L’une des meilleures blagues de l’histoire du cinéma est l’apologie du mal. Harry Lime, le colporteur au marché noir de pénicilline diluée pour les enfants malades, joué de manière indélébile par Orson Welles dans “The Third Man”, traîne un ami à flèche droite avec des lignes scénarisées par Graham Greene : “Rappelez-vous ce que dit le gars : en Italie pour trente ans sous les Borgia, ils ont eu la guerre, la terreur, le meurtre et l’effusion de sang, mais ils ont produit Michel-Ange, Léonard de Vinci et la Renaissance. En Suisse, ils avaient l’amour fraternel, ils avaient cinq cents ans de démocratie et de paix, et qu’est-ce que cela a produit ? L’horloge à coucou. C’est assez délicieux pour compenser l’histoire de l’art mutilée. Parmi les républiques et monarchies oligarchiques d’Italie à la fin du XVe et au début du XVIe siècle, ce sont les Médicis rusés, à Florence – et non les Borgias irrépressiblement corrompus et, oui, autrefois homicides, principalement à Rome – qui ont nourri Léonard de Vinci et Michel-Ange et le plus fructueusement humanisme avancé dans tous les domaines de la culture. (Niccolò Machiavelli était également un fils du pays.) Contrairement à Greene et Welles, “The Medici: Portraits and Politics, 1512-1570”, au Metropolitan Museum, attribue le crédit là où il est dû.
La famille des banquiers s’éleva pour gouverner Florence, nominalement une république, dans les années trente. Après avoir perdu le pouvoir en 1494, ils se sont réintégrés par la force, avec le soutien du pape Jules II, en 1512, l’année où le spectacle du Met prend comme point de départ. Un autre intermède républicain, de 1527 à 1530, a été écrasé par les armées envoyées par le pape Clément VII (un Médicis lui-même) et l’empereur romain germanique Charles V. Cela a entraîné un siège dévastateur de dix mois qui a coïncidé avec une épidémie de peste et une famine. Dégoûté par l’usurpation réactionnaire des Médicis, Michel-Ange, le premier créateur de la ville, s’installe à Rome, pour ne plus jamais remettre les pieds à Florence. (Ni lui ni Léonard ne sont représentés dans l’exposition.) Mais la plupart des autres artistes se sont alignés, flattant le régime avec des portraits magistraux qui sont venus caractériser le maniérisme – une exagération de l’esthétique de la Renaissance qui exaltait l’artifice virtuose. En tant que ducs et grands-ducs, étendant finalement leur domaine à toute la Toscane, les Médicis ont régné pendant les deux cents prochaines années. Cela aide à garder à l’esprit la violence de leur restauration, qui a laissé des souvenirs de souffrances effrayantes qui ne pouvaient que décourager de nouvelles oppositions. S’il avait besoin de consolation, les artistes la prenaient en beauté.
L’émission Met se concentre étroitement sur la culture de la cour, principalement à travers le portrait, mais comprend également des livres, des estampes et des manuscrits. Les points forts sont les portraits de Jacopo da Pontormo et de son élève Agnolo Bronzino, deux artistes que j’ai appris à aimer. Le Pontormo au sang chaud et le faussement glacial Bronzino ont développé des variantes d’un style pour le style qui était autrefois déprécié par les critiques d’art et les historiens comme une descente décadente des sommets de la Renaissance. (Des peintures isolées d’Andrea del Sarto et de Raphaël, ainsi qu’une tentative attribuée à l’atelier de Raphaël, remplacent la vieille école.) Le maniérisme manquait en effet de la gravité et de la forme pionnière du travail effectué par la cohorte de Michel-Ange, mais il a réalisé une sorte de glorieuse sophistication du coucher du soleil, que les conservateurs de l’exposition, Keith Christiansen et Carlo Falciani, et plusieurs experts-conseils associent à la politique de l’époque.
