Le cinema italien

L’histoire du cinéma italien a commencé quelques mois après que les frères Lumière eurent créé le cinématographe le 28 décembre 1895 à Paris : ce sont eux qui l'introduisent en Italie au cours de l'année 1896. À la fin de l'après-guerre, ce sera l'un des cinémas nationaux les plus influents et reconnus au niveau mondial, avec des mouvements très forts comme celui du néo-réalisme. Le cinéma italien se déploie dans de nombreux sous-genres, dont le fameux western spaghetti ou le giallo.

Les pionniers

Les premiers films italiens sont documentaires et ne durent que quelques secondes. Ils immortalisent au moyen d'une caméra à manivelle des faits et personnages de leur temps : rois, empereurs et papes. On peut avant tout citer l'inventeur, opérateur et réalisateur Filoteo Alberini, qui avait breveté en Italie en 1895 le Kinetografo, un appareil cinématographique semblable à celui qui sera divulgué six mois plus tard par les frères Lumière.

Les premiers films datent de 1896. Cette année, Vittorio Calcina réalise pour le compte des frères Lumière un film, aujourd'hui perdu, sur le roi Humbert Ier et de la reine Marguerite de Savoie se promenant dans le parc à Monza. Le premier film parvenu jusqu'à nous concerne le pape Leon XIII qui se recueille dans les jardins du Vatican et se retourne vers la caméra pour donner sa bénédiction ; il dure deux minutes et a également été tourné en 1896 par Vittorio Calcina.

Naissance de l'industrie du cinéma

Jusqu'aux premières années du siècle, le cinéma est considéré comme une curiosité présentée dans des spectacles ambulants. L’industrie du cinéma italien naît entre 1903 et 1909 avec la création de sociétés de production dans les centres importants : Ambrosio Film, Aquila Film et Itala Film à Turin, Cines à Rome, Milano Films à Milan, Partenope Film et Dora Film à Naples. En même temps apparaît un réseau de salles dans les centres urbains des villes. La plus ancienne salle de cinéma ouvre à Pise en 1905, dans les locaux du Palazzo Agostini. Il ne fermera que le 13 février 2011.

Un des premiers sous-genres apprécié est le film historique ou relatant un fait divers : le premier de ce type est, en 1905, le film de Filoteo Alberini, La Prise de Rome (20 septembre 1870). Pendant une grande période, ces films ont côtoyé les documentaires, jusqu'à les remplacer presque complètement au début de la première guerre mondiale.

Une expérience de film parlant est conduite par le professeur Pietro Pierini avec une projection le 19 octobre 1906 au cinéma Lumière de Pise.

Entre 1910 et 1918, les premières compagnies atteignent une production de qualité et le cinéma italien commence à se vendre hors d’Italie.

Le genre du film à grand spectacle, qualifié de kolossal, apparaît. Mario Caserini produit en 1913 Les Derniers Jours de Pompéi, qui est déjà un remake, de celui de Luigi Maggi et Arturo Ambrosio. La même année, Guazzoni réalise un Marc-Antoine et Cléopâtre très apprécié. Et l’année suivante, Giovanni Pastrone crée l’immense Cabiria.

L'Italie est la première à porter un mouvement d'avant-garde, avec le Futurisme. Le Manifeste de la cinématographie futuriste est signé en 1916 entre autres par Filippo Marinetti, Arnaldo Ginna et Giacomo Balla. Le cinéma se prête à tous les « caprices merveilleux » des futuristes, en particulier grâce au montage et aux effets spéciaux. Plusieurs œuvres de ce mouvement ont été perdues. Une des plus significatives est Thaïs de Anton Giulio Bragaglia en 1917. C'est aussi l'époque du film de diva, avec des actrices comme Francesca Bertini, Lyda Borelli, Leda Gys et Italia Almirante Manzini spécialisées dans les passions tragiques. Ce furent les premières stars de cinéma et aussi les premières actrices à être filmées partiellement nues. D’autres genres abordaient des thèmes sociaux. Enfin, à l'occasion de la Première Guerre mondiale, le film de propagande fait son apparition. Un héros, mythologique ou non, s'y immerge dans des aventures belliqueuses et s'y distingue par des actes courageux.

