Acte I ©Bayerische Staatsoper
J'avais parlé d'aventure, lors de mon compte rendu sur Rheingold. Et quelle aventure! Ce Ring pourrait bien être le plus beau depuis longtemps, tant il dépasse de larges coudées les productions vues ailleurs, avec une direction musicale totalement novatrice, et des chanteurs incroyables: ce soir ce fut presque une perfection. Ce Siegfried était fantastique, et je vais avoir bien du mal à en rendre compte dans sa totalité, tant la mise en scène est pleine de détails extraordinaires, inattendus, intelligents, et tant la distribution a été phénoménale, au moins pour l'essentiel. Après trois jours, ce pourrait bien être enfin le Ring qui nous manquait, et qui nous fait oublier tous les autres, dont certains du même coup sont rejetés dans la médiocrité ou le brouillard de l'oubli.
Quel que soit le regard qu'on portera sur Götterdämmerung, l'entreprise de Andreas Kriegenburg est une réussite par sa nouveauté, son intelligence, son souci du détail, son suivi du livret et des détails du texte: il y a des idées que je n'ai jamais vues jusqu'ici sur une scène, on va de surprise en surprise.
Pour ce Siegfried, Kriegenburg est revenu aux principes posés par Rheingold: en effet, le livret fait le point sur l'histoire (c'est même le point focal du premier acte), et quatre personnages de Rheingold y continuent leur guerre (Wotan, Mime, Alberich, Fafner) par Siegfried interposé. On retrouve donc la centaine de figurants qui construisent formes et espace, en des images souvent inoubliables (le Dragon!!). Cette humanité, qui est à la fois totalement humaine (fin du 1er acte) compose aussi des formes: arbres, forêts, prairies fleuries dans une sorte de polymorphie étonnante. Les solutions scéniques apparaissent toujours d'une apparente simplicité qui cache une redoutable complexité; le chant de la forge en est un exemple frappant.
Essayer de parler du premier acte est une gageure: extraordinaire fluidité des changements d'ambiance, évocations, constructions, tout est étourdissant: dans un acte que les spectateurs peuvent considérer comme un peu statique, on a au contraire un feu d'artifice d'images. Sur le prologue, un groupe qui fait fleur, et qui remue au son de la musique pour laisser apparaître au centre Mime sur son enclume.
La caverne de Mime ©Bayerische Staatsoper
Puis Siegfried entre et brutalement des figurants surgissent portant des panneaux: c'est la caverne de Mime qui apparaît, mais derrière se constituent des tableaux, sorte de tableaux vivants qui illustrent le propos des protagonistes et les thèmes du dialogue: c'est l'évocation de la mort de Sieglinde, vue en arrière plan mettant au monde Siegfried et mourant. Siegfried en écoutant ce récit le vit, le voit et tend une main désespérée, jamais saisie, à sa mère mourante. C'est l'évocation de Nibelheim et de l'esclavage, ou des géants qu'on revoit sur leur cube qui figure la terre sur laquelle ils marchent, ou du Walhalla. Toutes les images frappantes de Rheingold reviennent, socle lancinant de toute l'histoire, et à chaque fois, la caverne se disloque en une seconde (les panneaux sont portés par des figurants) et se reforme tout aussi vite.
Apparition du Wanderer (Acte I) ©Bayerische Staatsoper
Le Wanderer entre en scène sur un paysage de prairie fleurie de tournesols avec des figurants portant de petits nuages, image naïve de la Wanderung, de la randonnée, contrastant avec le dialogue tendu qui va suivre !
Le plus impressionnant est évidemment le chant de la forge: la forge qu'on se figure avec tous les éléments divers que portent les figurants, au fond, le feu, au second plan le système de balancier en bois qui remue le soufflet, de l'autre côté le soufflet géant, une sorte de monstre immense, au premier plan les outils du forgeron proprement dit, la forme, les moules, et le feu, figuré par du tissu scintillant.
