Souvent présenté comme un mystique français, mystérieux et peu disert sur sa propre personne, High Wolf aka Maxime Primault est avant tout un rêveur. Depuis ses premiers trips il y a cinq ans en solo puis chez les Californiens de Not Not Fun, High Wolf a toujours mis un point d’honneur à proposer une musique du voyage et de l’évasion ; pour l’auditeur mais avant tout pour lui. Une expérience spirituelle pour mettre en son sa propre vision du monde qui l’entoure, nourrie de ses multiples voyages sur les différents continents.
Sans jamais dévier de sa route, High Wolf a conduit sa monture musicale en suivant son instinct qui l’a vite poussé à synthétiser ces influences exotiques et folkloriques qui lui parlent tant. Aujourd’hui porteur d’une patte musicale reconnaissable entre mille, enrichie de ses projets annexes Black Zone Myth Chant ou encore Iibiis Rooge, High Wolf s’en va explorer des territoires voisins et nouveaux pour lui, flirtant de près avec l’expérience dansante et électronique sur Growing Wild, son nouvel album prévu le 9 juin prochain chez le label californien Leaving Records.
High Wolf sera à l’affiche de la soirée FUTURA™ organisée par Imagenumerique et le Collectif MU dans le cadre du festival BARBES BEATS le 19 juin prochain au FGO Barbara (concours).
High Wolf l’interview
Ces derniers mois, il y a eu une vraie effervescence autour de toi pour ton projet Black Zone Myth Chant sorti en 2011, à l’origine un projet annexe pour toi. Mais la ressortie du premier volet des aventures de BZMC fin 2014 par Laitdbac a donné une seconde vie, ou une « vraie » vie, au projet, alors que tu préparais la sortie d’un deuxième disque. Comment tu as perçu cette récente évolution ?
Disons que c’était un peu une surprise pour moi, en fait. Ce premier volet, je l’avais volontairement sorti de manière confidentielle, il y avait presque un côté expérience : je m’étais dit que je n’allais pas faire de promo, que j’allais sortir très peu d’exemplaires, donc avoir une visibilité très limitée du projet. Mais si la musique est bien et plaît, à un moment donné il trouvera son second souffle, soit dans l’immédiat, soit dans le futur. Même si ça n’est pas forcément un pari que j’étais sûr de remporter, évidemment. Au final, ça a pris un peu de temps, ça s’est construit au fil des ans. Quand Damien de Laitdbac a voulu le rééditer, quand on voit le résultat aujourd’hui, on se dit que c’est une bonne idée mais ça n’était pas si évident que ça que ça (re)trouverait son public.
Oui et non, je dirais. Je lui avais fait découvrir le disque lors de sa sortie, ça nous avait pas mal marqués à l’époque, la musique, la cover, etc. Et quand Damien m’a dit qu’il pensait à le ressortir, je me suis dit : « Mais oui, c’est une vraie bonne idée, en fait » : un projet singulier, avec ses qualités et ses défauts, qui n’a jamais vraiment été exploité par le passé mais que beaucoup de gens appréciaient.
Bien sûr, mais ça restait un pari risqué. Et ça a bien marché, le disque a été sold out très rapidement, Damien a fait du super bon boulot, le disque a eu une belle exposition médiatique dans notre milieu. Il y a eu aussi un buzz autour qui n’était pas forcément justifié selon moi. J’ai du mal à juger ça mais certaines chroniques allaient un peu loin dans une apologie du disque qui m’a un peu gênée par moments, que je trouvais un peu exagérée. D’autant que j’étais en train de préparer le second Black Zone (ndr : disponible depuis), et j’avais peur qu’on ne donne pas sa chance à une suite du projet en glorifiant trop le premier, avec des attentes démesurées pour le deuxième.
L’impact de Mane Thecel Phares, le second BZMC sorti chez Gravats, aurait probablement était moindre, cependant, sans la réédition du premier, non ?