Après la fin de la Grande Guerre, le cinéma italien traverse une très forte période de crise, essentiellement due à la prolifération de petites maisons de production qui font faillite après quelques films. Les drames passionnels résistent encore. Ils se limitent à reprendre des textes littéraires et des pièces de théâtre classiques. Ils sont dirigés par des spécialistes comme Roberto Roberti (le futur père de Sergio Leone). Giulio Antamoro continue à produire des kolossal à thème religieux. Un autre filon qui tient bon est celui du film napolitain, inspiré des représentations populaires, des chansons, de romans sentimentaux, ou de faits tragiques survenus à Naples.

Les fascistes arrivent au pouvoir entre 1922 et 1925. Ils tentent de relancer une industrie cinématographique en déclin et fondent en 1924 l'Istituto Luce, un institut de diffusion de films à fins éducatives et surtout de propagande. En 1927, le ciné-journal Giornale Luce doit obligatoirement être diffusé dans tous les cinémas d'Italie avant le film.

En 1930 sort le premier film parlant italien : La canzone dell'amore de Gennaro Righelli et interprété par Dria Paola, Elio Steiner et Isa Pola, qui deviennent par la même occasion les premières divas du cinéma parlant italien. Ce film obtient un grand succès et marque le début de la renaissance du cinéma italien.

Comme à Hollywood avec le passage au parlant, la plus grande partie des acteurs et des actrices italiens ne trouve plus de rôles dans les nouveaux films. Certains d'entre eux, comme Emilio Ghione et Mario Bonnard, se recyclent comme réalisateurs ou producteurs.

Cinecittà

À la même époque, le fascisme crée le Ministère de la Culture Populaire. Après un incendie désastreux survenu en 1935 dans les studios de l'ancienne compagnie Cines, il suggère la création d'une structure importante pour relancer le cinéma. Un emplacement est trouvé dans le sud-est de Rome et après deux ans de travaux, le 21 avril 1937, Cinecittà est inaugurée.

Cette cité du cinéma est conçue à la manière de Hollywood pour fournir tout ce qui pouvait être nécessaire au tournage d’un film : théâtres, services techniques et même une école de cinéma, le Centro Sperimentale di Cinematografia, une véritable pépinière pour les futurs acteurs, réalisateurs et scénaristes. De nos jours encore, de nombreux films sont tournés à Cinecittà.

En 1939, une loi interdisant en grande partie l'importation des films étrangers, et en particulier américains, entre en vigueur. Dans ce marché protégé, se développent les films tirés d'œuvres littéraires, les films historiques, les comédies des téléphones blancs et les films de propagande fasciste.

La période des téléphones blancs est relativement brève. Ce genre se caractérise invariablement par la présence de téléphones blancs dans les scènes représentées... Ils sont les signes d'une élite bien portante, au-dessus de la masse qui utilise alors majoritairement des téléphones noirs. La critique récente appelle aussi ce style commedia all'ungherese (comédie à la hongroise), car l'action est souvent située en Hongrie pour contourner la censure et pouvoir parler de divorce et d'adultère, choses impensables en Italie à l'époque. Ces films contribuent à lancer certains d’acteurs qui deviendront célèbres plus tard, comme Vittorio De Sica ou Alida Valli.

Vittorio De Sica

Le néo-réalisme

Dans les dernières années de la Seconde Guerre mondiale, l'Italie connaît les conflits sur son territoire et les destructions. C'est dans ce contexte que se développe le néo-réalisme, un mouvement artistique et culturel qui touche toutes les formes d'art, et en particulier le cinéma. Le cinéma néo-réaliste représente la situation réelle du pays, la trame des films tournant souvent autour des vicissitudes des familles pauvres. Les acteurs sont fréquemment non professionnels, et connaissent donc ce quotidien qu'ils jouent. Une attention particulière est portée à la langue, avec un recours fréquent aux dialectes régionaux. Pour ce qui est de l'image, les réalisateurs se proposent de ne pas truquer la réalité : ils renoncent à l'illumination artificielle et aux prises de vue en studio. Comme Cinecittà était occupée par des réfugiés, les films dony souvent tournés à l’extérieur sur les routes dévastées du pays vaincu, ou à la maison de parents et d'amis.

