Jusqu’au 2 novembre prochain, la Galerie Da-End présente pour la première fois en France l’excellent travail du peintre et sculpteur suédois Markus Åkesson. Un univers magnétique qui vous transporte instantanément au cœur des sombres forêts nordiques. Des sculptures organiques et des tableaux intenses qui vous happent et vous habitent longtemps après que vous les ayez vus. Nous vous livrons quelques clés de cet univers particulier, au détour d’un entretien avec l’artiste :
FG : Pouvez-vous nous parler de votre parcours artistique ?
Markus Åkesson : Je n’ai eu que très peu, voire aucun contact avec le monde de l’art quand j’étais jeune. J’ai grandi dans une famille traditionnelle de la classe ouvrière, et aucun de mes amis ne menait d’activité artistique. Bien que j’aimais dessiner, ce que je faisais la plupart du temps, je n’avais jamais pensé qu’être artiste puisse être un véritable « métier ». Donc après le lycée j’ai commencé à travailler dans une usine, tout en sentant dès le départ que je n’étais pas à ma place. Par chance, après quelques années, j’ai obtenu un job en tant que graveur sur verre, ce qui m’a permis d’être en contact avec un tout nouvel environnement, plus culturel. J’ai fait ce métier pendant quelques temps puis j’ai ressenti le besoin de trouver d’autres moyens de m’exprimer. Quand j’ai commencé à peindre, j’ai su que j’avais trouvé ma voie.
Vous exposez actuellement à Paris deux nouvelles séries d’œuvres intitulées “The Woods” et « Black Pond”. Quel en est le sujet ?
« The Woods » représente un monde parallèle, peut-être un monde onirique ou un espace subconscient. Les histoires qui s’y nouent sont les ombres d’événements du « vrai monde ». Les changements d’états sont essentiels dans ce monde, comme les rites de passage ou les moment qui se trouvent entre les temps forts de l’histoire. La surface de l’eau dans la série « Black Pond » représente un portail, une fine membrane entre les espaces, les mondes ou les états (d’esprit).
La Suède a une densité de population de 21 habitants par kilomètre carré. La province de Småland, où j’habite, est presque entièrement constituée de forêts. Je pense qu’il est inévitable pour un artiste d’être inspiré par un tel cadre. Je connais des endroits dans les bois où vous pouvez marcher pendant plusieurs heures sans jamais voir de traces de vie humaine. C’est une expérience méditative qui vous met véritablement en perspective avec la nature.
A quoi ressemble votre atelier ?
Mon atelier est situé dans une ancienne verrerie, fabriquée en 1850, donc je suis entouré d’histoire. J’ai dans l’atelier des livres d’artistes : Jenny Saville, Gerhard Richter, Michael Borremans, John Bauer, des livres de chez Taschen, etc. Je possède aussi des squelettes d’animaux, des maquettes anatomiques et des jouets en forme d’animaux. Mais je ne suis pas très collectionneur.
Vous peignez d’après des photographies que vous prenez et mettez en scène. Pouvez-vous nous expliquer comment vous procédez et qui sont vos modèles ?
Parfois tout commence avec l’idée d’une suite symbolique d’événements que je voudrais visualiser. Je me mets alors à la recherche de lieux et de modèles. Parfois c’est l’inverse qui se produit, un lieu ou une personne fait naître l’idée d’une histoire. Je prends souvent des gens de mon entourage proche pour modèles, mais parfois j’embauche des gens pour poser. Je prends un grand nombre de photos qui me servent de base pour peindre ensuite. La séance ressemble souvent à un plateau de cinéma, mais en miniature, avec juste moi et le(s) modèle(s), parfois un assistant.
Quasiment toutes vos œuvres ont pour fil rouge le thème du rite de passage, ou bien le passage lui-même : entre deux mondes, deux états d’esprit, deux périodes de la vie. Qu’est-ce qui vous fascine autant dans ce sujet ?
Je ne suis pas sûr de pouvoir l’expliquer. Dans une intrigue dramaturgique classique, plusieurs événements plus ou moins importants font avancer l’histoire. Dans les films, par exemple, les acteurs ont ce rôle, ils disent ou font des choses avec plus ou moins de tension, et les moments entre les deux servent de « remplissage » jusqu’à ce qu’une scène où il se passe quelque chose survienne. Ces « remplissages » m’ont toujours fasciné. Que se passerait-il si vous vous concentriez sur ces moments-là ?
Quelles sont vos sources d’inspiration (aussi bien historiques que contemporaines) – ce peut-être dans le champs de l’art, mais aussi les autres champs culturels ?
A vrai dire, les mots ont toujours été ma plus grande source d’inspiration, les poèmes et les paroles de chansons. C’est ce qui a le plus d’impact sur moi, peut-être parce que cela m’évoque mes propres images et qu’il s’agit d’une expérience plus intense, du moins en ce qui me concerne. Les références visuelles sont plus de l’ordre du subconscient, je vois (comme nous tous) tellement d’images tous les jours que cela m’affecte, bien sûr, mais je n’y pense pas tellement. Alors oui, parfois il m’arrive d’être ébahi par une œuvre d’art, mais je n’ai pas pour autant envie d’y faire référence dans mon propre travail.
Vous avez sélectionné l’album de Fever Ray comme bande son pour votre exposition. La musique est-elle importante pour vous ? En écoutez-vous quand vous peignez ?
J’écoute souvent de la musique en travaillant et je suis un grand consommateur de musique. En ce moment, j’écoute en boucle l’EP ”Bright Bright Bright” du groupe Dark Dark Dark. Il est excellent.