C’est clair. Mais je me suis posé la question à un moment donné de le faire ou non. S’il se construit une espèce de « mythe », enfin c’est un grand mot mais tu vois ce que je veux dire, autour de ce premier Black Zone, même en donnant le meilleur de toi-même, quand tu essaies d’aller contre l’imaginaire qui se construit chez les gens, ça peut devenir très compliqué. Mais les choses se sont plutôt bien passées au final, le deuxième LP est sorti et a été bien accueilli.
Cette histoire pose la question du décalage, pour le musicien, entre le moment où un disque est écrit, puis enregistré, avant d’être sorti. Il peut se passer un, deux, trois ans parfois. Dans le cas présent, pour Black Zone, ç’a été assez long, beaucoup d’eau a coulé sous les ponts. Tu n’as pas ressenti ça comme une exploitation de morceaux avec lesquels tu n’es plus du tout en phase aujourd’hui ? Pour travailler avec des musiciens régulièrement, je sais qu’ils pensent vite les morceaux datés et qu’ils ont besoin de passer à autre chose.
Oui, c’est un sentiment que je connais très bien. Quand on te présente un de tes disques comme « ton nouveau travail » alors que tu l’as fini il y a un an et demi, c’est clair qu’il est difficile d’être en phase avec ça. Dans le cas présent, il s’agissait d’une réédition, l’aspect temporel était moins important. L’ayant déjà sorti moi-même, sa parution à l’époque correspondait bien à l’état d’esprit dans lequel j’étais et au contexte dans lequel je m’inscrivais. Le ressortir aujourd’hui, ça n’était qu’invoquer en fait ces éléments du passé mais sans véritable tromperie, en gardant le principe que c’était une deuxième vie du projet, que ça n’était pas un nouveau High Wolf. Maintenant, je n’ai pas réécouté le disque récemment mais il y a forcément, au fond de moi, des éléments qui ne me parlent plus aujourd’hui, par rapport à ce que je produis et ce que je sors dernièrement.
En parlant d’évolution, comment tu vois ton parcours depuis 2009, 2010, tes premières sorties chez Winged Sun ? Te concernant, il est compliqué d’y voir une trajectoire ou un parcours évident, c’est moins clair et rectiligne que certains.
La principale évolution qui me marque, par rapport à mes premiers enregistrements, c’est la façon dont j’ai évolué en tant que musicien. A mes débuts, j’étais vraiment un « bedroom musician« , je faisais ça chez moi, des impros, des trucs dans le genre. A un moment donné, j’ai voulu me rapprocher du live, il a donc fallu que j’apprenne à jouer de manière plus « efficace », c’est-à-dire laisser moins de place au hasard, contrôler davantage ma musique sur scène. Je n’ai jamais pris aucun cours de musique, étant plutôt autodidacte. Mais aujourd’hui, je sais que j’ai une vision plus claire et plus de maîtrise de ma musique. Depuis le premier High Wolf jusqu’au prochain qui va sortir sous peu, il a dû se passer cinq ou six ans, j’ai fait pas mal de concerts dans différents endroits, ça m’a aidé à mieux comprendre ce que je faisais et à le maîtriser.
Il y a une constance évidente dans ta musique néanmoins, c’est le fait d’avoir creusé ce sillon, tes inspirations autour du voyage – l’Inde, l’Asie -, ce qui t’a aidé à créer l’imaginaire autour de ta musique. Ce sont ces éléments qui sont très prégnants et qui subsistent, au fil des ans.
En fait, je n’ai jamais vraiment arrêté de voyager depuis les premières sorties. Je voyage beaucoup moins « gratuitement », juste pour le plaisir, mais je bouge sur pas mal de continents, dans différents pays, grâce à ma musique. J’essaie de rester un peu sur place dans les endroits où je me rends et ça nourrit en continu cette inspiration intacte. Mais c’est compliqué de définir les déterminants d’une évolution artistique. Disons que je me pose peu la question de la direction musicale dans laquelle je vais. Mon seul désir c’est d’éviter de me répéter, c’est assez important pour moi, c’est ce qui me fait avancer, me permet de rester motivé à faire des albums, des concerts. L’excitation d’expérimenter des territoires nouveaux, des manières de faire ou des idées différentes, tout ça me fait me focaliser moins sur le résultat que sur le processus en lui-même. Je fais beaucoup de musique, c’est mon occupation principale, ce renouvellement est indispensable pour éviter de me faire chier.