Quatre Pas dans les nuages d'Alessandro Blasetti en 1942 est considéré comme le premier film néo-réaliste. La trilogie de Roberto Rossellini (Rome, ville ouverte, Païsa et Allemagne année zéro), entre 1945 et 1948, décrit la fin du fascisme et les gens dans la guerre. La poésie et la cruauté de la vie sont harmonieusement combinées dans les films que Vittorio De Sica scénarise et réalise avec le scénariste Cesare Zavattini : parmi ceux-là, Sciuscià en 1946, Le Voleur de bicyclette en 1948 et Miracle à Milan en 1950. On peut aussi citer Luchino Visconti, Giuseppe De Santis et Pietro Germi. Federico Fellini se forme auprès de l'école néo-réaliste mais en même temps est à la recherche d'une dimension esthétique qui lui permette de la dépasser.

Le cinéma d'auteurs des années 1950 à 1970

À partir de la moitié des années 1950, le cinéma italien commence à s'émanciper du néo-réalisme et affronte les thèmes de la vie d'un point de vue plus introspectif que descriptif. C'est un cinéma d'auteurs, marqué par le style personnel des réalisateurs.

Michelangelo Antonioni, avec des films comme Femmes entre elles, Le Cri et la tétralogie L'avventura, La Nuit, L'Éclipse et Le Désert rouge, crée un cinéma existentiel, introspectif, et porte son attention à la psychologie des personnages plutôt qu'aux évènements. Sa célébrité et sa reconnaissance internationale seront consolidées par des œuvres comme Blow-Up et Profession : reporter.

Federico Fellini

Federico Fellini, avec des chefs-d'œuvre comme Les Vitelloni, La strada, Les Nuits de Cabiria et La dolce vita, s'impose comme un des points de référence du cinéma italien dans le monde. Son style inimitable est mis en valeur par le partenariat réussi avec le compositeur Nino Rota, dont les musiques entreront dans l'imaginaire collectif. Certaines scènes de ses films deviendront le symbole d'une époque entière, comme la fameuse scène où Anita Ekberg, dans La dolce vita, se baigne dans la fontaine de Trevi. À partir des années 1960, il commence à expérimenter et à jouer avec l'onirisme, avec Satyricon, Amarcord, Le Casanova de Fellini et La Cité des femmes.

Luchino Visconti, le grand esthète, continue à offrir au cinéma italien d'autres créations inoubliables et prestigieuses : Senso, Rocco et ses frères, Le Guépard, Les Damnés, Mort à Venise et Ludwig ou le Crépuscule des dieux.

Franco Zeffirelli est un élève de Visconti. Parmi ses œuvres les plus remarquées, il y a les transpositions de William Shakespeare : La Mégère apprivoisée et Roméo et Juliette.

Pier Paolo Pasolini est un autre grand nom du cinéma italien. Réalisateur, acteur, poète et écrivain, il s'oppose dans ses œuvres à la morale de l'époque. Personnage de rupture, jusqu'à son assassinat en 1975, il ne cesse de combattre sur tous les fronts (littéraire, cinématographique et politique) pour proposer ses propres valeurs contraires au conformisme et au consumérisme de la société italienne. Ses premiers films sont Accattone et Mamma Roma, avec Anna Magnani dans le rôle d'une prostituée. Suivent L'Évangile selon saint Matthieu, Des oiseaux, petits et gros, Œdipe roi, Théorème et Médée. La « trilogie de la vie (Le Décaméron, Les Contes de Canterbury et Les Mille et Une Nuits) aurait du être suivie d'une « trilogie de la mort » commencée avec le dérangeant Salò ou les 120 Journées de Sodome.

Le néo-réalisme prend fin. Le genre des films qui suivent, avec des atmosphères plus légères, peut-être plus cohérentes avec les conditions générales de vie plus satisfaisantes, a été appelé néo-réalisme rose. L'exemple le plus célèbre du néoréalisme rose est sans doute Pain, amour et fantaisie de Luigi Comencini.

