Die Frau ohne Schatten © Wilfried Hösl/Bayerische Staatsoper
Richard Strauss est né à Munich: il est ici chez lui. Mais il est aussi chez lui à Vienne, parce que de Vienne sont sorties les plus grandes distributions et interprétations de ses oeuvres, et il est chez lui à Salzbourg, parce qu'il a fondé le Festival, avec Hugo von Hofmannsthal et Max Reinhardt. Trois lieux de référence où il faut aller pour entendre (en principe) les œuvres de Richard Strauss comme il se doit.
La Bayerische Staatsoper a été marquée dans les cinquante dernières années par deux chefs, Wolfgang Sawallisch, qui a dirigée plus ou moins l'opera omnia et qui partagea avec Karl Böhm le titre de chef de référence pour Strauss, et Carlos Kleiber, pour des Rosenkavalier qui firent les beaux soirs, je veux dire les soirs inoubliables et incandescents du Nationaltheater.
Il n'est pas facile de monter Die Frau ohne Schatten: le livret est complexe et nécessite un authentique metteur en scène, la luxuriance de l'orchestre exige un chef de grand métier très familier de ce répertoire (ou simplement un très grand chef) et pour les chanteurs, comme pour Trovatore du côté italien, il suffit d'avoir le plus grand ténor, les deux plus grands sopranos, la plus grande mezzo et le meilleur baryton du répertoire allemand pour réussir son coup. J'ai aimé les deux dernières productions que j'ai vues (en mars 2012) celle de la Scala (Marc Albrecht et Claus Guth) et celle de Vienne (Franz Welser-Möst et Robert Carsen). On retrouve ce soir quelques éléments des deux distributions (Johan Botha, Adrianne Pieczonka, Wolfgang Koch).
C'est un triple événement qui marque cette nouvelle production à Munich. D'une part, cinquante ans ont passé depuis la réouverture du Nationaltheater restauré (1963), avec justement une production de Die Frau ohne Schatten de Rudolf Hartmann, dirigée par Joseph Keilberth. La nouvelle production de la saison en marque l'anniversaire. D'autre part, c'est la première apparition de Kirill Petrenko comme Generalmusikdirektor, succédant à Kent Nagano, qui a choisi ce pilier du répertoire maison pour carte de visite initiale. Enfin, la production succède à une pâle production japonaise de Ennosuke Ichikawa, et risque de faire parler d'elle puisque Nikolaus Bachler l'intendant (autrichien) de la Bayerische Staatsoper l'a confiée à Krzysztof Warlikowski et à sa décoratrice Malgorzata Szczesniak à qui l'on doit la Médée de la Monnaie que le public parisien a vue (et huée) l'an dernier au TCE., et qui ont signé quelques unes des belles productions de l'Opéra de Paris du temps de Mortier, Iphigénie en Tauride à Garnier en 2006, Parsifal en 2008 qui avait scandalisé les bonnes âmes et que l'on s'est empressé de mettre stupidement au trou, le Roi Roger de Szymanowski en 2009 et une Affaire Makropoulos (2007) qu'on vient de revoir en septembre/octobre dernier.
De fait, la production fera sans doute parler, car elle fait partie de ces spectacles dont on sort totalement ébloui, totalement fasciné, et totalement prisonnier, avec une envie de revenir, de réécouter, de revoir, de vivre et de revivre. Cela faisait des années que je n'avais pas senti de larmes embuer mon regard lors d'un opéra de Strauss, de ces larmes qui coulent sans qu'on sache pourquoi, de ces larmes d'émotion, mais aussi de joie intense et profonde. Mes larmes coulaient et je souriais: je me suis revu dans la même salle, avec Kleiber (dans Rosenkavalier) au pupitre: j'ai enfin entendu Strauss comme j'aime, comme j'attends depuis des années, c'est à dire depuis Böhm, Kleiber et Sawallisch car enfin il y avait un chef de cette race pour Strauss ce soir, un chef attentif à tout qui a fait scintiller cet orchestre de tous ses feux, qui l'a fait sonner comme rarement je l'ai entendu, qui a fait de chaque moment soliste (et il y a en tant dans Frau ohne Schatten) un moment d'éternité lumineuse, qui a su retenir le son quand il fallait, qui l'a fait s'épanouir avec une dynamique, une énergie inouïe, et en même temps une sensibilité, un soin extraordinaire donné au volume, à la couleur: oui les larmes venaient et coulaient parce qu'un Strauss comme cela provoque immanquablement l'émotion. Réentendre le final du premier acte, à faire fondre la pierre, réentendre l'intermède aux cordes solistes qui précède la scène de l'Empereur au second acte. Réentendre les bois au début du troisième acte, clarinette, hautbois, basson à tournebouler le plus blasé des spectateurs. Petrenko laisse s'épanouir les instruments solistes, et les dirige en les accompagnant comme s'ils étaient des voix humaines.