Et cette envie de creuser dans des musiques dites « folkloriques », avec des idées de transe et de méditation très fortes, cela te vient d’où ?
C’est complexe d’expliquer ça en cinq minutes, il y a beaucoup d’inconscient, si ce n’est essentiellement, du moins en partie. Mais ce genre de musiques « folkloriques » me plaît car j’aime l’idée de faire de la musique sans avoir une véritable intention de créer une « œuvre d’art » ou un produit culturel. Dans ces cultures-là, la musique est un prétexte à autre chose et non pas une fin en soi. Un prétexte, souvent, à une pratique spirituelle. C’est un peu l’antithèse de la musique pop, à mes yeux. Faire cette musique de manière honnête, limite existentielle et passionnée, c’est ce qui me plaît. Je ne minimise pas la pratique de la musique mais ces musiques-là ont un rapport au monde différent, sans se dire : « Je fais de l’art« . Ce que j’exprime à travers la musique, c’est important pour moi que ça présente aussi mon rapport au monde, pour le dire de manière un peu pompeuse. Comme je le dis souvent, si je savais exprimer ces choses-là différemment, je crois que je ne ferais pas de musique, j’utiliserais plutôt le langage pour le dire. Il y a du métaphysique ou du spirituel dans ce que je souhaite exprimer et c’est dans ces musiques-là que je retrouve le plus ça. Dans ces musiques africaines, asiatiques ou même occidentales (même si ça s’est beaucoup perdu aujourd’hui), les gens ne se considéraient pas comme des artistes ou des gens avec un statut à part. Ils pratiquaient une activité qui s’immergeait plus dans le quotidien. Et j’essaie de « désintellectualiser » un peu la pratique de la musique, pour retourner vers ça.
Pour revenir à ce que tu évoquais auparavant, le thème du voyage semble très important pour toi. Tu te déplaces beaucoup, on a l’impression que tu es en concert à de nombreux endroits une bonne partie de l’année. C’est ça aussi ton idée de la musique ? L’emporter dans de nombreux lieux et la vivre à travers ce déplacement ?
Oui, c’est vrai que tourner un maximum, je cherche ça en permanence. Il y a beaucoup de gens proches de moi qui font une tournée par an et qui se contentent de ça, pour plein de raisons : la famille, le boulot, etc. J’aime bouger à droite, à gauche. Mais j’ai beaucoup voyagé avant de le faire grâce à la musique. J’ai besoin d’avoir plusieurs voyages de calés dans le futur pour me sentir bien. J’aime beaucoup aussi ma vie chez moi, très stable, très agréable et équilibrée. Je l’aime beaucoup mais j’ai aussi besoin de beaucoup bouger, de rencontrer des gens, d’aller dans de nouveaux endroits. C’est très profond en moi. J’ai mis ce schéma en place très tôt quand j’ai commencé à faire de la musique. Mes albums sont, avant tout, à mes yeux, des outils de promotion pour pouvoir faire des concerts, très honnêtement. Je ne suis pas de ces musiciens qui passent des heures en studio et qui prennent plaisir à affiner ce qu’ils vont proposer. L’album reste pour moi l’occasion de me rendre sur le terrain, face aux gens, qu’ils soient au courant de mon son du moment en live.
Tu me fais penser à tous ces gars qui ont beaucoup pratiqué le field recording, qui ont même construit des « carrières » sur cette idée de la prise de son terrain, à la rencontre d’autres quotidiens, d’autres univers, proches ou lointains. Ce côté témoignage est assez présent, comme si tu étais parti visiter un pays et que tu en avais rapporté des sons, des idées.
Avant que la musique ne soit quelque chose d’un peu plus sérieux pour moi, le field recording, je l’ai pas mal pratiqué. Lors de voyage, à la rencontre de gens, c’est une pratique qui m’a toujours intéressé et qui transparaît peut-être dans ce que je fais.