Ce filon utilise des actrices aux formes épanouies qui deviennent de vraies célébrités : Sophia Loren, Gina Lollobrigida, Silvana Mangano, Claudia Cardinale et Stefania Sandrelli peuplent l’imagination des Italiens juste avant le « boom des années 1960 ».

Gina Lollobrigida

La comédie à l'italienne

Bientôt, le néo-réalisme rose est remplacé par la comédie à l'italienne, un genre qui par le rire évoque de façon détournée, mais de manière profonde, les thèmes sociaux, politiques et culturels de l'Italie. Ces films décrivent les années de la reprise économique et enquêtent sur les coutumes des Italiens, une sorte de recherche auto-ethnologique.

L'humour n'a pas attendu cette période pour se manifester dans le cinéma italien. Totò, un acteur napolitain reconnu comme le plus grand comique italien, constitue un véritable phénomène qui a commencé dès 1937. Dans ses films, souvent avec Peppino De Filippo et presque toujours avec Mario Castellani, il s’exprime aussi bien avec ses manières de guitto (cabotin) que dans l’art du grand acteur dramatique qu’il est également. Son visage mobile unique, ses expressions et mimiques personnelles, et ses gestes créent un personnage inimitable. C’est une machine à films, avec presque cent titres, dans un répertoire fréquemment répétitif mais jamais ennuyeux.

On considère généralement que la « comédie à l’italienne » débute avec Le Pigeon de Mario Monicelli en 1958. Il est suivi par Ettore Scola, Pietro Germi, Luigi Comencini et Dino Risi. Les acteurs Marcello Mastroianni, Vittorio Gassman, Ugo Tognazzi, Alberto Sordi, Claudia Cardinale, Monica Vitti et Nino Manfredi figurent parmi les stars des comédies à l'italienne.

Pietro Germi, dans Divorce à l'italienne, expose la méthode pratique pour se séparer de sa femme qui consiste à la tuer en montant de toutes pièces un « crime d'honneur », faiblement puni... En 1961, Dino Risi réalise Le Fanfaron, qui mélange le comique d'un personnage et le sérieux d'un sujet tragique. Il réalise également Une vie difficile, Les Monstres et Au nom du peuple italien.

Les films de Mario Monicelli comprennent La Grande Guerre, les Camarades, L'Armée Brancaleone, Nous voulons les colonels, Romances et confidences et Mes chers amis.

On retrouve Luigi Comencini avec Don Camillo en Russie en 1965, L'Argent de la vieille en 1971 ou Le Grand Embouteillage en 1978.

Ettore Scola filme la perte des illusions dans Nous nous sommes tant aimés en 1974 et le grotesque dans Affreux, sales et méchants. Il participe avec Dino Risi et Mario Monicelli aux Nouveaux Monstres. Son film La Terrasse de 1980 est considéré comme le dernier film du genre de la comédie à l'italienne.

L'humour ne s'éteindra pas totalement pour autant après cela. On peut citer par exemple les films de Roberto Benigni ou de Carlo Verdone, autour des années 1990.

Le cinéma social et politique

Les mouvements sociaux de 1968 en Italie, impliquant des étudiants, des ouvriers et une partie de la société civile, et le militantisme de la décennie qui suit, influencent aussi le cinéma. À côté de la comédie, qui se permet souvent la satire sociale, se développe un genre impliqué socialement et politiquement de façon plus directe.

Dans ce contexte, de nouveaux réalisateurs continuent et amplifient l'œuvre commencée bien avant par Francesco Rosi, auteur de Salvatore Giuliano de 1961, qui raconte l'histoire du célèbre bandit sicilien, et Main basse sur la ville de 1963, qui dénonce la spéculation immobilière.

Parmi les films les plus importants de ce genre, figurent Enquête sur un citoyen au-dessus de tout soupçon et La classe ouvrière va au paradis en 1970 et 1971 d'Elio Petri, avec Gian Maria Volontè qui devient un symbole du cinéma engagé. Damiano Damiani transpose dans La Mafia fait la loi de 1967 avec Franco Nero et Claudia Cardinale le roman Le Jour de la chouette de Leonardo Sciascia.