Aux entractes, les gens se regardaient, un peu interdits, tellement surpris d'entendre enfin Strauss, ou enfin un Strauss miroitant de pointes de diamant quelques fois acérées, un Strauss qui alterne moments chambristes et moments extraordinairement symphoniques, un Strauss qui laisse respirer longuement et sensuellement la mélodie, mais qui vous tient en haleine, et vous empêche de respirer tant vous retenez votre souffle, un Strauss qui éblouit par tant de sons qui sont autant de moments, un Strauss à mi chemin exact entre le post romantisme et l'école de Vienne, un Strauss qui dialogue aussi bien avec le premier Schönberg que le jeune Hindemith: on avait oublié que Strauss était la vie, bouillonnante, contrastée, violente et sensible, et émouvante, et tellement humaine. Merci à Kirill Petrenko qui vient de se projeter au sommet, et dont l'interprétation écrase littéralement(presque) tous les Strauss entendus ces dernières années: enfin une direction qui a du sens, enfin un orchestre qui parle, qui est un personnage: qui n'accompagne pas mais qui est la scène et le drame même, qui est le centre de gravité. Sans diminuer les mérites des uns ou des autres, et notamment du metteur en scène et de sa décoratrice, Kirill Petrenko est l’élément porteur de l’ensemble, par sa manière d’aborder l’œuvre, par sa dynamique propre, par le suivi très attentif du plateau et notamment par son attention à la mise en scène. Il est l’artisan de l’exceptionnelle réussite de cette production. Tout ramène à lui, tant l’approche est neuve, profonde, passionnante, notamment le travail sur la couleur, rarement mené avec une telle persévérance, et la parfaite adéquation avec le plateau et avec les respirations de la mise en scène, une mise en scène vraiment musicale, qui inspire et expire au rythme de chaque note, de chaque phrase, de chaque volute de musique.
Car le travail de Krzysztof Warlikowski constitue l’autre pilier référentiel de cette miraculeuse Frau ohne Schatten. Il a réussi avec des partis pris assez radicaux, à ne jamais donner l’impression de trop oser, de trop gauchir le texte : tout au contraire, à la justesse de l’approche orchestrale correspond une très grande justesse de l’approche scénique, toujours claire, toujours justifiée, et servie par un dispositif où vidéo, lumières, décor, espaces se répondent en une incroyable unité, avec une fluidité très surprenante, y compris ce début qui commence par un long extrait de L’année dernière à Marienbad, d'Alain Resnais qui pourrait sembler plaqué, comme on en lui a fait le reproche avec huées à la clef, dans son Parsifal parisien avec Allemagne année zéro alors que l'idée était d'une fulgurante intelligence. Ici, quand l'image du film s'estompe, reste en guise de transition la musique de fond sur laquelle empereur et impératrice se heurtent. On entend au loin la musique du film et on calme l'impératrice par une piqûre, elle s'endort, l'opéra peut alors commencer. Dès le départ, ambiance clinique et médicale que l'on va retrouver tout au long du spectacle, d'abord par un espace divisé en deux avec en premier plan un intérieur cossu aux murs de bois, et en arrière plan de hauts murs de carreaux de céramique blanche, comme dans un hôpital, des murs qui accrochent parfaitement lumières et vidéo. Espace glacial à l'intérieur duquel l'Empereur au troisième acte se transforme en pierre par une opération chirurgicale, où une infirmière tend à l'Impératrice un breuvage qui va lui permettre de récupérer l'ombre de la femme du Teinturier; elle ne cesse de refuser de boire, comme dans un asile d'aliénés où l'on force les malades à ingurgiter des calmants, un espace qui est celui de la folie, sans doute, mais aussi celui du rêve, du royaume imaginaire de l'Empereur, chasseur invétéré, entouré de faucons, dont son petit faucon rouge, le faucon de l'opéra (dont l'appel est lacérant) - qui sont des enfants à tête de faucon, jouant à la fois le conte rempli d'animaux (on voit aussi une gazelle, rappel de la manière dont l'Empereur a découvert l'Impératrice, qui était gazelle et qui fut prise dans les serres d'un faucon)
Scène finale Enfants/ombres © Wilfried Hösl/Bayerische Staatsoper
et l'enfance, une enfance qui remplit cet arrière plan à la fin, dont les ombres se reflètent savamment aux murs, jouant une chorégraphie étonnante, où ils deviennent gigantesques et presque menaçants quand un groupe va chercher et la femme du teinturier, puis Barak, images d'une beauté et d'une poésie indicible, et créatrices par leur simplicité même d'une énorme émotion.
