Acte 1 ©Bavarian State Opera
La même production a fait l'objet d'un article en janvier 2012, voir le compte rendu enthousiaste (déjà) d'alors.
Par rapport à janvier 2012 on retrouve Jonas Kaufmann (Don Carlo), Anja Harteros (Elisabetta), René Pape (Filippo II). S'y ajoutent Ekaterina Gubanova (Eboli) et Ludovic Tézier (Posa) ainsi que le Grand Inquisiteur (impressionnant!!) de l'ukrainien Taras Shtonda. Autre différence (de taille) Zubin Mehta succède à Asher Fisch au pupitre du Bayerisches Staatsorchester. Autant dire le genre de distribution à ne manquer sous aucun prétexte.
Une fois de plus, la mise en scène de Jürgen Rose, qui remonte à juillet 2000, a bien résisté au temps. Elle est suffisamment hiératique, essentielle, dans sa boite grise qui a tout du sépulcre (la pace dei sepolcri! comme lance Posa au Roi) et suffisamment bien faite pour résister. Elle met bien en valeur le drame, sculpte les personnages, avec des moments doués de poésie (les duos Elisabetta/Carlo et notamment tout le premier acte) et des scènes bien construites (la scène du Grand inquisiteur est très bien conduite), d'autres moins réussies (l'air du voile et la chorégraphie un peu gnan gnan qui l'accompagne), mais dans l'ensemble l'écrin est discret, mais présent.
L'autodafé ©Bavarian State Opera
On ne venait pas pour voir une mise en scène, mais pour entendre cette distribution introuvable qu'on ne trouve quasiment qu'à Munich. Car même celle prévue à Salzbourg est à mon avis vocalement inférieure, sans parler de la Scala cet automne.
Il y a eu deux moments dans cette soirée, la première partie (Actes I à III) avec des moments magnifiques d'intensité comme le premier acte ou le trio du deuxième acte, et quelques légères déceptions comme l'air du voile manquant diablement de rythme et d'allant à l'orchestre. Cette première partie dans l'ensemble a manqué de tension dramatique et Mehta ne semblait pas rentré dans la représentation. La seconde partie (Actes III et IV) fut à l'inverse de bout en bout sensationnelle à tous niveaux.
Zubin Mehta est vraiment un grand chef verdien. Même si l'on peut lui reprocher dans la première partie justement un manque de tension, une certaine lenteur et peut-être çà et là une certaine uniformité, sans vrais accents, il reste que le rendu de l'épaisseur de la partition, la mise en valeur de certains pupitres (les bois), la fluidité du discours, la couleur, tout ce qui faisait un peu défaut dans l'Otello vu une dizaine de jours avant ou dans le Ballo in maschera scaligère apparaît clairement: même si quelques points peuvent être discutés, ce qui est indiscutable, c'est que cela ressemble enfin à du Verdi. Du vrai!
L'entracte passé, quelque chose s'est déclenché qui a transformé l'accompagnement orchestral. D'accompagnateur, l'orchestre devient protagoniste, devient personnage. À commencer par l'introduction fameuse au "Ella giammai m'amò", avec son solo de violoncelle, très fortement mis en valeur, voire en relief, avec un système sonore qui construit différents niveaux et différents discours et qui fait du violoncelle l'écho très net de la voix du soliste. Tout comme aussi l'introduction à "Tu che le vanità" du cinquième acte, qui appuie fortement sur les cordes et donne une très grande intensité à l'ensemble de cette longue introduction. Enfin, le concertato qui suit la mort de Posa (dit "lacrimosa") qui commence comme une litanie et qui s'éclaircit jusqu'à devenir une sorte d'élévation, de transfiguration. Tout cela, l'orchestre l'accompagne, avec des accents bouleversants, tantôt il gémit, tantôt il pleure, tantôt il crie. Grandiose. Zubin Mehta au sommet de son art lorsqu'il décide de s'engager.
Signalons aussi le choeur de la Bayerische Staatsoper, très impliqué, très clair dans sa diction, impressionnant dans la scène de l'autodafé.