L’art est grand, la politique absconse. J’ai trouvé le spectacle fascinant sans être terriblement intéressant. (Bonne chance pour garder les noms, les dates et les actes des joueurs. Ils grouillent comme des sauterelles.) Mais le connaisseur éblouit. Délicieusement sélectionnés et installés, les portraits, y compris les puissants bustes sculptés par Benvenuto Cellini, n’ont pas de camion avec la médiocrité, à l’exception d’un groupe malheureux et fantasmé de poètes historiques peints par Giorgio Vasari, qui, bien qu’étant un théoricien et champion de Florence disegno (conception à un avec le dessin), était bof avec un pinceau. Son livre « Vies des artistes » (1550, agrandi en 1568) invente la pratique de l’histoire de l’art. La littérature, notamment la poésie, a obsédé les artistes et intellectuels florentins, qui ont dirigé la consolidation du virage opéré par leur concitoyen Dante, au XIVe siècle, du latin à la vulgate qui est devenue l’italien moderne. La science, elle aussi, a eu des moments de soutien. Un patriarche Médicis était un important mécène de Galilée, bien que la prochaine génération de la famille, s’en remettant probablement au Vatican paniqué, ait largement toléré son procès pour hérésie de rétrogradation de la Terre du centre de l’univers. Des tactiques flexibles, voire carrément cyniques, ont servi la stratégie à long terme du clan : assurer l’éminence indépendante de Florence en Italie et au-delà.
<img alt="L'image peut contenir Art Peinture Humain et Personne" class="responsive-image__image" src="https://media.newyorker.com/photos/60dd2a9553829a9732660782/master/w_1600%2Cc_limit/210712_r38667.jpg" srcset="https://media.newyorker.com/photos/60dd2a9553829a9732660782/master/w_1600%2Cc_limit/210712_r38667.jpg 1600w, https://media.newyorker.com/photos/60dd2a9553829a9732660782/master/w_1280%2Cc_limit/210712_r38667.jpg 1280w, https://media.newyorker.com/photos/60dd2a9553829a9732660782/master/w_1024%2Cc_limit/210712_r38667.jpg 1024w, https://media.newyorker.com/photos/60dd2a9553829a9732660782/master/w_768%2Cc_limit/210712_r38667.jpg 768w, https://media.newyorker.com/photos/60dd2a9553829a9732660782/master/w_640%2Cc_limit/210712_r38667.jpg 640w" sizes="100vw" />« Laura Battiferri », par Bronzino, vers 1560.Oeuvre d’art © Musei Civici Fiorentini / Museo di Palazzo VecchioDans une section sur la littérature, le spectacle révèle un poète nouveau pour moi: Laura Battiferri, une femme qui, mariée à un architecte et sculpteur, s’est engagée dans des échanges spirituels de poèmes avec Bronzino aux multiples talents et à l’impertinence fiable, qui s’est adonnée à l’écriture tapageuse. rhapsodies homoérotiques qui circulaient parmi les lecteurs réceptifs. Vers 1560 environ, Bronzino dépeint Battiferri de profil, ce qui est inhabituel pour lui, avec un long nez et un menton proéminent rappelant astucieusement ceux de Dante. Rayonnante d’intelligence, elle tient ouvert un volume manuscrit présentant deux sonnets de Pétrarque. Les amis aimaient se faire passer pour le barde florentin du XIVe siècle et sa chérie idéalisée, Laura. Ils devaient être très amusants, ornant un milieu de style de lissage et souvent d’Eros en roue libre. De tels charmes se sont nichés dans les ambitions intrigantes de l’État Médicis, qui dominait l’Italie avec son poids financier et une diplomatie ingénieuse qui impliquait de nombreux mariages de convenance. La famille finança les installations de quatre papes (les Borgia en géraient deux) et de deux reines de France. Après l’insurrection qui a changé le monde de Martin Luther, en 1517, Florence est devenue un bastion de la Contre-Réforme, bien que la piété autoritaire de ce mouvement ait tardé à affecter les goûts de luxe de la ville.
