Le pouvoir de la musique de jeux vidéo pour inspirer le public – ancien et nouveau

Plus: regardez la première du Royal Stockholm Philharmonic d’une nouvelle œuvre du compositeur Yoko Shimomura

Pendant plus de deux décennies, Thomas Böcker a produit des concerts de jeux vidéo primés avec des orchestres du monde entier. En amont du lancement de son nouveau projet avec le Royal Stockholm Philharmonic Orchestra, il nous encourage à penser différemment la musique des compositeurs de jeux vidéo.

Lorsque le chef d’orchestre et compositeur japonais Koichi Sugiyama a présenté son premier Concert classique en famille au Suntory Hall de Tokyo en 1987, son objectif déclaré était d’amener les familles à la musique classique ; il a pris l’approche inhabituelle de combiner la musique de Camille Saint-Saëns Carnaval des animaux avec son propre travail – la musique du désormais populaire Dragon Quête série de jeux vidéo. Comme en témoignent d’innombrables concerts à guichets fermés dans les années qui ont suivi, il avait capturé l’air du temps – en particulier avec sa musique de mondes virtuels. Il a fallu un certain temps avant que l’Occident n’adopte l’idée de performances de musique de jeu vidéo, notamment parce que l’acceptation du support était relativement faible. Cependant, une représentation orchestrale au Gewandhaus de Leipzig en 2003 a rencontré un tel enthousiasme qu’elle peut être considérée comme l’étincelle qui a allumé le feu : elle a été suivie de tournées mondiales avec des programmes variés par une gamme de producteurs, qui ont ensuite ouvert la voie à des collaborations avec des orchestres de renom tels que le London Symphony Orchestra, le Royal Stockholm Philharmonic Orchestra, le San Francisco Symphony Orchestra, le Melbourne Symphony Orchestra et le Hong Kong Philharmonic Orchestra. Tout cela a vu ici une opportunité d’attirer un public plus jeune dans les salles de concert. Sans surprise, car lorsque l’âge moyen du public traditionnel des orchestres de premier plan est supérieur à 60 ans, on peut leur pardonner de vouloir puiser dans un nouveau groupe cible ; et du coup la majorité du public des musiques de jeux vidéo avait entre 25 et 35 ans. Maintenir la tradition tout en encourageant l’innovation était la maxime : la salle de concert comme lieu de rencontre pour les générations.

Une image de Merregnon : Land of Silence, de la compositrice de jeux vidéo Yoko Shimomura

Il y a eu, et il y aura sans doute encore, une multitude d’initiatives visant à atteindre cet objectif – mais dans notre monde en évolution rapide, où notre consommation de médias a tellement changé ces dernières années, nous avons besoin de nouvelles idées si nous voulons obtenir les gens se sont enthousiasmés. La réceptivité des gens à la musique classique et leur volonté de la maintenir vivante doivent être considérablement plus élevées si la musique classique doit continuer à être pertinente pour un large éventail d’auditeurs. Les médias sociaux et les services de streaming ont façonné la manière dont les informations sont transmises et communiquées. Il est donc intéressant de noter que la musique de jeu qui est la plus populaire parmi les spectateurs a tendance à regarder vers le passé et rappelle souvent la fin de la période romantique, avec des échos d’impressionnisme et d’expressionnisme. Dans certains cas, avec une orchestration luxuriante, il est plein de couleurs, d’émotion. Les mélodies qui, dans les jeux, racontent des histoires de joie, d’amour, de guerre et de chagrin sont radicales et attrayantes. Il faut remercier leurs compositeurs de les avoir rendus si accessibles, d’avoir adapté leurs thèmes aux personnages, aux lieux et aux situations et ainsi maximisé leur facteur de reconnaissance.

Dans les jeux eux-mêmes, le contexte exige que la musique réponde aux événements ; parfois dans un délai très court, selon ce que font les joueurs, le chemin qu’ils empruntent, la rapidité avec laquelle ils accomplissent les tâches. Les compositions d’aujourd’hui sont principalement interactives : les compositeurs ne peuvent pas savoir à l’avance comment les joueurs réagiront – chacun aura une approche différente. Cela implique un travail complexe avec des pistes audio ; qu’il s’agisse de couches menaçantes de cordes qui glissent dans la bande-son lorsque les joueurs se mettent en danger ou de fanfares de cuivres lorsqu’elles réussissent. L’arrangement de la musique de jeu pour la salle de concert nécessite de vastes connaissances et, dans la plupart des cas, des aides qui comprennent comment tisser ces compositions en un poème symphonique qui rappelle aux auditeurs le jeu et raconte une histoire suffisamment universelle pour y ramener les joueurs : un expression musicale de l’expérience collective.