La forge et les paillettes...©Bayerische Staatsoper
Quant aux étincelles, que le texte invoque, elles sont rendues par des paillettes (voir photo ci-dessus), et c'est un émerveillement. Émerveillement que de voir toute cette humanité qui meut la forge en un joyeux désordre, dans une sorte de fête de dessins animés ou de bande dessinée: c'est un moment de joie intense, de vie prodigieuse, d'élan vital jamais ainsi rendu dans une mise en scène . Sans oublier les détails qui font sens: à droite Siegfried qui refond Nothung, à gauche au coin, sur son plan de travail et sur le foyer, Mime qui prépare son poison, en rythme et à l'unisson avec Siegfried qui prépare Nothung. Cette fête intense où les deux personnages expriment leur foi en leur avenir, chacun dans sa sphère, cette humanité joyeuse qui joue, qui rit, qui danse, c'est un des moments de théâtre les plus extraordinaires qui m'ait été donné de voir, et lorsque Siegfried clôt l'acte frappant l'enclume figurée par une construction des corps qui explose joyeusement sous le coup de Nothung, le public explose, visiblement enthousiaste et heureux.
Le deuxième acte s'ouvre sur une vision désolée: Alberich, seul en scène, médite nerveusement en essayant d'allumer des cigarettes sans succès au milieu de rochers constitués de groupes de figurant aux corps peint de brun.
Entre le Wanderer, et dans le dialogue (un duo ce soir phénoménal, on le verra) qui suit, où les deux personnages se menacent pour ensuite finir par s'allier objectivement pour solliciter le Dragon, Wotan offre du feu à Alberich, en un jeu de complicité-rivalité étonnant de finesse.
Le dragon face au Wanderer et Alberich ©Bayerische Staatsoper
L'apparition du dragon, suspendu, composé de corps entrelacés violemment éclairés de rouge avec au centre Fafner est à la fois impressionnante et propose une des plus belles visions de ce Ring.
Tout ce deuxième acte d'ailleurs est construit tout en contrepoint, détails, contrastes qui illustrent le livret.
Les "Monstres" ©Bayerische Staatsoper
Siegfried et Mime arrivent au cœur de la forêt, dans un milieu hostile figuré par des sorte de monstres ou d'animaux auxquels évidemment Siegfried est indifférent, mais qui effraient terriblement Mime et commencent à le dépouiller: c'est le test de la peur, élément central de l'opéra, qui fonctionne à la perfection.
Siegfried et le dragon ©Bayerische Staatsoper
Le combat de Siegfried et du dragon, figuré on l'a vu par des corps entrelacés, deux yeux brillants et une énorme bouche menaçante est l'un des sommets de la soirée, et l'on voit Siegfried percer le cœur de Fafner, qui est au centre du dispositif, qui perd aussitôt tout mouvement, qui s'éteint, et Fafner en descend pour son monologue.
L'oiseau au milieu des arbres ©Bayerische Staatsoper
L'Oiseau, c'est à la fois la chanteuse, en costume de danseuse de cirque, avec des éventails en plume, bien sûr et une figurante qui meut un oiseau au bout d'une perche. C'est une vision très fraiche et très amusante: pendant toute la scène, Alberich et Mime errent autour et l'oiseau les poursuit, tandis que les deux le repoussent sans cesse. Et Siegfried suit l'oiseau, danse avec lui, tourne autour des arbres constitués eux aussi de figurants. Lors de l'appel du cor, il rivalise non avec l'oiseau, mais avec le cor en coulisse, et c'est un jeu mimé, avec Siegfried qui fait semblant de jouer du cor, mais toujours à contretemps et qui finit par renoncer et se mettre à écouter l'appel joué en coulisse, non sans le sourire de la complicité du clin d'oeil au spectateur.
Siegfried et l'oiseau ©Bayerische Staatsoper
La mise en scène est une illustration du livret, qui serait presque comme un album pour enfants, qui peut faire peur, qui fait sourire, qui attendrit aussi par l’extraordinaire poésie qui se dégage: pour pasticher un titre célèbre du critique Jean-Pierre Richard "Corps et décors balzaciens", on a ici "Corps et décors wagnériens", tant le décor est tributaire du corps, tant le corps fait décor, en ce sens Harald B.Thor et Zenta Haerter (chorégraphe) construisent un travail étroitement tressé. Le corps humain dans toutes ses formes et ses déformes, est au centre, l'humanité est l'outil de ce magnifique travail.
Et lorsque le rideau se lève sur le troisième acte, de nouveau un magnifique tableau. Les corps sont là, constitués en rocher, en terre, protectrice qui abrite Erda, Wotan la réveille et la terre, c'est à dire les corps, s'ouvre et elle apparaît: lorsqu'elle parle, ces corps se retournent vers Wotan (et l'agressent d'ailleurs), et ils sont blancs, lorsqu'Erda s'en retourne dormir, ils se retournent et sont bruns, cette alternance brun/blanc rythme les moments de la conversation, les refus d'Erda qui s'en va, les appels de Wotan qui suscitent ses réponses en un va et vient non dénué de violence ni de beauté.