Faucons..© Wilfried Hösl/Bayerische Staatsoper
Si Warlikowski divise l'espace en premier et arrière plan, il le divise aussi latéralement, côté jardin le royaume de l'Empereur, côté cour le domaine de Barak et de sa femme avec son mur de machines à laver de "beautiful laundrette" et ses chariots de blanchisseurs et au milieu, une table qui sert pour les deux couples…jusqu'à la scène finale.
Côté jardin deux chaises longues en cuir, séparées par un aquarium, côté cour un lit sur lequel dort au début la femme du teinturier pendant que les scènes initiales se déroulent côté jardin. Et Warlikowski va jouer de ces oppositions, de ces rapprochements. c'est d'abord des deux côtés les deux femmes qui dorment, comme si elles rêvaient mutuellement l'une de l'autre, puis plus avant dans l'opéra à la fin du deuxième acte, c'est d'un côté l'impératrice et de l'autre Barak, chacun dormant de son côté, chacun peut-être projetant son fantasme de l'autre côté de la scène: car la psyché est évidemment au centre de ce regard acéré mais pas destructeur de Warlikowski: visions psychanalytiques de l'enfance avec cette petite fille rousse comme l'Impératrice qui traverse tout l'opéra,
Keikobad et l'Impératrice © Wilfried Hösl/Bayerische Staatsoper
puis de l'Impératrice avec son père, Keikobad, sorte de mort vivant plié en deux avec lequel plus aucun rapport n'est possible: jeux de l'enfance aussi où les enfants sont on l'a vu les faucons, mais miment aussi des adultes (les secrétaires du Geisterbote (excellent Sebastian Holecek au timbre si velouté, à la voix de baryton basse si douce et si chantante) ou finissent par être de vrais enfants, à la fin.
La vidéo, envahissait l'espace initial par cette projection de l'Année dernière à Marienbad, film sur le fil du rêve et de la réalité, avec la douce et trouble Delphine Seyrig, une fenêtre tour à tour nous montre plusieurs fois l'espace du film, les grands couloirs rococo, le parc du château et Delphine Seyrig, qui par son habit rappellerait presque la Nourrice, comme une Delphine Seyrig vieillie et devenue une manière de magicienne qui ordonne tout ce qui se déroule, dormant/veillant sur les deux premiers actes, tout de blanc vêtue en costume et cape au premier acte, en noir et blanc au deuxième, et redevenue plus féminine au troisième, où elle va être chassée (enfermée dans une camisole de force- toujours l'asile) et sortie manu militari: il faut une personnalité hors pair,
Nourrice, jeune home et teinturière © Wilfried Hösl/Bayerische Staatsoper
il faut Deborah Polaski pour incarner cette nourrice-là, castratrice, dominatrice, maîtresse d'un jeu presque sado-masochiste: le jeune homme envoyé à la teinturière est dans cette vision un prostitué payé par la nourrice, elle est celle qui manipule tous les personnages, qu'elle soit en scène ou étendue sur la chaise de relaxation, les yeux couverts de lunettes à mousse ( ces cache-yeux utilisés dans les avions pour dormir). Elle n'est pas une Oenone inféodée à sa maîtresse, elle est celle qui tire les fils, celle qui fait renverser les valeurs, celle qui fait passer du monde éthéré du couple impérial à celui du couple de teinturiers, du Walhalla à un Nibelheim qui serait non pas une antichambre de l'enfer, mais au contraire la chambre de l'humanité simple et aimante, rendue encore plus humaine par la voix merveilleusement chaleureuse de Wolfang Koch.