Le sommet du film de dénonciation est sans doute L'Affaire Mattei de 1972, une enquête dans laquelle Francesco Rosi cherche à faire la lumière sur la mort mystérieuse de Enrico Mattei, député et patron du groupe pétrolier d'État, l'ENI.

Le film politique italien ne se limite pas à la réalité italienne. La Bataille d'Alger de Gillo Pontecorvo de 1966 est une reconstruction des évènements civils et militaires qui permettront à l'Algérie de s'affranchir du colonialisme français. Ce film est devenu avec le temps un des films italiens les plus connus au monde.

Le film politique fera son retour dans les années 2000 pour dénoncer l'Italie de Silvio Berlusconi avec Viva Zapatero ! de Sabina Guzzanti, Le Caïman de Nanni Moretti ou Videocracy - Basta apparire d'Erik Gandini.

La crise des années 1980

Au cours des années 1980, le cinéma italien traverse une grave crise, qui touche aussi d'autres pays de tradition cinématographique comme le Japon ou la France. En sont victimes la comédie à l'italienne, les différents cinémas de genre et le cinéma d'auteur. Le niveau des films destinés à un public populaire baisse jusqu'à la série B. Les causes sont à chercher d'une part dans la diffusion de la télévision dans les foyers italiens, et son aspect de plus en plus commercial, et d'autre part dans l'invasion des films hollywoodiens au budget de plus en plus gros et qui monopolisent les salles italiennes et internationales.

On remarque cependant les derniers films de Federico Fellini : Et vogue le navire..., Ginger et Fred, Intervista et La voce della luna. Ettore Scola réalise La Nuit de Varennes, Le Bal et La Famille. On n'oublie pas non plus les vastes fresques de Bernardo Bertolucci, Le Dernier Empereur, ni de Sergio Leone, Il était une fois en Amérique, qui sont des grandes coproductions internationales.

Nanni Moretti

Nanni Moretti se fait remarquer en 1978 avec Ecce Bombo, et réalise ensuite Bianca et La messe est finie. Ermanno Olmi obtient en 1978 la palme d'or à Cannes avec L'Arbre aux sabots. Giuseppe Tornatore est une des autres révélations de la décennie, avec Le maître de la camorra de 1986.

Sur le front de la comédie, on peut citer Non ci resta che piangere de Massimo Troisi et Roberto Benigni, un grand succès au box office, ou Le Petit Diable de Roberto Benigni ainsi que les celles de Carlo Verdone comme Un sacco bello.

Le renouveau dans les années 1990

La crise économique et créative des années 1980 s'atténue dans la décennie suivante, même si les différents films de genre, désormais sans public et incapables de lutter avec le cinéma américain, ont dans l'ensemble disparu.

Un certain nombre de réalisateurs contribuent à ramener le cinéma italien à un niveau élevé. Cette renaissance est symbolisée par Cinéma Paradiso, le film avec lequel Giuseppe Tornatore remporte l'Oscar du meilleur film étranger en 1990. Cette récompense est décernée, deux ans plus tard, à un autre film italien, Mediterraneo de Gabriele Salvatores, une histoire ironique et amère sur un groupe de soldats italiens perdus sur une île grecque durant la Seconde Guerre mondiale.

Le cinéma d'auteur des années 1990 est surtout lié à Nanni Moretti, qui obtient le prix de la mise en scène à Cannes en 1994 avec Journal intime. Suivent Aprile et La Chambre du fils avec lequel il obtient la palme d'or en 2000.

Un autre réalisateur représentatif de ce nouveau cinéma d'auteur est Gianni Amelio qui cherche à prolonger le néo-réalisme en le renouvelant avec des histoires contemporaines liées aux changements de la société italienne : Les Enfants volés ou Lamerica. Son cinéma a su évoluer soit de manière intimiste (Les Clefs de la maison), soit de manière épique (L'Étoile imaginaire).

On peut aussi citer Mario Martone, Francesca Archibugi, le fils de Dino Risi, Marco, le fils de Ugo Tognazzi, Ricky, Michele Placido, Mimmo Calopresti, les deux filles de Luigi Comencini, Francesca et Cristina, Claudio Fragasso et Roberto Faenza. Marco Tullio Giordana réalise le film-fleuve Nos meilleures années.