Le meilleur portrait maniériste florentin résiste aux prouesses picturales contemporaines de Vénitiens comme Véronèse et Tintoret, dont l’absence hante plutôt le spectacle. Mais nul nulle part ne pourrait rivaliser avec cet autre Vénitien, Titien, dont la sensibilité au caractère, les prodiges de la couleur et le toucher surnaturel font de lui le plus grand de tous avant Rembrandt. Pontormo s’en rapproche le plus en ce qui concerne la couleur. Regardez longuement ses œuvres, telles que “Portrait d’un jeune homme” (vers 1525-1526) et “Portrait d’un hallebardier”, qui date d’environ 1529-30 – les années du siège sanglant qui a ramené les Médicis au pouvoir. (Le jeune homme formidablement armé devait être un défenseur de la ville.) Laissez les teintes et les tons surprendre et absorber votre regard. Vous pourriez bien vous évanouir. Même les noirs et les gris de Pontormo brillent. Il était relativement inattentif à la personnalité, mais un gardien devait être heureux d’être inclus dans le cercle d’or de son estime. Pour le caractère individuel, Bronzino règne. Pour moi, la représentation froide des personnalités de la cour par Bronzino sécrète un pathétique d’émotion contenu dans une élégance obligatoire – une esthétique de louange bordée de mélancolie. Bronzino aimait les jeunes hommes dans l’art comme dans la vie. Les New-Yorkais connaissent bien son « Ludovico Capponi » (vers 1550-1552), un rare prêt de la Frick Collection : une page adolescente aspire à l’arrogance, sans la clouer tout à fait, dans une tenue qui met en scène la braguette en saillie (avec auto- contrôle, vous pouvez cesser de le regarder) qui était un cynosure de la mode masculine à l’époque. (L’attribut équivalent dans les premiers portraits d’hommes italiens était susceptible d’être une épée.) Un mur dans la dernière salle du spectacle, accroché avec cinq Bronzinos au sommet, m’a fait chanceler comme une séquence de coups de poing du dimanche.
Moins convaincante est l’insistance des commissaires sur un triumvirat de maîtres, entremêlant des œuvres de Pontormo et Bronzino avec celles de l’éclectique Francesco Salviati. Je ne comprends pas. Bien qu’abondamment qualifié, Salviati me semble souvent farfelu, avec un penchant caricatural qui peut sembler moderne de manière accidentellement burlesque. Certains éléments de fond dans son « Portrait of a Man » (1544-1545) rappellent le régionaliste américain du cornball Thomas Hart Benton, et le jeune au long cou dans son « Portrait of a Young Man with a Dog » (vers 1543-1545). ), inconscient du survol d’un ange à moitié nu, pourrait être quelque chose hors de Furieux magazine. L’humour semble involontaire, contrairement à celui que l’on trouve dans une série de portraits allégoriques de Bronzino qui rendent les vedettes de la cour comme des figures de pedigree théologique et mythologique. Le duc de longue date Cosme Ier de Médicis devient Orphée, nu et brandissant une sorte de viole sous la surveillance du chien de l’enfer Cerbère, et son fils Giovanni se fait passer pour Jean-Baptiste. Il est difficile d’imaginer les sujets supportant ces représentations antiques, mais ils doivent l’avoir, sinon nous n’aurions pas les images à regarder maintenant.
L’élévation même des japes dans les portraits parrainés par les Médicis peut induire une certaine monotonie, agréable à l’œil mais un acarien féculent dans l’esprit et conditionné par la servitude au patronage despotique. Pour un soulagement explosif, dirigez-vous juste au bout du couloir du Met pour assister à l’énorme rétrospective simultanée de la démiurge bohème Alice Neel. Neel, décédée en 1984, a embrassé une humanité brute dans ses sujets qui n’avait fait que mijoter dans les traditions précédentes du portrait. Il est remarquable de voir comment un artiste longtemps classé comme une valeur aberrante excentrique est devenu un vieux maître pour les sensibilités actuelles. Sa devise aurait pu être une injonction associée au poète Arthur Rimbaud, bien que probablement pas écrite par lui : « Prenez la rhétorique et tordez-lui le cou ». Vous êtes plongé d’un coup d’œil dans la vie désordonnée, dans la chair, de personnes de diverses couches de la société, avec un penchant pour les pauvres et les marginalisés qui ont été pendant de nombreuses années voisins de Neel à Spanish Harlem. Un frisson de nudité imprègne même ses sujets vêtus, dont la résilience consiste à être pleinement et, par conséquent, selon le calcul de Neel, adorablement humains. Le sentiment prédominant est une sorte de rude bouche bée. Retournez maintenant chez les Médicis et imaginez leurs évanouissements, s’ils étaient exposés à la gaucherie de principe de Neel. L’art a de nombreuses demeures. Aujourd’hui, les plus convaincants ont tendance à s’effondrer.
Favoris des New-Yorkais
.