Anja Harteros/Jonas Kaufmann ©Bavarian State Opera
Il est difficile de trouver à redire à une distribution qui a chaviré le public (25 bonnes minutes d'ovations répétées, spectateurs debout, hurlant ou frappant des pieds) même si le grand Jonas, assez amaigri, n'a pas semblé au début au mieux de sa forme (curieusement, même phénomène en janvier 2012), des notes hésitantes, des aigus évités, ou savamment savonnés ou contournés: l'aigu fatal du troisième acte (fatal à Pavarotti qui l'avait raté à la Scala) peu affronté et soigneusement habillé. La technique de Kaufmann est telle qu'il peut par exemple là où l'aigu devrait s'affronter à l'italienne, "di petto", le contourner en adoucissant, en le transformant en aigu filé, que seul il sait faire et le tour est joué, et bien joué car ses choix ont toujours du sens, apportent toujours un supplément d'âme à défaut d'un supplément de décibels. Car Jonas Kaufmann, sans conteste le meilleur ténor d'aujourd'hui n'a pas du tout la technique ni la couleur italiennes. Timbre sombre, presque barytonnant, qui n'a rien de solaire, de cette solarité qu'on notait chez un Domingo, un Pavarotti ou un Del Monaco, remplace les facilités à l'aigu de ses prédécesseurs par une technique de fer qui lui permet de négocier très différemment les notes (c'est un chanteur d'une intelligence redoutable) et de produire d'abord de l'émotion avant de produire de la performance (tout l'inverse d'un Del Monaco par exemple).
Jonas Kaufmann est un chanteur lunaire, qui s'aventure au pays du soleil: alors il marque son territoire, qui est non pas l'aigu (qu'il donne s'il est nécessaire), mais la mezza voce, la note filée, le contrôle sur le fil de voix, la diction (impeccable) l'expression: cette technique lui permet de chanter dans n'importe quelle position et en fait un chanteur très disponible pour un metteur en scène. Ce soir, hésitant quelquefois, il était visiblement en méforme au départ, le public non habitué peut d'ailleurs difficilement s'en apercevoir tant il sait habiller sa faiblesse de trucs techniques, mais les applaudissements nourris n'étaient quand même pas aussi décisifs que d'habitude. Et puis est arrivée la scène de l'acte IV, la mort de Posa, et le "lacrimosa" qui suit, et il a été confondant, de vaillance, d'émotion, d'engagement. Il faisait monter les larmes, qui ont coulé dans le duo bouleversant avec Elisabetta: ah! ces reprises à deux à mi voix, chacun dans un coin de la scène, contre le mur, murmurant leur amour et leur tristesse, et esquissant une rencontre future dans les cieux (ma lassù!). Il n'y a alors plus d'opéra, plus de Verdi, plus rien d'autre qu'une envie d'éternité, quand l'art atteint cette perfection.
Anja Harteros/Jonas Kaufmann (Acte 2) ©Bavarian State Opera
Face à lui, sa partenaire désormais "ordinaire" dans la perfection, Anja Harteros, qui tient en Elisabetta sans doute son rôle le plus accompli. Toute cette distribution "sait" chanter c'est à dire sait faire face, sait affronter avec intelligence la difficulté, sait dire le texte et surtout le faire entendre. Dans Elisabetta, Harteros a dans la voix le drame. Le début dans l'acte de Fontainebleau, qui est l'acte du bonheur, elle est cette joie, cet optimiste, cette lumière, et dès qu'elle prononce le "si" qui va la lier à Philippe II, la voix se voile du drame et de la tension, la couleur s'assombrit. Ce qui frappe d'abord, c'est cette manière d'ouvrir le son en appui sur un souffle qui semble infini et garantit un volume impressionnant (étonnant pour un corps aussi mince), c'est aussi l'étendue (car elle a aussi un grave assez sonore) et surtout le contrôle qui permet, comme chez Kaufmann, de garantir des tenues de notes filées à vous damner (mais si chez Kaufmann, l'aigu est moins aisé: chanteur de gorge, chez Harteros, l'aigu s'épanouit naturellement: voilà pourquoi elle est faite pour chanter Verdi, elle en a le volume, la couleur, la technique, la maîtrise vocale et l'engagement: je pensais en l'écoutant à Sondra Radvanovsky entendue lundi dernier dans Un ballo in maschera. Voilà deux techniques foncièrement différentes: Radvanosvky a la voix large, homogène, puissante et chaleureuse, mais moins ductile et moins souple que celle de Harteros dont le répertoire est plus varié et plus ouvert. On a reproché à Harteros d'être froide, de ne pas procurer d'émotion. Depuis Freni, elle est l'Elisabetta la plus sensible que j'aie pu entendre; je ne vois pas comment une telle prestation, qui tourneboule une salle entière (j'entendais plusieurs personnes autour de moi médusées dire "sensationnell") peut être considérée comme froide.
