L'histoire ne repasse pas deux fois le même plat, et si Richard Strauss et Hugo von Hoffmansthal voulaient de nouveau réussir avec Arabella le coup du Rosenkavalier, force est de constater que la sauce n'est pas montée de la même manière. Certes, les ingrédients se font écho, une Vienne qui valse, une aristocratie qui chancelle, un riche propriétaire terrien disposé à épouser la belle héritière ruinée, une femme travestie en homme, en bref, une situation à la "Gattopardo" transférée dans la Vienne insouciante des années 1860, mais un opéra composé après la chute de l'Empire, et au seuil de l'arrivée du IIIème Reich (1933).
Par ailleurs, le livret n'a pas la rigueur de celui du Rosenkavalier et pour cause, Hoffmansthal est mort en 1929 d'une crise d'apoplexie consécutive à la mort de son fils et n'a pas eu le temps de revoir le livret des actes II et III. Par respect pour sa mémoire, Strauss n'est pas intervenu pour le modifier.
Ce sont les duos Arabella-Zdenka au premier acte, Arabella-Mandryka au deuxième et au troisième qui sont les sommets de la partition, et qui bouleversent l'auditeur, et la Komödie für Musik développe l'art de la conversation, qui nécessite de la part des chanteurs à la fois naturel et art suprême de la diction.
L'histoire est assez simple dans son invraisemblance, une famille aristocratique ruinée cherche à marier l'ainée des deux filles, Arabella, pendant qu'elle fait habiller en garçon la cadette, Zdenka, pour éviter de la doter. Zdenka (habillée en Zdenko) cherche à placer son ami Matteo (dont elle est secrètement amoureuse) auprès d'Arabella, mais celle-ci ne cesse d'éconduire les prétendants, au nom d'un rêve secret ("Der Richtige, wenn's einen gibt für mich ") qui va évidemment se réaliser dans l'opéra sous les traits d'un étranger qu'Arabella a remarqué. Et cet homme, Mandryka, va se croire trompé suite à une manigance de Zdenka, mais tout rentrera dans l'ordre et tout est bien qui finit bien.
Trois couples et deux générations, Arabella-Mandryka, Zdenka-Matteo, Waldner-Adelaide se partagent donc la scène, une scène un peu vaste que celle de la Bastille pour cette comédie intimiste, qui eût mieux convenu à Garnier.
L'équipe Jordan-Marelli a produit il y a quelques années un joli Capriccio à la Staatsoper de Vienne, avec Renée Fleming et Marelli a déjà produit Arabella à Graz; c'est sans doute ces souvenirs qui ont donné naissance au projet parisien. Le spectacle viennois était joli, construit sur l'idée des miroirs et de la transparence, le spectacle parisien est construit autour d'un espace unique, aux cloisons défraichies et modulables, et d'un plateau tournant qui fait défiler les espaces à peu de frais. Un espace vide, vidé de ses meubles puisque les Waldner sont ruinés et qui laisse percevoir au fond des ombres (parc, immeubles). Le ton dominant est le bleu, couleur du costume d'Arabella, avec quelques taches rouges ou roses (Fiakermilli), Zdenka/Zdenko étant en beige et Zdenka femme en gris (costumes de Dagmar Niefind) .
La mise en scène est sage, et élégante, elle ne problématise rien ou si peu, laisse entendre par allusions les malheurs de l'aristocratie, la fragilité des sentiments (Adelaide et Dominik), la gentille rustrerie du bal des cochers (avec la véritable figure d'opérette qu'est Fiakermilli):
seule idée forte, la valse étourdissante des Arabella qui défilent sous les yeux hallucinés d'un Mandryka en folie, à la fin du deuxième acte. En somme une mise en scène dans la lignée des travaux présentés ces dernières années à l'Opéra. Même le travail sur les acteurs est limité, chacun avec sa personnalité donnant libre cours à sa fantaisie en colorant son personnage.
Du point de vue musical, Philippe Jordan a appuyé bonne part de sa carrière sur ses interprétations straussiennes (Rosenkavalier, Ariadne auf Naxos, Capriccio, Arabella etc...). Aucun doute sur ses capacités à engager l'orchestre, à lui faire produire un son clair, à suivre avec précision chaque pupitre, en bref à produire un travail propre et sans grand reproche. A-t-on eu un exemple de luxuriance straussienne, d'un son miroitant, d'éclats scintillants comme souvent on en attend dans ce répertoire ? Pas vraiment. J'ai trouvé l'orchestre assez éteint au premier acte. Les deuxième et troisième actes réservent à l'orchestre des morceaux de bravoure qui évidemment passent beaucoup mieux, mais dans l'ensemble, au niveau de l'interprétation, cela reste une petite déception. Cela me paraît un peu trop sage et "convenu", et pour tout dire, peu marqué du sceau de l'originalité.