L’une des meilleures blagues de l’histoire du cinéma est l’apologie du mal. Harry Lime, le colporteur au marché noir de pénicilline diluée pour les enfants malades, joué de manière indélébile par Orson Welles dans “The Third Man”, traîne un ami à flèche droite avec des lignes scénarisées par Graham Greene : “Rappelez-vous ce que dit le gars : en Italie pour trente ans sous les Borgia, ils ont eu la guerre, la terreur, le meurtre et l’effusion de sang, mais ils ont produit Michel-Ange, Léonard de Vinci et la Renaissance. En Suisse, ils avaient l’amour fraternel, ils avaient cinq cents ans de démocratie et de paix, et qu’est-ce que cela a produit ? L’horloge à coucou. C’est assez délicieux pour compenser l’histoire de l’art mutilée. Parmi les républiques et monarchies oligarchiques d’Italie à la fin du XVe et au début du XVIe siècle, ce sont les Médicis rusés, à Florence – et non les Borgias irrépressiblement corrompus et, oui, autrefois homicides, principalement à Rome – qui ont nourri Léonard de Vinci et Michel-Ange et le plus fructueusement humanisme avancé dans tous les domaines de la culture. (Niccolò Machiavelli était également un fils du pays.) Contrairement à Greene et Welles, “The Medici: Portraits and Politics, 1512-1570”, au Metropolitan Museum, attribue le crédit là où il est dû.
La famille des banquiers s’éleva pour gouverner Florence, nominalement une république, dans les années trente. Après avoir perdu le pouvoir en 1494, ils se sont réintégrés par la force, avec le soutien du pape Jules II, en 1512, l’année où le spectacle du Met prend comme point de départ. Un autre intermède républicain, de 1527 à 1530, a été écrasé par les armées envoyées par le pape Clément VII (un Médicis lui-même) et l’empereur romain germanique Charles V. Cela a entraîné un siège dévastateur de dix mois qui a coïncidé avec une épidémie de peste et une famine. Dégoûté par l’usurpation réactionnaire des Médicis, Michel-Ange, le premier créateur de la ville, s’installe à Rome, pour ne plus jamais remettre les pieds à Florence. (Ni lui ni Léonard ne sont représentés dans l’exposition.) Mais la plupart des autres artistes se sont alignés, flattant le régime avec des portraits magistraux qui sont venus caractériser le maniérisme – une exagération de l’esthétique de la Renaissance qui exaltait l’artifice virtuose. En tant que ducs et grands-ducs, étendant finalement leur domaine à toute la Toscane, les Médicis ont régné pendant les deux cents prochaines années. Cela aide à garder à l’esprit la violence de leur restauration, qui a laissé des souvenirs de souffrances effrayantes qui ne pouvaient que décourager de nouvelles oppositions. S’il avait besoin de consolation, les artistes la prenaient en beauté.
L’émission Met se concentre étroitement sur la culture de la cour, principalement à travers le portrait, mais comprend également des livres, des estampes et des manuscrits. Les points forts sont les portraits de Jacopo da Pontormo et de son élève Agnolo Bronzino, deux artistes que j’ai appris à aimer. Le Pontormo au sang chaud et le faussement glacial Bronzino ont développé des variantes d’un style pour le style qui était autrefois déprécié par les critiques d’art et les historiens comme une descente décadente des sommets de la Renaissance. (Des peintures isolées d’Andrea del Sarto et de Raphaël, ainsi qu’une tentative attribuée à l’atelier de Raphaël, remplacent la vieille école.) Le maniérisme manquait en effet de la gravité et de la forme pionnière du travail effectué par la cohorte de Michel-Ange, mais il a réalisé une sorte de glorieuse sophistication du coucher du soleil, que les conservateurs de l’exposition, Keith Christiansen et Carlo Falciani, et plusieurs experts-conseils associent à la politique de l’époque.