Sans trop entrer dans les détails, les sculptures sont créées artisanalement par un souffleur de verre, Micke Johansson, d’après mes croquis et instructions. Ensuite, je les grave à la main, un travail très chronophage mais aussi méditatif.
Pour moi, il y a une grande différence entre mes peintures et mes sculptures au sens où je vois les peintures comme une chose qui transporte le spectateur en dehors de l’espace d’exposition. Les tableaux sont les représentions de scènes d’un autre monde, des sortes d’illusions. Je ne les conçois pas comme des objets physiques dont on peut faire l’expérience.
Les sculptures, en revanche, sont réelles et très ancrées dans l’espace. Ce sont des objets qui ont voyagé depuis mes mondes peints jusque dans la réalité.
Pour terminer, quels sont vos projets à venir ?
Je vais participer à Art Paris Art Fair avec la Galerie Da-End à la fin du mois de mars l’année prochaine.
Until November 2nd, 2013, Galerie Da-End is presenting for the first time in France the work of Swedish painter and sculptor Markus Åkesson. His magnetic world instantaneously takes you to the heart of the dark nordic forests. His organic sculptures and intense paintings snatch you up and keep on haunting your mind long after you’ve seen them. The following interview with the artist will hopefully give you a few keys to his mesmerising world :
FG : Could you tell us a little about your art background ?
Markus Åkesson : Actually, I had little or no contact with the art world when I was younger. I grew up in a traditional working class family, and didn’t have any friends that were involved in cultural activities. Though I loved to draw, and did so most of the time, it never struck me that being an artist could be an actual “job”. So after school I started to work in a factory, but I felt from the start that this wasn’t my world. Luckily, after a few years, I accidently got a job as a glass engraver, and came in contact with a whole other context, more cultural. I worked with this for a couple of years and I eventually felt that I had to find ways to express myself. Then I started to paint and I knew that I had found my way.
You currently exhibit in Paris two recent series of works called “The Woods” and “Black pond”. Can you explain what they are about?
The Woods is a parallel world, maybe a dream world, or a subconscious space. The stories that take place there are shadows of the “real world”’s events. The changing of states are essential in this world, like the rites of passage and the moments that are in between the dramaturgical highlights in the story. The water surface in the “Black Pond” series represents portals, a thin membrane between spaces, worlds or states (of minds).
Sweden has a population density of 21 inhabitants per square kilometre. Småland, where I live, mostly consists of forest. I think it is inevitable as an visual artist to take inspiration from such surroundings. I know places in the woods where you can walk for hours without seeing traces of any human life. It’s a meditative experience and really puts yourself in perspective with nature.
Tell us about your studio : what does it look like ? What can be found in it ?
The studio is situated in an old glasswork, built in 1850, so I have a lot of history around me. In my studio I have some artists books, Jenny Saville, Gerhard Richter, Michael Borremans, John Bauer, Taschen books, etc. I also have some skulls from animals, anatomic models and toy animals. But I’m not a big collector of things.
You paint after photographs that you stage and take. Can you explain the process and tell us more about your models ?
Sometimes I start out with an idea of a symbolic course of events that I want to visualize. I then start to find surroundings and models. Sometimes it’s the other way around, a surrounding or a person triggers an idea of a story. I often use people in my immediate surroundings as models, but sometimes I also rent models. The process is often like a movie set, but in miniature, very basic with just me and the model(s), sometimes an assistant. I take a lot of different photos and then work from a variety of prints.
Almost all of your paintings have one theme in common : the rite of passage, or the “passage” itself, between two worlds, two states of mind, two periods of life. What is it about this theme that fascinates you so much ?
I´m not quite sure. But in a classic dramaturgical setting, you have more or less significant events that bring a story further. In movies, for example, there are actors, simply doing or saying stuff, with more or less drama and the moments in between are “fillouts” that lead to the points where something actually happens. Those “fillouts” have always fascinated me. What would happen if you concentrated your attention to these?
Can you tell us about what your sources of inspiration (both historic and contemporary) – this can be in the art field or any other aspect of culture ?
Actually, words have always been the most important source of inspiration, poems and song lyrics. That is what has the most emotional impact on me, maybe because they give me my own images, which often is the strongest experience, at least for me. The visual references are more on a subconscious level, I see (like all of us) so many images flashing by everyday and of course it affects me but I don’t think about it that much. But yeah, sometimes I almost get knocked out by seeing an artpiece, but then I rarely want the reference in my own work.
You chose Fever Ray’s debut album as your exhibition soundtrack. Is music important to you ? Do you listen to music while painting ?
I often listen to music while I work and I am a big consumer of music. Right now I have the Dark Dark Dark EP ”Bright Bright Bright” on repeat in the studio. It’s brilliant.
Without going in too much on the details, they are hand-blown by a glassblower, Micke Johansson, after my sketches and instructions. After that, they are hand engraved by me, a most time-consuming, but at the same time, meditative work.
For me, there is a big difference between my paintings and my sculptural work in the sense that I see the paintings as something that leads the spectator out from the exhibition room. The canvases are representations of scenes from another world and kind of, illusions. I don’t really think of them as experienced physical objects. The sculptures, however, are real and very much in the room. They are objects that somehow have made the journey from the worlds in the painting into reality.
Finally, what are your future plans ?
I will be at Art Paris Art Fair with Galerie Da-End, Paris in the end of March next year.
Many thanks, Markus ! See you in March then !
Interview + photos : Fanny Giniès
Artworks : Courtesy of the artist & Galerie Da-End
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