La comédie réussit aussi à retrouver tout son éclat. Massimo Troisi et Roberto Benigni sont deux acteurs de leurs propres films. Benigni, après Johnny Stecchino et Le Monstre, fait un triomphe international avec La vie est belle, comédie aigre-douce sur les camps de concentration nazis. On remarque Leonardo Pieraccioni, qui se réclame ouvertement de Mario Monicelli, et Paolo Virzì, auteur des très appréciés Vacances d'ao, Ovosodo et Caterina va en ville. Autre comédie tout en finesse, celle de Silvio Soldini Pain, tulipes et comédie.

Le cinéma de genre

De nombreux genres cinématographiques ont été explorés par le cinéma italien. À chaque fois, ils prenaient une coloration particulière, se différenciant de leurs équivalents français, américains ou d'autres pays. Le cinéma de genre italien n'est pas vraiment circonscrit dans le temps, mais a connu son apogée dans les années 1960 et 1970.

La critique a opposé cinéma de genre et cinéma d'auteur. Pourtant, certaines réalisations de Sergio Leone, pour prendre un exemple, sont des monuments reconnus du septième art. D'autres réalisations lui donnent raison et tombent dans le cinéma d'exploitation.

Le mélodrame est déjà en vogue en Italie aux temps du cinéma muet. Dans la seconde moitié des années 1940 et le début des années cinquante, à côté du néo-realisme, on produit de nombreux mélodrames à grand succès populaire, appelés strappalacrime (« arrache-larmes »). Des couples séparés par les différences sociales ou d'autres obstacles finissent par réussir à s'unir. Le maître du genre est Raffaello Matarazzo. Ses films, grands succès commerciaux, sont interprétés par Amedeo Nazzari et Yvonne Sanson, le couple emblématique du genre. On peut aussi citer Guido Brignone, Mario Bonnard, Carmine Gallone, et bien d'autres. À la fin des années 1960, on appelle plutôt les mélodrames des lacrima-movie. Cette fois, le happy end est remplacé par une fin tragique. Des enfants victimes de parents indifférents ou en train de se séparer meurent, victimes d'un accident ou d'une longue maladie. Le chef-d'œuvre du genre est sans doute L'Incompris de Luigi Comencini. On peut aussi citer par exemple Ruggero Deodato ou Raimondo Del Balzo. Ce tour d'horizon du mélodrame italien ne serait pas complet sans parler de la transposition au cinéma des sceneggiate napolitaines, comme Lacrime napulitane de Ciro Ippolito (1981) ou Tradimento de Alfonso Brescia (1982).

Le genre du péplum tire son nom de la tunique féminine de l'antiquité grecque. Les premiers péplums remontent aux films historiques des débuts du cinéma italien : Quo vadis ? en 1912, Les Derniers Jours de Pompéi en 1913. Quo vadis ? inaugure les kolossal, des films au budget imposant, aux nombreux acteurs et qui sont lancés commercialement. Il est suivi par le monumental Cabiria en 1914. Dans les années 1950 et 1960, le genre revient, au travers de personnages mythologiques comme Hercule et ses travaux, Ulysse, Jason et les argonautes, Samson et Goliath ou Maciste. Ce dernier, modèle de l'homme fort, est déjà présent dans Cabiria et sera au centre de nombreux films sans rapport les uns avec les autres, au point qu'on a même osé un Maciste contre Zorro !

Et pour quelques dollars de plus

Le western a été surnommé de façon quelque peu sarcastique western spaghetti. Quand il commence, au début des années 1960, le western américain est sur son déclin. Ce sont les Italiens qui vont lui donner une seconde jeunesse, en faisant évoluer radicalement ses codes. Le gentil héros, bien peigné après une journée à cheval, qui lutte contre les méchants Indiens ou des bandits mexicains, est remplacé par des anti-héros hirsutes, sales, violents et amoraux. L'esthétique prend une grande place, avec en particulier des angles de caméra très ouverts et des cadrages originaux. Le western spaghetti a aussi fourni quelques-unes des plus belles bandes originales du septième art composées par Ennio Morricone.