L’art est grand, la politique absconse. J’ai trouvé le spectacle fascinant sans être terriblement intéressant. (Bonne chance pour garder les noms, les dates et les actes des joueurs. Ils grouillent comme des sauterelles.) Mais le connaisseur éblouit. Délicieusement sélectionnés et installés, les portraits, y compris les puissants bustes sculptés par Benvenuto Cellini, n’ont pas de camion avec la médiocrité, à l’exception d’un groupe malheureux et fantasmé de poètes historiques peints par Giorgio Vasari, qui, bien qu’étant un théoricien et champion de Florence disegno (conception à un avec le dessin), était bof avec un pinceau. Son livre « Vies des artistes » (1550, agrandi en 1568) invente la pratique de l’histoire de l’art. La littérature, notamment la poésie, a obsédé les artistes et intellectuels florentins, qui ont dirigé la consolidation du virage opéré par leur concitoyen Dante, au XIVe siècle, du latin à la vulgate qui est devenue l’italien moderne. La science, elle aussi, a eu des moments de soutien. Un patriarche Médicis était un important mécène de Galilée, bien que la prochaine génération de la famille, s’en remettant probablement au Vatican paniqué, ait largement toléré son procès pour hérésie de rétrogradation de la Terre du centre de l’univers. Des tactiques flexibles, voire carrément cyniques, ont servi la stratégie à long terme du clan : assurer l’éminence indépendante de Florence en Italie et au-delà.
<img alt="L'image peut contenir Art Peinture Humain et Personne" class="responsive-image__image" src="https://media.newyorker.com/photos/60dd2a9553829a9732660782/master/w_1600%2Cc_limit/210712_r38667.jpg" srcset="https://media.newyorker.com/photos/60dd2a9553829a9732660782/master/w_1600%2Cc_limit/210712_r38667.jpg 1600w, https://media.newyorker.com/photos/60dd2a9553829a9732660782/master/w_1280%2Cc_limit/210712_r38667.jpg 1280w, https://media.newyorker.com/photos/60dd2a9553829a9732660782/master/w_1024%2Cc_limit/210712_r38667.jpg 1024w, https://media.newyorker.com/photos/60dd2a9553829a9732660782/master/w_768%2Cc_limit/210712_r38667.jpg 768w, https://media.newyorker.com/photos/60dd2a9553829a9732660782/master/w_640%2Cc_limit/210712_r38667.jpg 640w" sizes="100vw" />« Laura Battiferri », par Bronzino, vers 1560.Oeuvre d’art © Musei Civici Fiorentini / Museo di Palazzo VecchioDans une section sur la littérature, le spectacle révèle un poète nouveau pour moi: Laura Battiferri, une femme qui, mariée à un architecte et sculpteur, s’est engagée dans des échanges spirituels de poèmes avec Bronzino aux multiples talents et à l’impertinence fiable, qui s’est adonnée à l’écriture tapageuse. rhapsodies homoérotiques qui circulaient parmi les lecteurs réceptifs. Vers 1560 environ, Bronzino dépeint Battiferri de profil, ce qui est inhabituel pour lui, avec un long nez et un menton proéminent rappelant astucieusement ceux de Dante. Rayonnante d’intelligence, elle tient ouvert un volume manuscrit présentant deux sonnets de Pétrarque. Les amis aimaient se faire passer pour le barde florentin du XIVe siècle et sa chérie idéalisée, Laura. Ils devaient être très amusants, ornant un milieu de style de lissage et souvent d’Eros en roue libre. De tels charmes se sont nichés dans les ambitions intrigantes de l’État Médicis, qui dominait l’Italie avec son poids financier et une diplomatie ingénieuse qui impliquait de nombreux mariages de convenance. La famille finança les installations de quatre papes (les Borgia en géraient deux) et de deux reines de France. Après l’insurrection qui a changé le monde de Martin Luther, en 1517, Florence est devenue un bastion de la Contre-Réforme, bien que la piété autoritaire de ce mouvement ait tardé à affecter les goûts de luxe de la ville.