Pour l’auditeur objectif de musique classique, cela représente une opportunité de s’engager avec les sons orchestraux qui inspirent les jeunes et d’apprendre quelque chose sur leur monde émotionnel. Parce qu’écouter de la musique implique toujours une comparaison active avec votre propre vie. Il construit un pont, c’est une route qui mène au royaume fascinant de la musique symphonique.

Un concert fictif comme point de départ d’une exploration du monde – dont le thème n’est rien de moins que les défis de la vie – pourrait commencer avec la pièce de Beethoven Ouverture de Coriolan, continuez avec Mozart Concerto pour piano n°23 en la majeur – et conclure en seconde partie avec la musique d’Uematsu pour le jeu vidéo Final Fantasy VII; dont la symphonie de 45 minutes en trois mouvements raconte des adversaires puissants, des troubles intérieurs, l’amour, l’incertitude et la confrontation ; une version condensée de ce qu’un joueur expérimente, souvent pendant 70 à 100 heures sur la console. Un programme d’obscurité et de lumière, une musique de premier plan qui est lourde et émotionnelle mais aussi accessible, qui résonnera avec tout le monde. Ou les sons musicaux du monde pourraient être combinés, les points communs régionaux mis en évidence, les influences des groupes culturels élucidés. Exprimé à travers un concert solo d’un virtuose de la darbouka comme Rony Barrak, une pièce comme la Suite de Mitsuda du le déclencheur d’un chronomètre et Chrono Croix jeux de rôle; qui, entre autres, dépeignent un voyage à travers une multitude d’époques, par exemple, des temps primitifs au Moyen Âge – jusqu’à la fin des temps. Le tout encadré par Nielsen’s Aladin et Rimski-Korsakov Shéhérazade. Et si la structure du programme pouvait devenir plus libre et inclure des morceaux plus courts, elle pourrait voyager de plus en plus profondément dans le royaume des créatures mythiques, de la découverte et de l’aventure, comme la bande originale de Karpman pour EverQuest II, Wintory est pour Périple, ou une incursion dans l’horreur comme Graves l’a fait avec Espace mort.

Le Royal Stockholm Philharmonic enregistre la nouvelle œuvre de Yoko Shimomura (photo : Yanan Li)

La question de savoir si assister à un concert de musique de jeu est susceptible de pousser les jeunes auditeurs à se tourner vers la musique classique est une question moins convaincante. Il est tout à fait possible qu’ils le fassent, et c’est l’une des plus grandes opportunités offertes aux orchestres ces dernières années – mais ce n’est pas une nécessité, tant que les orchestres permettent aux gens de s’immerger dans une musique qu’ils n’ont jamais connue auparavant. Après tout, des sondages ont montré qu’aller à un concert de musique de jeu est le premier contact que beaucoup de gens auront jamais eu avec un orchestre. Les programmes devraient offrir à ces spectateurs une gamme d’alternatives de différents genres, sous l’égide de la musique symphonique.

C’est l’idée qui a joué un rôle décisif dans la création de la Merregnon : Terre du Silence concerts pour les écoles et les familles – présentant de la musique sous la forme d’un conte de fées symphonique, une musique qui divertit et favorise l’immersion. Parce que l’éducation musicale n’est pas une question d’enseignement, c’est une question de fascination. Au mieux, cela éveille un enthousiasme qui conduit à un engagement spontané avec le sujet, sans aucun remue-ménage ou autre élément ouvertement éducatif. Au contraire, il déploie des outils qui correspondent au temps présent ; sous la forme d’un projet impliquant des artistes internationaux de diverses disciplines. Merregnon : Terre du Silence propose ainsi la musique d’un compositeur japonais, Yoko Shimomura, dont le nom est bien connu dans le monde du jeu vidéo à force de ventes se chiffrant par millions. En tant que compositrice contemporaine, elle est pertinente pour le public d’aujourd’hui : elle démontre comment il est possible pour la musique orchestrale d’enthousiasmer le public et de remplir les salles de concert. C’est une esthétique qui a été reprise par Merregnon : Terre du Silence et merci à l’Orchestre philharmonique royal de Stockholm pour avoir reconnu son potentiel – et, par sa volonté de donner la première mondiale, pour avoir rendu le projet de concert possible.

Lorsque les familles regarderont la vidéo du concert de ce conte de fées symphonique sur les aventures de la jeune Miru et de son fidèle chien Mako, elles profiteront d’une expérience de la beauté de la musique orchestrale qui transcende les générations – elles apprendront les unes des autres et leur appréciation de chacun les mondes des autres seront améliorés.

Merregnon : Terre du Silence est disponible pour regarder gratuitement sur Konserthuset Play. Trouvez-le ici : konserthuset.se/fr/merregnon

Explorez maintenant certaines des musiques mentionnées dans l’article ci-dessus

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