Lyon 16 octobre
Quand on aime on ne compte pas.
Profitant d'une place laissée libérée qu'un ami m'a proposée, je me suis rapidement décidé à revoir cette production et d'assister à sa troisième représentation. Il y avait une certaine hardiesse à retourner voir ce spectacle le jour anniversaire de la mort de Marie-Antoinette (16 octobre 1793), mais personne n'y a pensé...
Je n'ai évidemment pas grand chose à rajouter à ce que j'ai écrit précédemment (voir le compte rendu de la Première), mais tout de même, cette deuxième vision m'a permis de constater d'une part que le spectacle a toujours une grande force, d'autre part que certains détails de mise en scène m'avaient échappé et que, concentré sur tel ou tel aspect du travail, j'en ai encore une idée plus nette, d'autant que musicalement, c'est vraiment une soirée exemplaire. L'orchestre est toujours d'une très grande clarté, d'une rare lisibilité, mais conduit de manière très dramatique sans aucune signe de pathos. On ne peut diriger Poulenc comme Puccini. La lecture de Kazushi Ono est, comme toujours chez ce chef, une lecture objectivée qui ne se permet aucun laisser aller à du sentimentalisme ou du sirupeux.
Il en résulte une tension permanente, dès même la désormais fameuse première scène qui a encore choqué certains éléments du public: s'il s'agissait de Lulu, personne ne broncherait, s'agissant de Dialogues des Carmélites, évidemment, la première scène, construite en opposition au reste, prend une valeur très emblématique et surtout inattendue, mais au total cohérente.
La dame aux seins nus qui émerge du lit du marquis de La Force est le centre de l'image finale de l'opéra, levant le poing dans un style très "Viva la Revolución".
Si la conduite (et la réponse) de l'orchestre apparaissent exemplaires (et cette fois, presque tous les cuivres ont répondu présent), l'écoute très attentive du chant montre une fois de plus une distribution équilibrée, très solide, avec de très belles qualités, notamment dans le contrôle du souffle et du volume: il n'y a aucune faiblesse, il y a simplement des voix plus intenses que d'autres, mieux dominées que d'autres, même si l'ensemble est sans conteste de grande qualité. Sylvie Brunet, outre la qualité de l'interprétation scénique et l'intensité du personnage qui obtient un triomphe à la fin, utilise les déchirures de la voix pour construire vocalement une première Prieure à la fois puissante, imposante, mais avec des fêlures vocales qui cadrent parfaitement avec les fêlures humaines, et de fait, il n'y a rien à dire: Sylvie Brunet sait utiliser les rayons et les ombres de sa voix actuelle pour conduire le personnage.
Anäik Morel, peut-être encore plus que samedi, montre une belle domination et un joli contrôle, avec des aigus pleins, et pas criés ce que l'on pourrait reprocher quelquefois à Sophie Marin-Gregor dans la nouvelle Prieure, mais la présence vocale est telle, avec une intelligence de la diction et du phrasé, que l'ensemble passe. Hélène Guilmette, toujours un peu en retrait scéniquement, un peu pâle par rapport à d'autres personnages, nous a gratifiés de jolis moments vocaux, avec un beau contrôle, une vraie réussite dans la manière d'adoucir, de chanter sur le fil de voix, de produire des mezze voci et, nos amis italiens diraient des "smorzature" (littéralement des atténuations) très bien conduites et maîtrisées.
Sabine Devieilhe reste ce soleil décrit samedi, j'ai été très attentif à son attitude en scène quand elle reste en retrait (et la mise en scène la met souvent en arrière): elle est d'une criante vérité, petits gestes, regards, sourires, tout cela donne au personnage une présence inouïe.
Du côté masculin, rien à dire de Laurent Alvaro, un marquis encore jeune et vigoureux, à la voix puissante, bien projetée, bien posée, ni de Loïk Felix, dont la douceur vocale est presque émouvante. Le discours de l'aumônier (noblesse oblige) reste toujours équilibré, toujours maîtrisé, sans jamais entrer dans le pathétique; ainsi Loïk Felix est sans doute dans sa diction le plus naturel et le plus fluide de tous. Quant au jeune Sébastien Guèze, j'ai encore une fois apprécié son timbre juvénile qui en fait de graine de ténor pour du bel canto ou du grand opéra français, avec un peu plus de fluidité dans la montée à l'aigu, qu'on sent quelquefois un peu forcée, j'ai cru entendre un Henri (Les Vêpres Siciliennes) dont il a incontestablement la couleur, il chante déjà Floreski de Lodoïska et si la voix s'élargit encore il y a peut-être du Raoul (des Huguenots) dans l'air...
En tous cas entre Loïk Felix et Sébastien Guèze, on tient là deux ténors (très différents) de style français: le marché est plein de ténors pour le répertoire italien, on serait heureux d'avoir des héritiers de la tradition des ténors français. Depuis Vanzo, et à part Alagna, les dernières années n'ont pas fait sortir des jeunes vraiment valeureux dans le répertoire du XIXème en France, même si quelqu'un comme Florian Laconi est actuellement à suivre avec attention.
Du point de vue de la mise en scène, quelques points se sont précisés, d'autres restent plus troubles. Les religieuses à l'acte I, deuxième tableau, fabriquent en fait des hosties dans une distribution rigoureuse du travail, une table pour étendre la pâte, la chauffer et la faire prendre dans des sortes de crêpières, deux tables pour créer les hosties, et côté jardin, quelques religieuses les mettent dans des sachets de tulle (un peu comme des sachets à dragées).
Christophe Honoré
Jeu de briques
Snake
Pacman
Bubble