Ekaterina Gubanova
Ekaterina Gubanova a repris le rôle d'Eboli après la générale, sur une fatigue passagère de Sonia Ganassi. Il n'est pas dit que Ganassi ne chante pas la prochaine représentation le 28 juillet. La voix de la Gubanova, une des belles voix de mezzo d'aujourd'hui, est magnifique dans les graves et le registre central. En outre, elle sait moduler, adoucir, contrôler et sa chanson du voile est très en place techniquement, avec les cadences, les variations et les agilités voulues par la partition. Mehta la prend très lentement, ce qui fait perdre un peu de brillant. Le problème ce sont les notes très aiguës, qu'elle est obligée de préparer, sur lesquelles elle doit reprendre son souffle. Et l'on sent qu'elle n'a pas la réserve nécessaire ni le volume idoine pour répondre aux exigences du rôle. Elle fait les notes, c'est très au point parce que l'artiste est de qualité, mais il manque encore quelque chose. Dans "O don fatale", plus dramatique, elle s'en sort très honorablement avec un beau succès, mais sans chavirer la salle, car de nouveau les notes aiguës sont données, mais sans véritable éclat, on sent que la voix atteint des limites non de hauteur mais de volume.
René Pape ©Bavarian State Opera
René Pape est un Filippo II tout à fait extraordinaire, même si certains amis italiens lui reprochent un certain manque de couleur italienne (ils font aussi ce reproche à Kaufmann...mais qui préférer aujourd'hui alors?). D'abord, il est en grande forme: la voix sonne, profonde, éclatante, volumineuse. Elle remplit le théâtre sans aucune difficulté, et ce dès le début de la scène de l'exil de la Comtesse d'Aremberg. On l'attend évidemment dans "Ella giammai m'amò", et c'est l'émerveillement, émerveillement devant la science du chant, la maîtrise technique au service de l'interprétation. Chaque parole est sculptée, modulée, avec des moments de retenue, ineffables, des mezze voci eh oui, lui aussi en connaît l'art, qui voisinent avec des reprises de volume et qui traduisent à la fois le désarroi, les hésitations, les incertitudes. Depuis Ghiaurov, insurpassé dans ce rôle, je n'ai pas entendu pareille prestation. Aujourd'hui, qui peut chanter ainsi Filippo II? Quelle leçon!
A propos de basse, signalons, car il est impressionnant, le grand inquisiteur de Taras Shtonda, un de ces basses slaves à la profondeur infinie, et au volume impressionnant. Il chante les grandes basses russes à Kiev et au Bolchoï, et son Grand Inquisiteur est particulièrement marquant: la scène avec Philippe, bien mise en scène par ailleurs fait parfaitement ressortir les deux couleurs de basse (l'une, Pape, plus claire que l'autre très sombre) et est conduite avec force non seulement dans la fosse par un Mehta des grands moments sinon des grands jours, mais aussi par les deux artistes rivalisant de volume et d'intensité. Un nom à repérer sur les distributions.
Enfin ce devait être Mariusz Kwiecen, mais il a une fois de plus annulé, et c'est Ludovic Tézier qui a repris le rôle de Posa. On cherchait des barytons dimanche et lundi dernier (Rigoletto et Un Ballo in maschera). En entendant Tézier, on mesure tout ce qui manquait à Lucic dans Renato, relief, son, présence. Le Posa de Tézier est ici simplement anthologique, il se range immédiatement parmi les grands Posa non pas du jour, mais des dernières décennies.