Le meilleur portrait maniériste florentin résiste aux prouesses picturales contemporaines de Vénitiens comme Véronèse et Tintoret, dont l’absence hante plutôt le spectacle. Mais nul nulle part ne pourrait rivaliser avec cet autre Vénitien, Titien, dont la sensibilité au caractère, les prodiges de la couleur et le toucher surnaturel font de lui le plus grand de tous avant Rembrandt. Pontormo s’en rapproche le plus en ce qui concerne la couleur. Regardez longuement ses œuvres, telles que “Portrait d’un jeune homme” (vers 1525-1526) et “Portrait d’un hallebardier”, qui date d’environ 1529-30 – les années du siège sanglant qui a ramené les Médicis au pouvoir. (Le jeune homme formidablement armé devait être un défenseur de la ville.) Laissez les teintes et les tons surprendre et absorber votre regard. Vous pourriez bien vous évanouir. Même les noirs et les gris de Pontormo brillent. Il était relativement inattentif à la personnalité, mais un gardien devait être heureux d’être inclus dans le cercle d’or de son estime. Pour le caractère individuel, Bronzino règne. Pour moi, la représentation froide des personnalités de la cour par Bronzino sécrète un pathétique d’émotion contenu dans une élégance obligatoire – une esthétique de louange bordée de mélancolie. Bronzino aimait les jeunes hommes dans l’art comme dans la vie. Les New-Yorkais connaissent bien son « Ludovico Capponi » (vers 1550-1552), un rare prêt de la Frick Collection : une page adolescente aspire à l’arrogance, sans la clouer tout à fait, dans une tenue qui met en scène la braguette en saillie (avec auto- contrôle, vous pouvez cesser de le regarder) qui était un cynosure de la mode masculine à l’époque. (L’attribut équivalent dans les premiers portraits d’hommes italiens était susceptible d’être une épée.) Un mur dans la dernière salle du spectacle, accroché avec cinq Bronzinos au sommet, m’a fait chanceler comme une séquence de coups de poing du dimanche.
Moins convaincante est l’insistance des commissaires sur un triumvirat de maîtres, entremêlant des œuvres de Pontormo et Bronzino avec celles de l’éclectique Francesco Salviati. Je ne comprends pas. Bien qu’abondamment qualifié, Salviati me semble souvent farfelu, avec un penchant caricatural qui peut sembler moderne de manière accidentellement burlesque. Certains éléments de fond dans son « Portrait of a Man » (1544-1545) rappellent le régionaliste américain du cornball Thomas Hart Benton, et le jeune au long cou dans son « Portrait of a Young Man with a Dog » (vers 1543-1545). ), inconscient du survol d’un ange à moitié nu, pourrait être quelque chose hors de Furieux magazine. L’humour semble involontaire, contrairement à celui que l’on trouve dans une série de portraits allégoriques de Bronzino qui rendent les vedettes de la cour comme des figures de pedigree théologique et mythologique. Le duc de longue date Cosme Ier de Médicis devient Orphée, nu et brandissant une sorte de viole sous la surveillance du chien de l’enfer Cerbère, et son fils Giovanni se fait passer pour Jean-Baptiste. Il est difficile d’imaginer les sujets supportant ces représentations antiques, mais ils doivent l’avoir, sinon nous n’aurions pas les images à regarder maintenant.
L’élévation même des japes dans les portraits parrainés par les Médicis peut induire une certaine monotonie, agréable à l’œil mais un acarien féculent dans l’esprit et conditionné par la servitude au patronage despotique. Pour un soulagement explosif, dirigez-vous juste au bout du couloir du Met pour assister à l’énorme rétrospective simultanée de la démiurge bohème Alice Neel. Neel, décédée en 1984, a embrassé une humanité brute dans ses sujets qui n’avait fait que mijoter dans les traditions précédentes du portrait. Il est remarquable de voir comment un artiste longtemps classé comme une valeur aberrante excentrique est devenu un vieux maître pour les sensibilités actuelles. Sa devise aurait pu être une injonction associée au poète Arthur Rimbaud, bien que probablement pas écrite par lui : « Prenez la rhétorique et tordez-lui le cou ». Vous êtes plongé d’un coup d’œil dans la vie désordonnée, dans la chair, de personnes de diverses couches de la société, avec un penchant pour les pauvres et les marginalisés qui ont été pendant de nombreuses années voisins de Neel à Spanish Harlem. Un frisson de nudité imprègne même ses sujets vêtus, dont la résilience consiste à être pleinement et, par conséquent, selon le calcul de Neel, adorablement humains. Le sentiment prédominant est une sorte de rude bouche bée. Retournez maintenant chez les Médicis et imaginez leurs évanouissements, s’ils étaient exposés à la gaucherie de principe de Neel. L’art a de nombreuses demeures. Aujourd’hui, les plus convaincants ont tendance à s’effondrer.
Favoris des New-Yorkais
. — to www.newyorker.com
Jeu de briques
Snake
Pacman
Bubble