Dans ta relation avec d’autres musiciens, il y a eu ce parcours un peu parallèle, à un moment, avec Vincent (Cankun) ou Sébastien (Holy Strays). Vous vous êtes retrouvés tous les trois chez Not Not Fun, les petits « Frenchies » avec leurs délires exotiques, ça a créé une forme de mini-scène imaginaire spontanée. Tu as senti un lien à un moment donné entre vous ?
Avec Vincent, on a le même âge, on a commencé ensemble avant que je ne fasse High Wolf, chez Not Not Fun, ou qu’il fasse Cankun. On était déjà lié avec toute la clique Ruralfaune, deux ou trois années en amont, on avait déjà joué ensemble. C’est un peu différent de Seb qui est plus jeune, je me souviens qu’il était venu me voir jouer à Paris en 2010, à mes débuts. Je n’ai jamais fait de musique avec lui à ce moment-là mais je pense que ça lui a permis de découvrir quelque chose qui l’intéressait, dans lequel il a sûrement trouvé une forme d’inspiration, j’imagine. Il a commencé à s’orienter là-dedans avant de complètement s’affranchir et de vraiment trouver son truc, sa patte personnelle, qu’il entretient très bien aujourd’hui. Je l’ai encore vu récemment, il y a quelques mois. On reparlait de cette époque où, au final, il y avait très peu de gens pour véritablement s’intéresser à cette musique. Tu te retrouvais fatalement connecté parce qu’il y avait cinq personnes intéressées par ce style de musique en France, à ce moment-là. Et parmi ceux-là, ceux qui faisaient cette musique-là, on était encore moins nombreux.
A votre façon, on retrouve chez tous les trois ces inspirations lointaines, des rythmes africains ou des mélodies asiatiques. De là se forme une connexion par la pensée, plus que par les faits, du coup.
Seb a une formation de batteur et c’est pour moi une des rares personnes qui saisisse vraiment l’importance des rythmes, de la rythmique, il a une vraie sensibilité pour ça et ces influences-là s’en ressentent franchement. C’est un sujet sur lequel on peut se retrouver. Je n’ai pas les mêmes connaissances que lui à ce niveau-là, on ne va pas parler du sujet de la même manière mais ça nous rapproche, dans un certain sens. Il comprend ce que j’essaie de faire à ce niveau-là, il voit la différence entre mes premiers enregistrements et là où je vais aujourd’hui. On partage cet intérêt, même si nos musiques sont complètement différentes aujourd’hui.
(Bartolomé du label français Shelter Press, organisateur de la soirée, se joint à l’interview.)
Bart, vous semblez assez proches, Max et toi. Comment vous vous êtes rencontrés ?
Bart : Je vais répondre à ta question mais je voudrais saisir l’occasion, si tu me le permets, pour poser une question à Max que j’ai toujours voulu lui poser (rires).
Vas-y je t’en prie (rires).
Bart : Hé bien, en fait, quand je t’ai connu, Max, les musiques africaines, ce mélange avec le drone/ambient, tous ces éléments-là, il n’y avait pas beaucoup de gens intéressés par ça en France. Aujourd’hui, il y a pas mal de structures qui véhiculent tout ça, Awesome Tapes of Africa, etc., qui sont quasi mainstream pour certaines. Tu vas à Paris aujourd’hui, tu as au moins cinq disquaires qui vendent des trucs de Mississippi Records, par exemple. Beaucoup de gens se disent influencés par ça aujourd’hui : tu prends Cut Hands, tout le concept du gars est basé sur ce mélange noise dure/musiques africaines, comme une marque de fabrique. Comment tu vois le fait que cet élément soit devenu aujourd’hui un élément commercial évident ?
High Wolf : Je pense qu’on n’en est qu’au début, de cette dynamique. L’afrofuturisme, dont personne ne me parlait il y a quelques mois, on me le sort à toutes les sauces aujourd’hui alors que je n’ai jamais vraiment changé là-dessus, même si ma musique évolue (et le prochain High Wolf en sera la preuve évidente). Je ne cherche pas à prouver que je m’y intéressais avant ou pas, je reste dans mon truc.
