qu’ils représentent. Ce qui unit leur travail, c’est qu’il s’agit d’une adresse directe à un vide de représentation – ils utilisent leur médium pour dire «oui» à l’humanité noire quand l’histoire dit «non». “La question que l’on m’a souvent posée est la suivante : ‘Peindras-tu jamais quelqu’un d’autre que des Noirs ?’ Ma réponse est ‘Non, je ne le ferai pas’ », dit Sherald. “Je suis ici pour peindre mon propre idéal et le représenter dans le monde, et si je ne peux pas le faire, alors quelque chose ne va pas du tout.” Elle ajoute, comme note finale du film, “Vous devriez regarder un livre d’histoire et voir encore si vous voulez me poser cette question, parce que le problème est que vous reconnaissez une absence de vous-même, mais vous ne reconnaissez pas l’absence de moi.”

Lorsque la cinéaste Christine Turner a reçu un appel du Los Angeles County Museum of Art (LACMA) lui demandant si elle accepterait de faire un film sur les peintres Kehinde Wiley et Amy Sherald, elle n’a pas hésité à dire oui. Elle avait suivi le travail des deux artistes pendant plusieurs années, allant même une fois voir le travail de Sherald à New York alors qu’elle était enceinte de neuf mois. Et elle savait que la seule façon de présenter Wiley et Sherald dans toute leur gloire, m’a-t-elle dit, était de “leur donner la même révérence, la même dignité et le même respect” qu’ils accordent à leurs propres modèles. Le produit final, “Paint & Pitchfork”, explore l’héritage inachevé de deux icônes culturelles noires et comment, en se peignant eux-mêmes, leurs sujets et leur peuple dans le dossier de l’histoire de l’art, ils tentent de rectifier l’absence sociale et culturelle de, comme Wiley dit, dans le film, “des gens qui me ressemblent”.

Wiley parle de son éducation dans le centre-sud de Los Angeles comme d’une époque où son talent artistique s’est épanoui et ses liens familiaux se sont approfondis, même face à la pauvreté. Dans le documentaire, des photos de ces années apparaissent à l’écran, accompagnées des instruments qui alimentent la bande originale du jazz : des battements de tambour introduisent l’image d’un jeune Wiley avec une chevelure à la Basquiat ; les barres métalliques d’un vibraphone cèdent la place à l’artiste en tant qu’adulte photographié parmi une mer de membres souriants de la famille, tous vêtus de vêtements colorés et serrés contre lui. Turner présente les arrière-plans luxuriants et complexes des peintures à grande échelle de Wiley avant de zoomer sur les détails précis : sa palette, ses coups de pinceau, les zones de toile qu’il colore méticuleusement. Wiley explique son attirance intense vers les dix-septième, dix-huitième et des maîtres du XIXe siècle tels que Diego Velázquez et Francisco Goya, et vers des maîtres contemporains de l’art plus figuratif, dont Charles White et Kerry James Marshall ; en partie à cause de ce mélange d’influences, Wiley a déterminé que son style allait être très majestueux et très noir. “Je regarderais ça”, dit-il, se référant à de grands portraits européens, “et je m’y mettrais.”

Le film pivote ensuite sur Sherald, qui apparaît en denim de la tête aux pieds, son col sauté et frôlant ses boucles en tire-bouchon. Ses racines sont dans le sud des États-Unis et elle explique comment le conservatisme de Columbus, en Géorgie, sa ville natale, est devenu le modèle de ce qu’il ne faut pas imiter dans sa vie et son art. Les cornes trrillent tout au long d’une progression des photos d’enfance de Sherald, et nous voyons que les combinaisons de couleurs saisissantes de son art se reflètent dans ses vêtements, comme si c’était à ce moment-là qu’elle avait commencé à développer son style. « J’ai fait un tableau, où j’ai trouvé cette jeune femme qui vivait hors des sentiers battus. J’ai réalisé que c’était le genre de personne que je recherchais », déclare Sherald. « Ce sont ces personnes qui ont besoin d’être représentées dans l’histoire de l’art et d’être sur les murs des institutions. Ce sont les gens qui ont besoin de regarder quelque chose et de trouver leur humanité à l’intérieur de cela, car il est parfois impossible de le trouver ailleurs.

Les lignes de temps des artistes ont convergé lorsqu’ils ont reçu des commandes qui ont changé leur vie de la National Portrait Gallery pour immortaliser les Obamas. Le travail de Wiley a tendance à encadrer les hommes noirs avec des fleurs métaphoriques et d’autres motifs. Dans son portrait de Barack Obama, Wiley a ajouté des représentations botaniques du passé de l’ancien président, y compris des fleurs d’Hawaï, de l’Illinois et du Kenya, qui sortent de leurs rideaux feuillus pour embrasser le modèle stoïque. Le portrait de Sherald de Michelle Obama est typique du style de blocage des couleurs de l’artiste, qui met l’accent sur la majesté de l’ancienne Première Dame.

Les deux portraits commémorent leurs sujets, mais pas plus que les artistes ne visent à faire pour toutes les autres personnes noires qu’ils représentent. Ce qui unit leur travail, c’est qu’il s’agit d’une adresse directe à un vide de représentation – ils utilisent leur médium pour dire «oui» à l’humanité noire quand l’histoire dit «non». “La question que l’on m’a souvent posée est la suivante : ‘Peindras-tu jamais quelqu’un d’autre que des Noirs ?’ Ma réponse est ‘Non, je ne le ferai pas’ », dit Sherald. “Je suis ici pour peindre mon propre idéal et le représenter dans le monde, et si je ne peux pas le faire, alors quelque chose ne va pas du tout.” Elle ajoute, comme note finale du film, “Vous devriez regarder un livre d’histoire et voir encore si vous voulez me poser cette question, parce que le problème est que vous reconnaissez une absence de vous-même, mais vous ne reconnaissez pas l’absence de moi.”

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