CURATING Portrait of Northern Ireland: Ni une élégie ni un manifeste, n’a été une tâche herculéenne – et sensible à cela.
Me parlant la semaine dernière alors que la touche finale était apportée à l’exposition, qui a ouvert ses portes au public à la Golden Thread Gallery de Belfast hier, la conservatrice Shan McAnena explique qu’à cause de Covid-19, son travail a commencé en mai.
La tâche de passer au crible et de sélectionner des travaux allant de la partition à aujourd’hui aurait pris trois fois plus de temps avant la pandémie – mais avec l’aide d’un conseil consultatif et du soutien – mais sans ingérence artistique – du bureau d’Irlande du Nord, ils l’ont retiré ensemble.
“Cela aurait normalement duré un an et demi, mais nous y sommes parvenus”, explique McAnena.
“Je voulais présenter les meilleurs artistes nord-irlandais et leur travail, mais nous savions que ce serait complexe et sensible. C’est pourquoi nous avons proposé la phrase de John Hewitt, ‘Ni une élégie ni un manifeste’.”
Le résultat est magnifique. C’est élégant, stimulant sur l’importance du fait que l’Irlande du Nord a maintenant 100 ans, parfois ludique et finalement émouvante.
Il explore notre identité même. Le titre de l’exposition, comme indiqué, est le titre d’un des poèmes de John Hewitt qui s’ouvre sur le vers « Gardez à l’esprit ces morts ».
Nous ne pouvons pas éviter cela dans la section Troubles, où esthétiquement vous assistez à la naissance d’une terrible beauté via la grande toile de Joseph McWilliams capturant un défilé Orange et Woman of Belfast V de FE McWilliam. Cette petite sculpture montre une silhouette en chute, prise dans le thé Abercorn bombardement de chambres à Belfast en mars 1972. Elle est jolie, condamnée et anonyme. Nous ne connaissons pas son nom donc il y a une universalité dans sa souffrance.
S’adressant à l’un des membres de l’équipe travaillant dans la galerie, la jeune femme dans la vingtaine a remarqué que sa photo préférée était probablement Holding The Rope de Victor Sloan, montrant une petite fille sautant avec le chaos et la violence des Troubles tout autour. Elle a dit qu’elle l’aimait parce que cela reflétait ce avec quoi elle avait grandi.
Mais il y a une image plus grande, pour ainsi dire, et le spectacle non chronologique est divisé de manière imaginative en sections, à commencer par A Sense of Place.
Après avoir remarqué une affiche élégante des années 1930 vous invitant à visiter l’Ulster via la Cunard Line, vous voyez le petit paysage lyrique de Paul Henry, In the West of Ireland (1921), l’une des œuvres d’art que vous voulez voler.
L’artiste né à Belfast, dont le travail est également apparu sur des affiches, résonne à travers des peintures de pêcheurs de la République et du Donegal. Ce tableau nous relie donc à la pré-Partition, à la notion de l’ensemble de l’île d’Irlande plutôt qu’aux juridictions créées en 1921, suite au Government of Ireland Act voté un an plus tôt.
L’exposition – qui occupe également une place dans le programme du Belfast International Arts Festival – se déroule à la Golden Thread Gallery jusqu’au 4 novembre.
McAnena, qui vit ici depuis 30 ans, est anglaise et révèle qu’elle était au départ légèrement hésitante à accepter le rôle, affirmant que l’exposition n’était pas “un travail à 50 pour cent catholique, 50 pour cent protestant”.
Elle note : « Ce n’est pas à l’artiste de produire un documentaire mais il est intéressant que les artistes ici puissent s’identifier comme irlandais, britanniques, nord-irlandais et européens.
“Nous avons approché plus de 140 artistes et seulement six ont dit ‘Non’, et pas tous pour des raisons politiques. Mais l’art peut percer les étiquettes, offrant tout, de la provocation à la joie.”
C’est un spectacle nuancé. Vous ne pouvez pas facilement classer le nord ou sa production artistique.
La ravissante toile de Gretta Bowen, par exemple, est une magnifique tranche d’art brut intitulée Country Match of the Day, montrant des footballeurs exubérants peints à l’aide de la boîte de peinture de son fils, n’appartient pas aux étiquettes d’histoire de l’art.