Sergio Leone a défini le genre. Parmi ses films les plus célèbres, il y a Pour une poignée de dollars en 1964, Et pour quelques dollars de plus en 1965, Le Bon, la Brute et le Truand en 1966, Il était une fois dans l'Ouest en 1968, Il était une fois la révolution en 1971.

Parmi les autres réalisateurs, il y a Duccio Tessari qui réalise Un pistolet pour Ringo en 1964, Sergio Corbucci avec Django en 1966, Sergio Sollima avec Le Dernier Face à face en 1967, Damiano Damiani avec El Chuncho en 1966 et Lucio Fulci avec Le Temps du massacre en 1966.

C'est dans des westerns mâtinés de comique que débute le duo Terence Hill et Bud Spencer, pseudonymes des Italiens Carlo Pedersoli et Mario Girotti. On retiendra par exemple On l'appelle Trinita de 1972 et Mon nom est Personne de 1973. Ils tourneront ensemble 18 films qui ne se cantonnent pas au domaine du western.

Enzo G. Castellari réalise le dernier grand western spaghetti, Keoma, en 1976. Les productions ultérieures, à faible budget, ne renoueront plus avec le succès.

Le film policier remonte aux origines du cinéma italien, puisque Corte d'Assise de Guido Brignone a été le second film sonore italien distribué dans les salles de cinéma. Le terme giallo (« jaune ») est le nom utilisé en Italie pour désigner le roman policier. Il tire son origine d'une collection de romans policiers publiés par les éditions Mondadori de 1929 jusqu'aux années 1960, à la couverture jaune. Les films qui émergent de ces livres dans les années 1960 adaptent à l'origine ces romans policiers à l'écran avant de former, grâce aux techniques cinématographiques modernes, un genre cinématographie à part entière, à la frontière entre le policier, l'horreur et le fantastique.

En 1963, Mario Bava offre La Fille qui en savait trop. L'histoire, macabre et légèrement ironique, présente un personnage tordu et effrayant qui sème l'horreur et la mort dans les rues de Rome. Le film est considéré comme le premier du genre giallo, ouvrant la voie à d'autres films semblables d'autres réalisateurs.

Autre axe de développement du film policier en Italie, le poliziottesco ou poliziesco all'italiana est en vogue entre les années 1970 et le début des années 1980. Ce « néo-polar italien » présente des enquêtes policières qui prennent souvent comme point de départ des faits divers de l'époque, en les développant avec emphase, en ajoutant souvent une critique sociale, parfois démagogique, ou dans d'autres cas avec humour. L’action et de la violence sont exacerbées et explicites, le policier est souvent un anti-héros, avec un goût pour la violence plutôt que l'intention de faire respecter la loi. Le genre commence probablement par un petit film de Carlo Lizzani en 1968, Bandits à Milan, avec Tomás Milián dans le rôle d’un commissaire violent et intransigeant. Il perce vraiment avec La polizia ringrazia de Steno et est codifié définitivement avec Le témoin à abattre, de Enzo G. Castellari. Le genre atteint sa plénitude avec le personnage du commissaire Betti, interprété par Maurizio Merli. La critique italienne de l’époque n’a jamais aimé le néo-polar. Accusé de fascisme, d'insensibilité à la politique, d'apologie de la justice rendue soi-même, ces films étaient éreintés en quelques lignes et accusés de proposer toujours la même histoire.