Acte 3_2: Siegfried et le Wanderer ©Bayerische Staatsoper
La scène suivante avec Siegfried se déroule le long d'une falaise de corps bruns figurant un défilé, elle est réglée avec une précision étonnante, dans son crescendo où d'une conversation ordinaire elle devient enjeu, et combat. Et cette falaise de corps, lorsque Wotan disparaît, ne pouvant plus arrêter Siegfried qui d'une pichenette a cassé la lance (le coup est si léger, et souligne la défaite du Dieu), se couvre d'un dais de toile sur laquelle le feu est projeté, et d'où émerge bientôt ça et là Siegfried qui traverse les flammes.
Alors commence l'un des duos les mieux réglés: souvent, Siegfried écoute un peu tétanisé Brünnhilde et les choses tardent à se mettent en place.
Ici le décor représente un lit blanc, deux coussins, un drap de satin, le tout posé sur une immense toile rouge qui fait toute la hauteur du plateau et toute sa largeur, cette toile figure une sorte de lit immense, qui se gonfle en une sorte de couette géante rouge, et se dégonfle, qui vibre ou retombe selon les montées du désir et les hésitations de Brünnhilde.
Scène finale ©Bayerische Staatsoper
Tout le dialogue est construit autour de Siegfried, tetanisé, terrorisé, d'une timidité et d'une pudeur enfantines (Lance Ryan est prodigieux). Il ne tient même pas debout devant Brünnhilde, il fuit, il revient, il se sent un peu plus à l'aise, alors il enlève ses chaussettes, comme un enfant, mais pas plus: les gestes peu à peu deviennent plus assurés, et Brünnhilde peu à peu moins angoissée, plus rassurée. Elle est plus froide, plus distante, plus circonspecte devant ce fougueux et timide garçon, mais peu à peu la magie du désir, et la confiance des corps renaît. Dans cet océan de rouge-passion, le lit devient une sorte de Ring où se joue le combat du désir, où les coussins, où les draps sont les armes, dont on se couvre et se recouvre, tandis que sur les côtés dans l'ombre, au loin, les figurants observent. Quel moment, quelle scène, quelle précision et quelle finesse dans l'analyse psychologique.
Scène finale ©Bayerische Staatsoper
Évidemment, la musique fait opérer la magie de la Gesamtkunstwerk. J'ai déjà dit combien la direction de Kent Nagano, à la fois analytique, précise, presque hiératique, sans fioritures, dans la pureté et la clarté d'un style dorique musical, réussissait à construire aussi quelque chose de synthétique, de dynamique, d'incroyablement vivant. On pardonnera quelques cuivres approximatifs pour se concentrer sur une lecture d'ensemble qui ouvre l'oeuvre vers le XXème siècle, qui accompagne la scène avec une attention et une justesse phénoménales, qui distille quand il faut une ironie mahlérienne, et quand il faut un lyrisme beethovénien. A la construction méticuleuse de la mise en scène correspond la même précision, la même analyse, le même soin du détail dans la fosse, et ce soir, Kent Nagano a remporté un indescriptible triomphe.
Le plateau est digne de ce triomphe. En cinq jours on aura entendu les plus grands chanteurs wagnériens du moment ou presque. Certes le Mime de Ulrich Reß qui passait bien dans Rheingold, est en-deçà de ce qu'on aimerait dans Siegfried: des graves détimbrés, une bonne élocution, mais peu colorée, une insuffisante conquête du texte et de ses inflexions, bref, un manque de vrai caractère. Il reste néanmoins très acceptable et ne ternit pas l'ensemble, loin de là.
La Erda de Qiulin Zhang a les graves exigés par le rôle, beaucoup moins les aigus, et en tous les cas un vibrato excessif qui finit par gêner. Sa prestation est honorable, mais pas exceptionnelle.
L'oiseau de Anna Virovlansky, en troupe à la Bayerische Staatsoper, qui chante sur scène et non en coulisse, montre une voix fraiche, charnue, au bel aigu et une personnalité à suivre. Une très jolie surprise, et un merveilleux personnage en scène.