Dans le deuxième espace, intitulé A New Tradition, vous voyez des portraits locaux, de bourgeois aisés, une jeune mère poussant son bébé dans un landau.
Il y a déjà des ruptures avec les conventions, et I Hear Dogs Barking d’Emma Connolly utilise une jolie palette pour transmettre une scène cauchemardesque. Le gros chien terrorise le premier plan sur la grande toile, les dents visibles comme un monstre de Francis Bacon, tandis qu’une petite voiture semble se retourner derrière lui ; tout est faux.
Ensuite, nous atteignons les Rencontres avec le modernisme, un mouvement européen. Ainsi, cette définition visuelle de Our Story in the Making montre que l’Irlande du Nord est ici et là, européenne et britannique.
Des œuvres remarquables occupent cet espace, dont White Shapes Entering de William Scott. C’est une belle œuvre abstraite, utilisant des formes monochromes inspirées de l’humble poêle à frire. Pas une frite d’Ulster, donc, mais quelque chose qui se classe avec la production de grands internationaux tels qu’Alexander Calder.
Le point important est que l’Irlande du Nord ne peut pas être simplement définie comme un territoire orange et vert ; c’est bien au-delà et plus grand que cela. En un sens, l’exposition montre une nation unie culturellement ou du moins connectée par son talent.
McAnena dit que la capacité de l’émission à résister aux étiquettes illustre “l’effort des gens pour comprendre ce que cela signifie de vivre et de faire partie de l’Irlande du Nord”.
Quelle que soit la gravité des différences politiques et sectaires, l’Irlande du Nord en tant que marque est très créative et frappe bien au-dessus de son poids dans tous les arts.
L’Irlande est souvent considérée comme un lieu d’écriture, mais il est clair que l’art visuel fonctionne aussi.
“L’écriture est importante, mais l’Irlande du Nord est aussi un lieu visuel et est désormais célébrée en raison de ses beaux-arts et de ses arts appliqués”, observe McAnena.
Il y a un croisement ici avec un joli portrait de Michael Longley dans son salon par Jeffrey Morgan.
Vous devez vous demander, cependant, si l’art peut jamais guérir la division ou aider les gens à résoudre les problèmes.
Comme l’explique McAnena, la colère peut être une source d’inspiration ainsi que des émotions plus tendres, et nous discutons des peintures murales de Belfast, dont l’une est représentée dans une œuvre de la section sur les conflits.
“Nous avons besoin d’art, et je pense qu’il y a quelque chose d’héroïque chez les gens qui deviennent artistes car ce n’est pas la profession la mieux payée”, dit-elle.
Bien que les œuvres des artistes les plus connus se vendent des dizaines, parfois des centaines de milliers, le conservateur mentionne l’importance des collectionneurs privés qui, avec les musées, entretiennent le monde de l’art.
Vous partez après avoir croisé le portrait d’un jeune homme qui a l’air inquiet et pensif, bien que ses yeux puissent avoir une expression humoristique ou semi-optimiste.
Cette peinture subtile, Just to Feel Normal de Ian Cumberland, peut indiquer la dépression, et la santé mentale est un autre thème de l’exposition.
Ou peut-être que son visage résume nos sentiments au sujet des cent dernières années. Il n’y a peut-être pas de conclusion simple à propos de The Making of our Story, la phrase figurant au programme de l’exposition.
L’installation fascinante de Philip Napier, Ballad No 2 (Antonio Gramsci) est accompagnée d’une mélodie rauque à deux accords de l’accordéon qui y est attaché. Le son est dur, comme un souffle mourant, et l’œuvre a d’abord été exposée à la British School de Rome où l’artiste a étudié. Il contient une photo du communiste italien Gramsci qui est mort dans une prison fasciste mais semble avoir des termes de référence plus larges.
J’ai parlé aux artistes Catherine McWilliams et son fils Simon, qui ont chacun des œuvres dans l’exposition.