Même si ce n'est pas très connu, le cinéma italien a produit de la science-fiction, de manière plus artisanale et avec moins de moyens qu'Hollywood. La particularité de ce genre en Italie est que l'imaginaire scientifique est peu présent. Le premier film de science-fiction italien est Totò nella luna, une comédie en noir et blanc qui reprend les éléments de la science-fiction de façon comique. La science-fiction made in Italy s'est développée à partir de la fin des années 1950 avec Paolo Heusch et Le danger vient de l'espace, précurseur du film-catastrophe, ainsi qu'avec Riccardo Freda. Les années soixante furent les plus prolifiques. Antonio Margheriti représente ce renouveau, ses films sont réalisés avec peu de moyens mais néanmoins sont de larges succès et arrivent à s'exporter à l'étranger. Cela permet à de nombreux cinéastes de genres différents de tourner une myriade de films : Ubaldo Ragona avec Je suis une légende d'après Richard Matheson, Carlo Ausin, Pietro Francisci ou encore le maître de l'horreur Mario Bava. Il y a eu également des auteurs plus engagés, de cinéma d'auteur, qui s'autorisèrent des écarts par la science-fiction, tels Elio Petri avec La Dixième Victime, avec Marcello Mastroianni, ou Marco Ferreri avec La Semence de l'homme. Dans les années 2000, on peut citer la satire Fascisti su Marte, qui raconte une expédition de l'Italie de Mussolini sur la planète rouge.

Il est étonnant que les Italiens, qui sont sans doute les inventeurs, au XVIIIe siècle, du terme commedia musicale, soient tellement absents de la comédie musicale filmée. Le seul titre que l'on peut inscrire dans ce genre, que les Italiens désignent d'ailleurs par le terme anglais musical, est Le Carrousel fantastique d'Ettore Giannini, en 1954, avec Sophia Loren. En revanche, au théâtre, le genre de la comédie musicale est à la fois ancien et bien vivant en Italie. Le musicarello est un filon apparu dans les années 1950 et qui a connu son apogée dans les années 1960. Prétexte à montrer un chanteur et son dernier disque, faisant l'apologie de la jeunesse et de la mode, ces « films à chansons » se déroulent souvent à la plage et dans une ambiance insouciante. Le premier musicarello est I ragazzi del juke-box de Lucio Fulci en 1959, avec entre autres Adriano Celentano. Parmi les nombreux titres, on peut retenir In ginocchio da te avec Gianni Morandi et Rita la zanzara avec Rita Pavone.

Un genre prolifique : le cinéma d'horreur. Les deux noms fondamentaux de ce genre sont Mario Bava et Dario Argento. Le premier, directeur de la photographie reconverti dans la mise en scène, a créé une vraie exigence de qualité pour l'horreur en Italie. Il a également été un remarquable narrateur, cultivé et raffiné. Les films que l'on peut retenir de sa filmographie sont : Le Masque du démon (1960), Le Corps et le Fouet (1962), Les Trois Visages de la peur (1965) ou encore La Baie sanglante (1971), précurseur du genre moderne slasher.

Dario Argento est alors le continuateur idéal de certaines atmosphères appartenant à Bava. Il a transformé le cinéma d'horreur italien en une forme de cinéma plus populaire, oscillant entre le thriller pur et l'horreur de nature plus fantastique, avec des films qui sont encore des modèles autant pour le point de vue formel et esthétique que pour le point de vue narratif. Argento dans ses meilleures œuvres a réussi à se démarquer et à s'émanciper de son maître grâce à une utilisation pressante du montage en association avec des bandes-sonores qui sont restées dans les annales : sa collaboration avec le groupe musical des Goblin a été fondamentale, pendant sa période de gloire. Les films que l'ont peut retenir de sa filmographie sont: : L'Oiseau au plumage de cristal (1970), Le Chat à neuf queues (1971), Quatre mouches de velours gris (1971) ou encore Suspiria (1977). Aux alentours des années 1960, et en particulier dans la décennie suivante, sont apparus des réalisateurs qui ont réinventé plusieurs formes du cinéma d'horreur, laissant des contributions mémorables. Parmi eux, Antonio Margheriti, Riccardo Freda, Lucio Fulci, Pupi Avati, Ubaldo Ragona, Francesco Barilli, Sergio Martino...

Le cinéma italien de nos jours

Parmi les réalisateurs découverts dans les années 2000 et 2010, on compte Gabriele Muccino, Paolo Sorrentino, Emanuele Crialese et Matteo Garrone.

Ce renouveau semble même redonner des ailes aux anciens : Marco Bellocchio et Ermanno Olmi signent avec Le Sourire de ma mère et Le Métier des armes deux chefs-d'œuvre parmi leurs plus grands films.

D'après Wikipédia