Bart évoquait cette scène drone/ambient, très Côte Ouest des Etats-Unis. Tu as senti un lien avec cette musique à un moment, ce qu’il se passait dans la première moitié des années 2000 ?
High Wolf : Ça m’a essentiellement montré que des mecs comme eux qui ne savaient pas faire grand-chose étaient capables de faire de la musique. Ç’a été un tournant décisif pour moi. Quand j’étais adolescent, j’étais très branché sur les musiques du monde, le free jazz, etc., des musiques où les gars maîtrisaient leur instrument suite à un long apprentissage, la plupart du temps. Même les musiques traditionnelles, tu ne te mets pas aux tablas du jour au lendemain, tu mets quinze ans à apprendre à en jouer. Je n’ai pas eu d’éducation musicale particulière mais j’adorais la musique, je faisais de la radio à la fac. Et quand est arrivée toute cette scène DIY avec une idée, une manière de faire, ça m’a vraiment marqué. Je n’ai pas forcément commencé par l’auto-édition parce que j’avais besoin qu’on légitime mon travail, avant tout. Je ne me sentais pas de le faire seul. Il a fallu que deux ou trois labels s’intéressent à ce que je fais pour vraiment me faire à l’idée que j’avais quelque chose à proposer.
Bart : Tu as aussi commencé un label quasi en même temps, non ?
High Wolf : Oui, c’était suite à un voyage en Finlande. Ils ont une grosse culture DIY, à commencer par Fonal – ils avaient eu un beau papier dans Wire l’année où j’étais là-bas. En revenant, j’ai eu envie de faire ça en France. Je ne connaissais quasi personne qui le faisait, Ruralfaune commençait juste, je crois. J’avais envie d’apporter ma pierre à l’édifice. Je n’étais pas encore dans le schéma où je voulais faire de la musique mais c’était le moyen d’être dans le truc sans produire directement des disques.
Bart : Je me souviens de Maxime à l’époque. J’habitais Rennes et Maxime avait sorti une petite compil’ qui m’avait bien marqué. C’est là que tu vois que c’est important d’avoir des tous petits labels qui touchent des petites sphères. Je comprenais que les groupes de sa compil’, ça m’intéressait, mais je n’en connaissais aucun vraiment. Ça peut paraître anecdotique mais pour les gens qui ont chopé cette compilation à l’époque, ç’a été une porte d’entrée importante.
C’est à ce moment-là que vous vous êtes rencontrés ?
High Wolf : Oui, c’était vers 2006-2007, en gros. On habitait tous les deux Rennes sans se connaître.
Bart : A Angers, il y avait la scène avec Ruralfaune, des labels plus électroniques genre Ego Twister, etc. Je connaissais bien Yann d’Ego Twister. A l’époque, il y avait un forum sur leur site. Bruno de Ruralfaune le fréquentait, des mecs qui sortaient des CD-R sur des labels américains. Plus ça allait, moins je m’intéressais à ce que faisait Ego Twister et plus je m’intéressais à ce que faisaient ces mecs-là. Par extension, Bruno poste un truc sur une compil’, je la commande. Je comprends par hasard que c’est un mec de Rennes qui l’a sortie. Je pensais que le mec vivait en Finlande ou à Austin. Je lui ai écrit, on boit un coup et on devient potes. Peu de temps après, on s’est installé en colocation ensemble. Une rencontre très aléatoire mais qui m’a fait réaliser que le terreau local est super important.
High Wolf : Mais il n’y avait pas vraiment de scène à Rennes, on était trente à écouter ce genre de musique, tu vois. Et nous on était surtout tous les deux, dans notre coloc’, à aimer ce son et à vibrer dessus.
A cette époque-là, ou peu après, qui achetait les disques Winged Sun ? Surtout des étrangers ?
High Wolf : Oui, surtout des Etats-Unis, un peu du Japon, etc. Je n’en ai jamais vendu un en France au début, à part une poignée en tournée. C’était surtout du mailorder, de la commande à distance.
Bart : C’est la limite du DIY sur Internet, je dirais : c’est souvent en anglais, tous avec la même esthétique ou presque, c’est difficile de savoir d’où ça vient, de soutenir de la création locale.