Son tableau de 1973 Filles à moto a une résonance, comme elle l’explique : « C’était à cette époque de l’année que je l’ai peint et par une soirée si sombre. J’ai vu ces jeunes filles, deux ou trois sur de grosses motos, certaines à l’arrière porter la mode de l’époque, des robes courtes et ces grosses chaussures encombrantes. Il y avait de la lumière provenant d’un immeuble derrière eux. “
L’un des motards a été accusé d’être membre de l’IRA et l’avocat qui la représentait a finalement acheté le tableau que l’artiste a déclaré avoir trouvé drôle. Catherine a superposé l’image lumineuse avec du gris foncé, pour refléter la façon dont la période s’est sentie.
Son fils Simon a une peinture lumineuse de la Palm House dans les jardins botaniques, la serre de style Kew Gardens de Belfast conçue par Charles Lanyon.
C’est une toile de grande taille et le bâtiment semble presque flotter dans son décor. Nous nous déplaçons pour nous tenir aux côtés du travail massif et impressionnant de feu le mari de Catherine, Joseph McWilliams, dans la section Chronicling Conflict.
Intitulé Twelfth Parade, North Queen St, c’est coloré, énergique et plutôt beau, jusqu’à ce que vous réalisiez que le contexte est une impasse alimentée par les sectes. L’exécution délibérément floue et excitante des détails, avec ce qui ressemble à des coups de pinceau appliqués rapidement, donne un sentiment d’action qui n’est pas immédiatement dérangeant.
L’exposition est remise au goût du jour avec une salle dédiée aux travaux des jeunes diplômés de la Belfast School of Art.
On remarque tout de suite un superbe autoportrait d’Adela Puterkova, qui s’est photographiée nue, mais ne montrant qu’un demi-corps glorieusement dodu et anonyme. Défiant les notions supposées d’attractivité mince et les réflexions actuelles sur l’image corporelle, Puterkova rappelle les beaux nus surdimensionnés de Jenny Saville.
Ailleurs, il existe d’autres autoportraits – l’un montrant une fille avec une queue de cheval, un autre une jeune femme regardant dans une séquence filmée depuis le centre d’une forme de marguerite stylisée enfantine.
Son expression varie de l’incertitude au bonheur et à la prévenance – un peu comme les expressions de toute personne assez chanceuse pour visiter cette exposition.
::portraitofnorthernireland.co.uk
::goldenthreadgallery.co.uk
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CURATING Portrait of Northern Ireland: Ni une élégie ni un manifeste, n’a été une tâche herculéenne – et sensible à cela.
Me parlant la semaine dernière alors que la touche finale était apportée à l’exposition, qui a ouvert ses portes au public à la Golden Thread Gallery de Belfast hier, la conservatrice Shan McAnena explique qu’à cause de Covid-19, son travail a commencé en mai.
La tâche de passer au crible et de sélectionner des travaux allant de la partition à aujourd’hui aurait pris trois fois plus de temps avant la pandémie – mais avec l’aide d’un conseil consultatif et du soutien – mais sans ingérence artistique – du bureau d’Irlande du Nord, ils l’ont retiré ensemble.
“Cela aurait normalement duré un an et demi, mais nous y sommes parvenus”, explique McAnena.
“Je voulais présenter les meilleurs artistes nord-irlandais et leur travail, mais nous savions que ce serait complexe et sensible. C’est pourquoi nous avons proposé la phrase de John Hewitt, ‘Ni une élégie ni un manifeste’.”
Le résultat est magnifique. C’est élégant, stimulant sur l’importance du fait que l’Irlande du Nord a maintenant 100 ans, parfois ludique et finalement émouvante.
Il explore notre identité même. Le titre de l’exposition, comme indiqué, est le titre d’un des poèmes de John Hewitt qui s’ouvre sur le vers « Gardez à l’esprit ces morts ».
Nous ne pouvons pas éviter cela dans la section Troubles, où esthétiquement vous assistez à la naissance d’une terrible beauté via la grande toile de Joseph McWilliams capturant un défilé Orange et Woman of Belfast V de FE McWilliam. Cette petite sculpture montre une silhouette en chute, prise dans le thé Abercorn bombardement de chambres à Belfast en mars 1972. Elle est jolie, condamnée et anonyme. Nous ne connaissons pas son nom donc il y a une universalité dans sa souffrance.