Tézier en Posa (mais à Turin)
D'abord, la voix est d'une merveilleuse qualité, bien posée, bien contrôlée, volumineuse, au timbre chaleureux (Tézier est un pur méditerranéen). Elle s'impose dès le départ, et dans le duo avec Kaufmann au début d'acte II (vivremo insiem..), c'est lui qu'on écoute, avec stupéfaction et qui s'impose. Ensuite, il fait des choses qu'on n'avait pas entendues depuis des lustres, des trilles par exemple: une amie italienne en est restée bouche bée (plus personne ne fait cela m'a-t-elle susurré). Un art de l'interprétation, une manière de distiller l'émotion (l'air de la mort: "O Carlo ascolta" est bouleversant), de doser la voix, de colorer en permanence. Pour ma part, j'ai entendu à travers cette voix le fantôme de Cappuccilli dont il peut reprendre tous les rôles (j'attends avec impatience son Carlo de la Forza del destino en janvier prochain avec Harteros et Kaufmann sur cette même scène) car il a le style, le volume, l'intensité et l'intelligence. Cappuccilli avait une voix insolente qu'il lançait à tout va, Tézier contrôle sans doute plus, et c'est presque plus confondant. Bien sûr, j'apprécie l'artiste depuis longtemps, mais dans ce répertoire là, il prend d'emblée la première place. Il remporte avec Harteros et Pape la palme des applaudissements et du succès. Tout simplement prodigieux.
Ainsi donc, voilà une distribution de chanteurs dans la force de l'âge, d'une maturité technique incontestable menés par un vrai chef verdien. Un vrai chef qui connaît son Verdi sur le bout de la baguette. Certes, Mehta n'est pas toujours régulier, certains soirs il semble s'ennuyer, mais ce soir du moins après l'entracte, il est rentré dans le propos complètement. Il a fait de l'orchestre une vraie part de la distribution, il a montré quelle épaisseur Verdi avait. Bien peu de chefs en sont capables aujourd'hui, et notamment dans les générations plus jeunes (Antonio Pappano, peut-être?). Puisqu'Abbado ne dirigera probablement plus d'opéra et en tous cas plus de Don Carlo (même si je rêve à une version française, même concertante) seul Mehta porte le flambeau verdien dans cette génération. D'où l'attrait de ces deux représentations.
Et maintenant la question qui tue: à quand une version française de référence? Stéphane Lissner est à l'origine de la seule version récente au disque, enregistrée à la suite d'une série de représentations au Châtelet (production Luc Bondy, avec Mattila, Van Dam, Alagna, Hampson, Meier), mais tous n'avaient pas le style voulu (Waltraud Meier!) même si les représentations furent mémorables (Van Dam émouvant, Alagna solaire, Hampson d'une bouleversante humanité, Mattila comme d'habitude magnifique). A la tête de l'Opéra, reviendra-t-il à Don Carlos, pour qu'enfin Paris ait à son répertoire...son répertoire historique et identitaire. Osera-t-il une version complète, avec toutes les musiques et le ballet?
À l'évidence, Jonas Kaufmann a une couleur et une technique plus adaptées à la version française (par exemple dans sa manière d'utiliser le falsetto), Ludovic Tézier est tout choisi pour Posa, on a au moins une Uria Monzon possible pour Eboli, ou bien Sonia Ganassi plus adaptée à la version française (qu'elle chante à Vienne et à Barcelone) qu'à l'italienne. Pour Elisabeth, on sait que Adrianne Pieczonka a l'Elisabeth française à son répertoire, et pour Philippe II, René Pape pourrait bien apprendre la version française que Giacomo Prestia chante par ailleurs aussi. Je joue au petit programmateur, mais on sent bien que les temps sont murs pour une version française de référence, pourquoi pas avec à nouveau Antonio Pappano dans la fosse. Je continue à soutenir que la version française est plus belle que l'italienne, et que c'est pitié que l'Opéra de Paris continue de s'obstiner à présenter la version italienne alors que le Liceo de Barcelone, la Staatsoper de Vienne deux des plus grandes scènes européennes, ont les deux versions à leur répertoire, que Bâle a présenté il y a quelques années une version française "explosive" au propre et au figuré (Mise en scène Calixto Bieito, qui faisait de Don Carlo un des terroristes de la Gare d'Atocha).
Voilà comment cette soirée munichoise mémorable fait rêver à de futures soirées qu'on espère parisiennes. En tout cas, en ce mois de juillet, j'ai enfin entendu Verdi. Inutile d'aller à Salzbourg.
Acte 1(final) ©Bavarian State Opera