High Wolf : Je les vendais bien néanmoins, les cent exemplaires sortaient sans trop de soucis, mais c’est vrai que c’était peu visible en France, peut-être en raison du manque d’intérêt pour cette forme de musique hybride, ici.
Parmi la liste des projets que tu as sortis, il y en a un que j’apprécie tout particulièrement, c’est ta collaboration avec Neil Campbell, Iibiis Rooge. C’est beaucoup plus électronique que le reste de ta musique à l’époque. Comment s’est construit le projet ?
High Wolf : Neil, c’était un de mes héros, enfin ça l’est toujours d’ailleurs. Dans le délire DIY, dont on parlait tout à l’heure, mais aussi l’homme en tant que tel, son rapport à la musique. Il n’en a rien à foutre de la notoriété ou quoi que ce soit, il fait son truc. C’est un vrai modèle pour moi, j’ai un profond respect pour lui. A l’époque du premier MySpace, une époque dorée où tu pouvais très vite chatter avec n’importe quel musicien, je lui avais envoyé un friend request, il avait écouté ma musique, on a commencé à sympathiser et on s’est dit qu’on allait faire un split. Je lui envoie ma musique et lui me dit : « Ca te dérange si je rajoute des éléments, si je triture un peu tout ça ? » Et c’est devenu le premier Iibiis Rooge, Pink Hybrid, sorti en CD-R chez Winged Sun en 2009. C’était Bart qui avait fait la pochette un peu au dernier moment, parce que je lui avais demandé.
Bart : On avait fait une pochette avec quelques éléments limite un peu tropicaux. On pouvait encore faire ça à l’époque sans que ce soit trop grillé (rires). Ce que faisaient Ducktails ou Sun Araw, dans leur genre.
On a l’impression d’une vraie connexion entre Neil et toi alors que le projet s’est construit presque par hasard, sans forcément y avoir pensé.
Le premier disque s’est construit comme ça, de manière un peu improbable. Pour le deuxième LP, Iibiis Rooge, sorti chez Dekorder, on l’a vraiment construit et travaillé ensemble. On avait booké une journée un studio ensemble. On a ensuite refait une cassette puis un LP sorti chez Weird Forest, un super label américain. Mais je ne sais pas s’il a vraiment écouté ce disque. Récemment, on s’est dit que ce serait cool de donner une suite à ce projet mais on ne le fera que lorsqu’on aura le temps de se retrouver dans la même pièce, d’enregistrer ensemble. Mais on ne se prend pas la tête, qu’il se passe un an ou cinq ans entre deux disques, ça n’est pas un souci.
Hormis ce projet-là, tu as une approche assez « solitaire » de ta musique. Tu travailles beaucoup dans ton coin, tu collabores peu, de manière générale.
High Wolf : En fait, ça n’est pas très flatteur pour moi mais je peux être un peu un connard si je fais de la musique avec d’autres gens. J’ai envie de prendre toutes les décisions, ce qui peut poser un problème. Même si j’ai fait quelques collab’ par le passé.
Bart : Je me permets d’intervenir pour contrebalancer ça et donner une image un peu différente, mais les deux premières années de tournée de High Wolf, Max se rend dans une ville, il rencontre des musiciens de cette scène qu’il écoutait et aimait et leur propose de jouer ensemble, de manière improvisée. Il déboule au Japon ou ailleurs, ils sont cinq, il est tout seul et se met à organiser une session live improvisée. Ou sur la Côte Ouest, de Seattle à Los Angeles, les mecs peuvent avoir une culture free jazz ou autres, Max débarque là-bas et se met à jouer avec eux.
High Wolf : A l’époque, mes sets étaient totalement improvisés. Du coup ça me rassurait certainement un peu d’être avec d’autres musiciens, même si je ne me l’avouais pas vraiment. Et puis c’était un peu casse-gueule d’improviser tout seul. Je connaissais quand même un peu les gars avec qui je collaborais un soir, de loin, et je connaissais bien leur musique surtout. On sortait sur les mêmes labels, c’était naturel pour moi de collaborer avec ces gars-là.
Aujourd’hui tu ne fais plus trop ça, au final.
