Un A bien mérité pour Angelica Liddell

Critique de The Scarlet Letter, d’Angélica Liddell, vu le 12 janvier au Théâtre de la Colline
Avec Joele Anastasi, Tiago Costa, Julian Isenia, Angélica Liddell, Borja López, Tiago Mansilha, Daniel Matos, Eduardo Molina,  Nuno Nolasco, Antonio Pauletta, Antonio L. Pedraza, Sindo Puche, dans une mise en scène de Angélica Liddell

J’ai vu mon premier et dernier Angelica Liddell il y a à peine plus de quatre ans. Je me rappelle avoir été assez fascinée par ce que je voyais, sans vraiment saisir tout le propos. Je relis aujourd’hui l’article que j’en avais sorti et je me rends compte que la perception de ce nouveau spectacle n’est finalement pas si loin de ce que j’avais ressenti alors. Et de la même manière qu’il y a quatre ans, je me demande bien ce que je vais pouvoir vous raconter, tant il est question dans ces spectacles de voir et de percevoir plutôt que d’intérioriser et de réfléchir. En tout cas, sur le moment…

Tout commence par le roman de Hawthorne. La lettre écarlate, c’est ce A inscrit sur la poitrine d’Hester, condamnée pour Adultère. Une condamnation dénoncée par Angélica Liddell, et qui lui sert de prétexte à épingler une société qu’elle considère trop puritaine. On se retrouve rapidement bien loin de #MeToo, sur ce plateau où tout semble permis, où une certaine forme de violence est revendiquée, et où l’immoralité fait loi. Si il y a bien encore un endroit au monde où on peut se l’autoriser, c’est bien au théâtre. Et la démonstration est convaincante.

Je n’ai pas lu The Scarlet Letter et je l’ai parfois regretté. Si le point de départ est le même, l’adaptation est par la suite très libre mais m’aurait peut-être permis d’éclaircir certains points. Pour une adepte du théâtre de texte, les propositions de Liddell peuvent avoir quelque chose de très déconcertant mais j’étais préparée. Préparée à ne pas intellectualiser, à ne pas toujours chercher la transcription verbale brute de ce qu’elle pouvait nous proposer visuellement. Et cette préparation psychologique a été une belle initiative, car voilà un spectacle qui ne m’a pas laissée indifférente.

© Simon Gosselin

Le spectacle est inégal. Certaines scènes sont plus obscures que d’autres, et j’ai eu l’impression que Angélica Liddell expédiait, peut-être volontairement, les scènes entre Arthur et Esther. Ce ne sont d’ailleurs pas les scènes qui m’ont le plus scotchée. Mais ils y a des scènes qui vous prennent tellement aux tripes que c’est vite pardonné. Ce spectacle me laisse de nombreuses images phares en tête, et le mélange des corps tel que l’organise Angélica Liddell est d’une beauté à couper le souffle. Il se passe sur scène quelque chose de l’ordre du magnétisme.

L’envoûtement est d’autant plus total que la bande son qui accompagne le spectacle est totalement folle et m’a totalement emportée malgré les mélanges de rythme, de genre, les ruptures et les propositions toujours plus excentriques. Devant ces tableaux qui se succèdent, dont certains portent en eux quelque chose de grandiose, je me suis retrouvée dans un état second, avec parfois mon cerveau déconnecté. Tant et si bien que, lors d’une scène où retentit un morceau de Lully – que mon inconscient reconnaît comme attaché à un sentiment de vive émotion – je me retrouve soudainement émue, je n’en comprends pas tout de suite l’origine, puisque j’ai sous mes yeux Angélica Liddell serrant deux à deux les sexes de ses partenaires comme lors d’un encouragement sportif. Moment étrange que cette dichotomie intérieure révélant un état de quasi-transe.

Mais j’ai aussi entendu Angélica Liddell et ce qu’elle avait à dire du monde d’aujourd’hui. C’est peut-être le côté le plus frustrant de mon spectacle, car ses monologues, qui se transforment rapidement en dénonciation, sont subjuguant. Je pense notamment à sa description du vieillissement des femmes à la fois drôle, cynique, amer, instigateur mais surtout brillant. On en veut à nouveau, on en redemande. Et je suis frustrée car ces parties-là sont encore trop disséminées dans le spectacle. Elle n’a pas que le talent de la scénographie mais aussi celui de l’écriture et du message, d’autant plus audible qu’il va à l’encontre de tout ce qu’on peut entendre aujourd’hui. Etonnamment, elle s’autorise tout mais ne choque jamais. On est ici pour l’art. L’art transcende tout. CQFD.

A vivre (en étant conscient de la particularité de la performance).

© Simon Gosselin