S’adressant à l’un des membres de l’équipe travaillant dans la galerie, la jeune femme dans la vingtaine a remarqué que sa photo préférée était probablement Holding The Rope de Victor Sloan, montrant une petite fille sautant avec le chaos et la violence des Troubles tout autour. Elle a dit qu’elle l’aimait parce que cela reflétait ce avec quoi elle avait grandi.
Mais il y a une image plus grande, pour ainsi dire, et le spectacle non chronologique est divisé de manière imaginative en sections, à commencer par A Sense of Place.
Après avoir remarqué une affiche élégante des années 1930 vous invitant à visiter l’Ulster via la Cunard Line, vous voyez le petit paysage lyrique de Paul Henry, In the West of Ireland (1921), l’une des œuvres d’art que vous voulez voler.
L’artiste né à Belfast, dont le travail est également apparu sur des affiches, résonne à travers des peintures de pêcheurs de la République et du Donegal. Ce tableau nous relie donc à la pré-Partition, à la notion de l’ensemble de l’île d’Irlande plutôt qu’aux juridictions créées en 1921, suite au Government of Ireland Act voté un an plus tôt.
L’exposition – qui occupe également une place dans le programme du Belfast International Arts Festival – se déroule à la Golden Thread Gallery jusqu’au 4 novembre.
McAnena, qui vit ici depuis 30 ans, est anglaise et révèle qu’elle était au départ légèrement hésitante à accepter le rôle, affirmant que l’exposition n’était pas “un travail à 50 pour cent catholique, 50 pour cent protestant”.
Elle note : « Ce n’est pas à l’artiste de produire un documentaire mais il est intéressant que les artistes ici puissent s’identifier comme irlandais, britanniques, nord-irlandais et européens.
“Nous avons approché plus de 140 artistes et seulement six ont dit ‘Non’, et pas tous pour des raisons politiques. Mais l’art peut percer les étiquettes, offrant tout, de la provocation à la joie.”
C’est un spectacle nuancé. Vous ne pouvez pas facilement classer le nord ou sa production artistique.
La ravissante toile de Gretta Bowen, par exemple, est une magnifique tranche d’art brut intitulée Country Match of the Day, montrant des footballeurs exubérants peints à l’aide de la boîte de peinture de son fils, n’appartient pas aux étiquettes d’histoire de l’art.
Dans le deuxième espace, intitulé A New Tradition, vous voyez des portraits locaux, de bourgeois aisés, une jeune mère poussant son bébé dans un landau.
Il y a déjà des ruptures avec les conventions, et I Hear Dogs Barking d’Emma Connolly utilise une jolie palette pour transmettre une scène cauchemardesque. Le gros chien terrorise le premier plan sur la grande toile, les dents visibles comme un monstre de Francis Bacon, tandis qu’une petite voiture semble se retourner derrière lui ; tout est faux.
Ensuite, nous atteignons les Rencontres avec le modernisme, un mouvement européen. Ainsi, cette définition visuelle de Our Story in the Making montre que l’Irlande du Nord est ici et là, européenne et britannique.
Des œuvres remarquables occupent cet espace, dont White Shapes Entering de William Scott. C’est une belle œuvre abstraite, utilisant des formes monochromes inspirées de l’humble poêle à frire. Pas une frite d’Ulster, donc, mais quelque chose qui se classe avec la production de grands internationaux tels qu’Alexander Calder.
Le point important est que l’Irlande du Nord ne peut pas être simplement définie comme un territoire orange et vert ; c’est bien au-delà et plus grand que cela. En un sens, l’exposition montre une nation unie culturellement ou du moins connectée par son talent.
McAnena dit que la capacité de l’émission à résister aux étiquettes illustre “l’effort des gens pour comprendre ce que cela signifie de vivre et de faire partie de l’Irlande du Nord”.
Quelle que soit la gravité des différences politiques et sectaires, l’Irlande du Nord en tant que marque est très créative et frappe bien au-dessus de son poids dans tous les arts.
L’Irlande est souvent considérée comme un lieu d’écriture, mais il est clair que l’art visuel fonctionne aussi.
“L’écriture est importante, mais l’Irlande du Nord est aussi un lieu visuel et est désormais célébrée en raison de ses beaux-arts et de ses arts appliqués”, observe McAnena.
Il y a un croisement ici avec un joli portrait de Michael Longley dans son salon par Jeffrey Morgan.