Et cet espace est traversé de vieux serviteurs, de femmes de chambres, qui servent des alcools. Trouvaille étonnante: on retrouve au royaume de Keikobad, le père de l'impératrice, ces serviteurs zélés, vieillis, au profil anguleux et ressemblant à ces têtes de faucons vus auprès de l'Empereur, comme s'ils étaient des faucons vieillis, au service d'un royaume qui se nécrose.
Et puis, des images d'une habileté impressionnante, comme la vision du désir de meurtre de l'Empereur au deuxième acte, dans une forêt profonde de bouleaux qu'on pénètre, et qui abrite des centaines de tombes, où l'on finit par voir la fauconnerie de l'Empereur ou bien la tempête qui conclut l'acte en une sorte d'irrésistible typhon. Ce monde aquatique, tantôt tempétueux et terrible, tantôt calmé, serein, comme l'aquarium du premier plan, image à la fois d'un espace bourgeois, ou vision vidéo de fonds poissonneux projetée au début du troisième acte, comme une métaphore des âmes tourmentées.
L'histoire se déroule selon son implacable logique, bien plus tendue qu'à l'accoutumée, de cette tension qu'ont les contes qui peuvent basculer sans cesse dans le drame et se déroulent au bord du gouffre. pour se terminer dans cette explosion extraordinaire d'enfants, dont nous avons parlé, en un final qui n'est sans doute pas pour moi le plus émouvant musicalement où la morale qui est véhiculée, celle du couple bourgeois du début du XXème siècle n'est pas vraiment l'idéal d'une société d'aujourd'hui, mais dont Warlikowski retourne totalement l'image finale: les quatre protagonistes ne sont pas face au public à chanter leur joie, comme souvent. Ils sont autour de la table qui a toujours servi de lieu de rencontre dans toute l'oeuvre, autour de laquelle on a dîné, on a bu, on a crié, on a pleuré: ils sont autour de la table, comme si Monsieur et Madame Empereur recevaient Monsieur et Madame Teinturier, des voisins qui trinquent ensemble et boivent le champagne, image d'une humanité banale à la fois émouvante, mais aussi terrible, car bientôt, les enfants disparaissent, et les quatre restent seuls, regardent dans le vide, comme plongés dans un ennui existentiel, et la joie devient angoisse, angoisse de la vie ordinaire, de la vie petite bourgeoise sous les regards, projetés au mur, des mythes de l'époque, cinématographiques ou non, dans l'ordre, Batman, Jesus, Gandhi, King-Kong et Marilyn Monroe (un clin d'oeil à sa mise en scène de l'Affaire Makropoulos): vision ironique qui n'est pas sans rappeler le final du Crépuscule de Carstorf: la retombée sur terre, l'ordinaire du quotidien, et les mythes d'aujourd'hui qui mêlent vrais et faux héros, vrais et faux cultes: la vie vécue et rêvée, comme au cinéma, comme à Marienbad...
Face à un tel travail, les chanteurs sont tellement suivis et soutenus qu’ils constituent un plateau de très bon niveau et très homogène. La précision du travail scénique les contraint à l'engagement, même ceux qui sont habituellement rétifs comme Johan Botha, qui en fait un minimum (ce qui est pour lui un maximum…).
D’abord rendons hommage aux anonymes, à tous ces petits personnages secondaires que la mise en scène ne montre pas et qui chantent en coulisse ou dans la fosse, ces membres de l'excellente troupe de Munich. Je ne résiste pas au plaisir de citer le faucon bouleversant de Eri Nakamura et la voix d'en haut de Okka von der Dammerau. J'ai déjà dit le bien que je pensais de Sebastian Holecek, Geisterbote au rôle épisodique, mais essentiel au début, et qui montre une voix de baryton basse très chantante et très présente en même temps. On a beaucoup dit qu'on n'entendait pas Deborah Polaski, en Amme, la nourrice. Elle est un personnage tellement fort, tellement présent, tellement incarné qu'on en oublierait presque les faiblesses vocales, qui certes, notamment dans le grave, totalement détimbré , sont notables, avec de sérieux problèmes de justesse à l'aigu, mais avec des moments de fulgurance où cet aigu sort comme avant…Alors, oui, il y a des problèmes, mais cela va avec le personnage déglingué qu'elle incarne, cela va avec sa couleur, cela va avec ce que veut lui faire faire Warlikowski.