Enfin, le Fafner de Steven Humes, à voix plus claire que d'habitude, un Fafner jeune et encore vigoureux est très émouvant en Fafner mourant: il doit l'être pour toucher Siegfried, belle élocution, jolie présence. Il laisse sur scène son manteau rouge que les deux frères Mime et Alberich se disputent vainement, autre trouvaille d'une grande efficaicté et justesse.
Passons désormais à l'exceptionnel: exceptionnel en effet l'Alberich de Tomasz Konieczny. Hier il était un très grand Wotan, ce soir un immense Alberich, à la voix vigoureuse, sonore, au timbre magnifique, avec un sens phénoménal du texte et de l'interprétation: un monument. Dans ce court duo avec Wotan, il me rappelle l'Alberich qui reste ma référence, à Bayreuth en 1977, l'immense Zoltan Kelemen, mort en 1978 et il fait oublier tous les autres.
En face de lui dans un duo mémorable, qui a laissé pantois le public, le Wanderer de Thomas Johannes Mayer. Wanderer du jour contre Wotan de la veille. Quel duo, et quel Wanderer!
La voix n'a pas la jeunesse et la clarté de Konieczny, elle a une couleur plus opaque qui convient à merveille au Wanderer fatigué, mais quelle puissance, quelle diction, quelle présence, aussi bien face à Mime que face à Alberich et enfin à Siegfried, il est d'une telle intensité, il a un tel volume qu'il suscite l'étonnement, l'admiration et l'enthousiasme. J'ai déjà entendu son Wotan, jamais je ne l'avais à ce point senti en phase avec le propos, et à ce point en forme.
Lance Ryan enfile les Siegfried comme la Begum ses perles. Je l'ai entendu pour la première fois dans ce rôle il y a bien longtemps à Karlsruhe où il était en troupe, je l'ai entendu récemment à la Scala. Il est complètement différent, transfiguré scéniquement par une mise en scène qui le sollicite fortement où il joue encore plus le personnage enfantin et juvénile, mais sympathique: il n'y pas en lui l'adolescent agaçant qu'on voit quelquefois sur les scènes. Il attire la sympathie et la joie, une joie sans mélange, au premier degré, dans laquelle il emporte le public. Sa voix, étonnamment légère, claire, n'a pas la couleur du Heldentenor, il joue d'ailleurs de cette faculté à adoucir, à chanter pianissimo, mais aussi à produire de redoutables aigus, et jusqu'à la fin il résiste, sans faiblir, dans un duo avec Brünnhilde où il est éblouissant de présence, et où le chant ne faiblit pas. Grande prestation ce soir !
Catherine Naglestad était Brünnhilde. Dans la configuration voulue par la direction du théâtre, à chaque journée sa Brünnhilde et donc sans les fatigues des jours précédents. Après la Brünnhilde tendue et merveilleusement interprétée d'Evelyn Herlitzius, la Brünnhilde à la voix puissante et claire, de Catherine Naglestad. Au contraire d'Herlitzius, ce n'est pas une bête de scène, mais quelle bête de chant! On sait que ce rôle dans Siegfried est redoutable, Brünnhilde doit chanter 40 minutes à froid avec des aigus ravageurs. Rien n'arrête Catherine Naglestad: immédiatement la voix s'installe, radieuse, puissante, pure avec des aigus larges, avec des graves charnus; une voix qui n'a rien de métallique, qui est chaude et qui emplit aisément la salle et domine l'orchestre. Alors comment s'étonner que seule des Brünnhilde d'aujourd'hui elle attaque et tienne la redoutable note finale "leuchtende Liebe! lachender Tod!" sans faiblir.
Ainsi je répète ce que j'ai écrit au début de ce compte rendu: une soirée mémorable, surprenante, attachante. Un Siegfried qui déclenche un tel enthousiasme et de si nombreux rappels, on n'en voit pas tous les jours. Et c'est aussi le charme du Ring, qui peut à peu installe dans le public chaleur et enthousiasme, émotion et joie. Le fait aussi de voir la mise en scène se dérouler alors qu'on a en tête les représentations précédentes, si proches, est un indéniable avantage, on voit les systèmes d'échos, les citations, les lignes de force. Andreas Kriegenburg/Kent Nagano, voilà un couple qui émerge parmi les références aujourd'hui. Je mesure, avec les amis que j'ai croisés au théâtre, la chance d'assister à cette extraordinaire série de représentations; VIVEMENT DIMANCHE !
Tomasz Konieczny, extraordinaire Alberich © Klaudia Taday
Jeu de briques
Snake
Pacman
Bubble