Avec le temps, j’ai monté des tournées un peu plus structurées, des dates dans des endroits un peu plus formels. Il a fallu que j’aie des choses plus construites. Maintenant, ce serait plus compliqué de laisser des musiciens improviser sur une musique qui l’est beaucoup moins. Sur disque, si c’est une collaboration, c’est une collaboration mais si c’est ma musique que je joue, j’ai du mal à partager. Même si je vais en refaire, j’ai des projets en tête.
Si je reviens au projet Black Zone, qu’est-ce qui a changé pour toi sur ce deuxième disque, sorti chez Gravats ?
Déjà, il a fallu me convaincre de le faire, ça n’était pas si évident. Et Phil (ndr : Low Jack, fondateur de Editions Gravats) m’a vraiment poussé, en me disant qu’il fallait que je le fasse. Je me méfiais un peu : il s’était passé plusieurs années, je ne savais pas si j’allais retrouver le feeling, si j’allais vraiment sentir le projet de la même manière. J’ai accepté d’essayer de reconstruire quelque chose sans savoir si ça allait véritablement aboutir. J’ai réfléchi un peu, j’ai laissé le temps passer, pour saisir une esthétique qui ne soit pas trop proche du premier disque mais pas trop éloignée non plus. Tout ça sans réécouter le premier disque, ce qui est un peu compliqué car tu te raccroches souvent à des souvenirs qui ne sont pas vraiment totalement fiables. A un moment donné, j’ai senti une couleur, une intuition forte qui m’a fait me dire : « Il va être comme ça, ce disque« , et j’ai eu un déclic pour me replonger dans Black Zone.
Les approches sont différentes mais on sent un lien entre les deux disques. Ton matériel a sûrement évolué, ta manière de procéder aussi, mais on sent une connexion forte néanmoins.
En fait je l’ai travaillé en plusieurs fois. J’ai commencé à travailler sur le nouveau disque durant le printemps et l’été 2014. A ce moment-là, je tournais pas mal : je bougeais deux semaines, puis je rentrais à la maison deux semaines avant de repartir. Quand je repassais chez moi, j’essayais de faire trois ou quatre morceaux à chaque fois, pour que cela avance. En termes de méthode de travail, avec Black Zone je suis plutôt proche de la manière dont je travaillais sur le High Wolf du début : tout est très intuitif, j’essaie de passer un minimum de temps sur les morceaux. Pour High Wolf, j’ai justement voulu sortir de ça afin de pouvoir aboutir à des choses différentes entre les projets, ne pas refaire tout le temps la même chose. Pour Black Zone, je n’avais qu’un disque de sorti quand j’ai travaillé sur Mane Thecel Phares, je me suis dis que je pouvais me permettre de rester dans un truc assez inconscient, naturel, qui pourrait s’avérer répétitif si à terme j’aboutis à dix albums de ce projet. Mais pour le moment, le problème ne se pose pas.
Sur High Wolf, les disques sont plus travaillés, cela s’entend évidemment. Notamment sur ton nouvel album à venir que j’ai pu écouter. On sent que tu vas explorer un nouveau territoire tout en restant dans cet esprit exotique à la High Wolf, mais plus travaillé et maîtrisé. Et surtout j’ai l’impression qu’il est plus « joyeux », lumineux, plus électronique aussi, moins dans une forme de transe mystique sombre que tu as pu avoir par le passé.
Oui, j’ai un album qui sort en juin sur Leaving Records. Je l’ai enregistré en 2012-2013 en fait, cela remonte un peu, mais j’ai mélangé avec des choses plus récentes. J’ai essayé de faire en sorte que le disque ne soit pas trop bordélique. Pour ce côté « lumineux », comme tu dis, je pense que Black Zone a aspiré pas mal de vibes dark qui pouvaient exister dans High Wolf, même à la marge. Ce nouveau disque a été pas mal influencé par mes tournées et mes concerts, dans un esprit davantage tourné vers la fête, un délire plus dansant, où les gens sont là et s’amusent. J’ai beaucoup pensé à ça en le préparant. Je voulais quelque chose de plus physique, d’un peu moins purement cérébral, tout en restant connecté à ces musiques rituelles, très axées sur le rythme, la participation du corps dans la musique, ça m’a beaucoup influencé.