C'est d'ailleurs le cas de tous les protagonistes de ce plateau, pris collectivement, ils sont somptueux, ils ont une présence folle, ils sont tellement dans le jeu, dans leur personnage que les question vocales passent forcément aux second plan. Disons qu'ils ont tous la voix du rôle, mais dans des costumes pour certains à peine un peu étriqués.
Réveil de la teinturière (Acte I) © Wilfried Hösl/Bayerische Staatsoper
J'attendais peu de Elena Pankratova, j'avais trouvé sa femme du teinturier à Milan sans personnalité, la voix sans éclat. Elle est ici d'abord un personnage extraordinaire, un tantinet vulgaire, un peu frustre, sans aucun recul sur les choses, habillée de noir (comme l'Impératrice),
La teinturière en Platinette © Wilfried Hösl/Bayerische Staatsoper
avec sa perruque blonde platinée qui en fait presque une copie de Platinette, l'acteur italien travesti un peu drag queen: elle devient un "mezzo de caractère"…cela lui va très bien et la voix est venue, bien sortie, bien projetée notamment aux deuxième et troisième actes. Warlikowski en fait un type physique tel que cette voix sans vraie élégance lui colle parfaitement. Evidemment on attend dans ce type de rôle une Herlitzius, une Jones, une Nilsson qui ont ou avaient une toute autre envergure, et une voix plus tranchante, mais Elena Pankratova est ici parfaitement à sa place, et s'en sort avec tous les honneurs et un très gros succès public.
L'Impératrice: ich will nicht ! (Acte III) © Wilfried Hösl/Bayerische Staatsoper
Adrianne Pieczonka ne m'a jamais totalement convaincu non plus: la voix est très ronde, très belle, mais la personnalité n'est pas toujours au rendez-vous. Mais déjà cet été à Aix elle était une belle Chrysothemis, elle est ici une très belle Impératrice, un peu aux limites à l'aigu (qu'elle a raté une fois, à la fin), mais le personnage est là aussi parfaitement convaincant: son réveil est vraiment magnifique (alors qu'on sait qu'il est un moment redoutable pour le soprano), avec une ductilité vocale notable et un timbre somptueux. L'Impératrice a la couleur d'une Sieglinde (Rysanek fut les deux, éblouissante): Pieczonka est plus convaincante qu'une Magee dans le même rôle et mérite le succès immense remporté.
Johan Botha, on le sait, n'est pas une bête de scène. Et Warlikowski ne lui en demande pas trop; néanmoins, il réussit à être au moins dans le personnage à défaut de l'incarner. La voix est celle du rôle, chant élégant, diction exemplaire, timbre clair, mais les aigus sont un peu serrés et rétrécis: il n'a aucun charisme mais néanmoins, aidé par la mise en scène qui en fait un personnage pâle, il s'en sort très bien; comme on dit il passe sans encombre.
Enfin, Wolfgang Koch, Barak lointain successeur de Walter Berry est ici sans doute le plus totalement adéquat des quatre protagonistes: la voix est chaleureuse, douce. Le chant est stylé, la diction impeccable et la clarté de l'émission exemplaire. Il incarne le personnage, avec son style un peu pataud, un peu lourdaud, mais s'il l'incarne physiquement, vocalement il diffuse une noblesse intérieure qui le rend terriblement émouvant. Une très grande réussite pour un rôle qui pourrait fort bien devenir un rôle fétiche pour lui.
Dans cette soirée, il suffisait que les voix soient acceptables, elles sont bien plus, mais ce n'est pas elles qu'on retient: on leur tient grâce de ce qu'elles contribuent à mettre en valeur l'éblouissant travail d'un orchestre prodigieux, qui ne les couvre jamais, qui les soutient, et qui, malgré l'extraordinaire symphonisme de l'oeuvre, ne tombe jamais dans l'excès sonore: on en revient au noyau de cette soirée, Petrenko, Petrenko et encore Petrenko.
Il est un peu tard pour qui voudrait tenter la dernière représentation de cette série, le 7 décembre; mais guettez cette Frau ohne Schatten l'an prochain quand Petrenko la reprendra, car si elle est reprise pour le Festival en juillet, c'est avec un autre chef, Kirill Petrenko étant pris par les répétitions de Bayreuth. Nous referons tous le voyage de Munich, car ce pourrait bien être, et pour longtemps, la production de référence de ce début de règne...
Die Frau ohne Schatten Dimanche 1er décembre 2013