Bien que les critiques ne fassent souvent que mentionner la musique que l’on peut entendre au théâtre, on en entend de plus en plus sur scène. Angélica Liddell invite un orchestre pour jouer et danser la valse, Philippe Quesne choisit un quatuor de chaque région où passe le spectacle pour jouer du Tchaïkovski, Brett Bailey fait chanter certaines protagonistes de Exhibit B, Faustin Linyekula intitule sa chorégraphie Drums and Digging, et Dieudonné Niangouna intègre dans Shéda les musiciens Pierre Lambla et Armel Malonga. Tous ces artistes utilisent la musique sur des modes dramaturgiques différents, du simple accompagnement à l’élément constitutif. Chez Christoph Marthaler et Jean-Paul Delore, elle est essentielle.
Invité au Festival en tant qu’artiste lié à l’histoire de la décennie Hortense Archambault/Vincent Baudriller — il a été artiste associé en 2010 — Christoph Marthaler a présenté King Size à l’Opéra d’Avignon. Jean-Paul Delore, lui, est un compagnon de longue date de l’un des artistes associés de cette édition, Dieudonné Niangouna, que l’on retrouve dans Sans doute, joué au Cloître des Carmes.
King Size invite le regard à pénétrer dans l’intimité d’une chambre d’hôtel, chez un couple qui "passe en revue un répertoire éclectique allant de la musique sérielle à Michel Polnareff, en passant par Bach et les Jackson Five". Un pianiste les accompagne en bord de scène, légèrement en-dehors de la chambre, tandis qu’une vieille femme passe et repasse comme un fantôme errant. Tout prête à sourire ici : le désarroi sénile de la dame, les protocoles d’hôtel de luxe subvertis, le minibar placé bien trop haut pour qu’on puisse l’atteindre, les placards à double fond ou encore la chanson façon pigeon interprétée par l’héroïne. De plus, la juxtaposition de musiques savantes et populaires crée un décalage comique, et entendre magnifiquement chanter du Michel Sardou par des artistes lyriques exceptionnels suscite de nombreux éclats de rire dans la salle.
Comme toujours chez Marthaler, la musique emplit l’espace de telle sorte qu’elle tient lieu de narration. Ce n’est cependant pas un dispositif opératique, dans la mesure où elle ne raconte rien, elle est le spectacle. Nous sommes invités à suivre le parcours de la musique pour comprendre les liens qui se font et se défont autour d’elle. Il est ainsi nécessaire de se laisser aller pour adhérer à un développement onirique et absurde, où les événements sont d’autant plus forts qu’il sont éphémères.
Jean-Paul Delore propose une construction dramaturgique totalement différente. Sans doute est le fruit de ses multiples rencontres autour du globe. 12 comédiens et musiciens se partagent la scène, en ligne — 1 musicien, 1 comédien — face au public. Ils ont des pupitres et lisent des textes de Mia Couto, Jean-Paul Delore, Eugène Durif, Dieudonné Niangouna, Sony Labou Tansi et Nicholas Welch — lectures entrecoupées/entrelacées par les compositions collectives des musiciens (parmi lesquels on compte le guitariste Alexandre Meyer, qui écrit la musique de beaucoup de spectacles contemporains, et des membres de l’ARFI, l’Association à la Recherche d’un Folklore Imaginaire, le plus vieux collectif de jazz français). C’est du rock, de la chanson ; loin de créer un flux ouateux où il ne faudrait qu’accepter de se laisser aller, Delore suscite le désir d’en entendre toujours plus, grâce à des crescendos électroniques et vocaux. Au lieu de chatouiller l’oreille par des juxtapositions bizarres, il la provoque. Malheureusement, la poésie des textes se perd quelque peu en chemin, et on a l’impression flottante d’assister à une cérémonie confidentielle, réunissant quelques amis.
Le collage des voix — les voix narratives mais aussi les voix et les accents des comédiens, qui viennent de pays différents — fait musique en lui-même, comme la danse furtive des corps et les éléments de costumes font théâtre. Mais tout cela est délivré de manière frontale au public, empli des sensations brutes du voyage et des rencontres. La musique ne se développe pas dans l’espace mais, comme en concert, dans le temps. La construction n’est ni spatiale ni narrative, mais poétique, alors que chez Marthaler, le développement musical passe par la spatialisation — et c’est là qu’il y a théâtre.