Et pourquoi Leaving Records ? Tu connaissais déjà Matthew David, le boss du label ?
Je l’ai rencontré il y a quelques années. La véritable histoire de cet album c’est que j’avais cherché à mettre davantage l’accent sur les beats et les sonorités électroniques mais j’avais quelques soucis dans la conception des morceaux. Matthew, c’est un vrai beatmaker, qui vient de la scène post-hip-hop ou ce que tu veux, du côté de L.A. Du coup, au départ, je lui avais envoyé l’album pour lui poser quelques questions techniques, un peu geek sur les bords, traitement du son, etc. Et il est rentré à fond dans le disque, il a vraiment souhaité le sortir lui-même et ça me paraissait être une bonne idée. Le seul frein que j’ai eu à un moment c’est que Matthew c’est un pote, je ne voulais pas rentrer forcément dans ce type de relation avec lui, je trouve ça souvent compliqué. C’est parfois délicat quand tu connais les gens. Je n’ai pas envoyé mon disque à Bart, par exemple, parce que je ne veux pas le mettre dans une situation inconfortable où il pourrait se dire : « J’ai pas envie de le faire mais je le fais pour faire plaisir à Max. » Avec Matthew, on s’envoyait beaucoup de mails sur plein de sujets, on discutait pas mal, mais il est à L.A., c’est différent, on ne se voit pas tous les jours comme avec d’autres potes. Finalement je suis passé au-dessus de ça et le disque a pu aboutir.
Tu as d’autres projets à venir pour High Wolf, Black Zone ou un autre alias ?
High Wolf : Tout sort un peu en ce moment, le Black Zone, le High Wolf, du coup ça me donne pas mal de temps pour réfléchir à la suite. Il y a des inédits de Black Zone qui arrivent aussi chez Gravats, ils sont chauds pour me faire bosser comme un petit Chinois (rires). On réfléchit à un projet de duo avec Low Jack, on a des dates de bookées, ça commence à prendre forme. Phil est en train de faire un truc hyper important pour la scène française, je trouve. On est tous en train de se plaindre qu’il n’y a rien de vraiment fort en France, que tout le monde reste séparé et qu’on ne fait rien pour que ce soit autrement. Et lui, même s’il bosse avec In Paradisum et la techno française qui cartonne, il crée un label lui-même pour ramener des mecs d’un autre réseau et mélanger les délires, je trouve ça important. La connexion entre Phil et moi, c’est assez marrant : il kiffait la K7 de Black Zone que Damien a rééditée mais il ne savait pas que j’étais français. Il a fallu deux ou trois ans avant qu’il le sache, puis on s’est envoyé cinquante mails et on s’est appelé plusieurs fois avant qu’il apprenne que j’habite Rennes. Lui aussi à habité là-bas pendant cinq ans, il a grandi à Saint-Malo pendant quinze ans, on vient du même coin sans le savoir. Moi, c’est un mec des Etats-Unis qui m’avait fait découvrir In Paradisum et Low Jack alors qu’à la base on est de la même région ! Notre rencontre s’est faite par des détours improbables, mais on avait vingt piges dans la même ville, on faisait les mêmes concerts, etc.
Bart : C’est d’ailleurs assez drôle parce qu’au final, Max et moi, on aurait pu aussi ne pas se rencontrer tout de suite, tout en habitant dans la même ville.
High Wolf : Disons qu’à l’époque de MySpace et autres, personnellement j’étais super proche de mecs de Los Angeles mais pas du tout de gars autour de chez moi. Avant, il y avait le schéma scène locale/scène nationale mais ce truc a complètement explosé. Aujourd’hui, les rencontres se font dans tous les sens, peu importe la situation géographique, presque. A vingt piges, on a sûrement essuyé un peu les plâtres de ce changement qui était compliqué à appréhender mais je me rends compte aujourd’hui que ça a créé une forme de richesse différente mais super importante, qui a contribué à créer le paysage musical d’aujourd’hui.
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