Vous devez vous demander, cependant, si l’art peut jamais guérir la division ou aider les gens à résoudre les problèmes.
Comme l’explique McAnena, la colère peut être une source d’inspiration ainsi que des émotions plus tendres, et nous discutons des peintures murales de Belfast, dont l’une est représentée dans une œuvre de la section sur les conflits.
“Nous avons besoin d’art, et je pense qu’il y a quelque chose d’héroïque chez les gens qui deviennent artistes car ce n’est pas la profession la mieux payée”, dit-elle.
Bien que les œuvres des artistes les plus connus se vendent des dizaines, parfois des centaines de milliers, le conservateur mentionne l’importance des collectionneurs privés qui, avec les musées, entretiennent le monde de l’art.
Vous partez après avoir croisé le portrait d’un jeune homme qui a l’air inquiet et pensif, bien que ses yeux puissent avoir une expression humoristique ou semi-optimiste.
Cette peinture subtile, Just to Feel Normal de Ian Cumberland, peut indiquer la dépression, et la santé mentale est un autre thème de l’exposition.
Ou peut-être que son visage résume nos sentiments au sujet des cent dernières années. Il n’y a peut-être pas de conclusion simple à propos de The Making of our Story, la phrase figurant au programme de l’exposition.
L’installation fascinante de Philip Napier, Ballad No 2 (Antonio Gramsci) est accompagnée d’une mélodie rauque à deux accords de l’accordéon qui y est attaché. Le son est dur, comme un souffle mourant, et l’œuvre a d’abord été exposée à la British School de Rome où l’artiste a étudié. Il contient une photo du communiste italien Gramsci qui est mort dans une prison fasciste mais semble avoir des termes de référence plus larges.
J’ai parlé aux artistes Catherine McWilliams et son fils Simon, qui ont chacun des œuvres dans l’exposition.
Son tableau de 1973 Filles à moto a une résonance, comme elle l’explique : « C’était à cette époque de l’année que je l’ai peint et par une soirée si sombre. J’ai vu ces jeunes filles, deux ou trois sur de grosses motos, certaines à l’arrière porter la mode de l’époque, des robes courtes et ces grosses chaussures encombrantes. Il y avait de la lumière provenant d’un immeuble derrière eux. “
L’un des motards a été accusé d’être membre de l’IRA et l’avocat qui la représentait a finalement acheté le tableau que l’artiste a déclaré avoir trouvé drôle. Catherine a superposé l’image lumineuse avec du gris foncé, pour refléter la façon dont la période s’est sentie.
Son fils Simon a une peinture lumineuse de la Palm House dans les jardins botaniques, la serre de style Kew Gardens de Belfast conçue par Charles Lanyon.
C’est une toile de grande taille et le bâtiment semble presque flotter dans son décor. Nous nous déplaçons pour nous tenir aux côtés du travail massif et impressionnant de feu le mari de Catherine, Joseph McWilliams, dans la section Chronicling Conflict.
Intitulé Twelfth Parade, North Queen St, c’est coloré, énergique et plutôt beau, jusqu’à ce que vous réalisiez que le contexte est une impasse alimentée par les sectes. L’exécution délibérément floue et excitante des détails, avec ce qui ressemble à des coups de pinceau appliqués rapidement, donne un sentiment d’action qui n’est pas immédiatement dérangeant.
L’exposition est remise au goût du jour avec une salle dédiée aux travaux des jeunes diplômés de la Belfast School of Art.
On remarque tout de suite un superbe autoportrait d’Adela Puterkova, qui s’est photographiée nue, mais ne montrant qu’un demi-corps glorieusement dodu et anonyme. Défiant les notions supposées d’attractivité mince et les réflexions actuelles sur l’image corporelle, Puterkova rappelle les beaux nus surdimensionnés de Jenny Saville.
Ailleurs, il existe d’autres autoportraits – l’un montrant une fille avec une queue de cheval, un autre une jeune femme regardant dans une séquence filmée depuis le centre d’une forme de marguerite stylisée enfantine.
Son expression varie de l’incertitude au bonheur et à la prévenance – un peu comme les expressions de toute personne assez chanceuse pour visiter cette exposition.
::portraitofnorthernireland.co.uk
::goldenthreadgallery.co.uk
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