On ne peut reprocher à Nicolas Joel d'avoir mégoté sur la distribution, qu'on peut qualifier de luxueuse, voire exceptionnelle. On peut difficilement rêver d'une Arabella mieux distribuée sur le papier, encore mieux distribuée que dans la première production de 1981, dominée par Kiri Te Kanawa et Franz Grundheber et dirigée par l'élégant Silvio Varviso. L’œuvre est rare sur les scènes et mérite évidemment cet effort.
Kurt Rydl est un vieux routier de la Staatsoper de Vienne et promène son Waldner avec une efficacité toute professionnelle. Le timbre est encore beau, la voix sonore, même si elle n'est plus ce qu'elle fut, le personnage est bien planté sur le plateau.Même remarque pour
- Arabella et Adelaide © opéra national de paris | ian patrick
l'Adelaide de Doris Soffel: celle qui promena sa Fricka sur toutes les scènes du monde et qui reste une des grandes de l'ancienne génération sera peut-être affublée d'un vibrato excessif, mais la voix et le timbre sont encore là, et le personnage est doué d'une incontestable présence.
Le Matteo du canadien Joseph Kaiser semble un peu perdu sur le large plateau de Bastille, et la voix élégante quelquefois étouffée par l'espace, par l'orchestre, avec des aigus un peu difficiles. Il est vrai que Kaiser a été remplacé le 4 juillet, et que la voix n'a peut-être pas retrouvé ses moyens. Il reste que la prestation est loin d'être déshonorante, à défaut d'être exceptionnelle.
De gauche à droite: Kaiser, Kühmeier, Volle, Fleming, Rydl, Soffel
La Fiakermilli de la jeune Iride Martinez, qui va entrer en troupe au Staatsoper de Vienne, est pétillante, avec une présence scénique affirmée. Les aigus et suraigus sont là, la couleur aussi. Le volume un peu moins. Joli Elemer d'Eric Huchet, la voix est élégante et sonore, le timbre agréable.
Venons en aux trois grands protagonistes à commencer par Genia Kühmeier, qu'on pourrait surnommer géniale Kühmeier, tant ses apparitions montrent dans chaque rôle des qualités vocales exceptionnelles: la voix est sûre, l'aigu éclatant et l'artiste est douée d'une sensibilité qui a prise immédiate sur le public. Elle est une Zdenka idéale, par la fraicheur, par le naturel, par l'émotion qu'elle distille en scène. Elle obtient un triomphe mérité, c'est pour moi la reine du plateau.
Le Mandryka de Michael Volle est lui aussi bien proche de l'idéal. Ce baryton est pour moi l'un des chanteurs exceptionnels de sa génération, d'abord par ses qualités de diction et d'articulation-voilà quelqu'un qui sait converser en musique-, ensuite par l'art de colorer la voix, enfin par un jeu qui donne une idée juste du personnage voulu, cette brusquerie alliée à une sensibilité exacerbée, cette brutalité de l'homme des forêts et cette tendresse tout à la fois. Volle est maître dans l'art d'émouvoir lui aussi. La voix cependant accuse une certaine fatigue, perceptible aussi à Zürich dans Sachs l'hiver dernier, certains aigus sont mal négociés, quelques sons apparaissent un peu rauques, elle n'a plus la sonorité pleine et somptueuse qui faisait chavirer (comme dans son Wolfram à Zürich); peut-être une fatigue passagère, peut être aussi la fréquentation de rôles écrasants (Mandryka est presque tout le temps en scène aux deuxième et troisième actes, dans des registres très tendus). Il reste qu'il est littéralement époustouflant sur scène et qu'il remporte un triomphe mérité.
Last but not least, Renée Fleming, l'une des grandes straussiennes de sa génération, avec sa voix "crémeuse" comme disait Solti, la crème d'une pâtisserie viennoise. Le timbre est toujours magnifique, la rondeur vocale impressionnante, notamment dès qu'elle monte à l'aigu. J'ai cependant toujours eu des réserves sur l'effet qu'elle produit en scène, et la réserve dont elle fait preuve. Autant une Kühmeier est en prise directe avec l'émotion, autant Fleming reste toujours un tantinet distante: cette Arabella est mûre, n'a rien d'une enfant. Vocalement, si elle reste somptueuse, la voix accuse quelques opacités dans le grave, quelquefois détimbré, voire le registre central où elle a perdu en homogénéité, même si l'aigu reste splendide. Alors évidemment, les dernières minutes de l'opéra, où elle est très sollicitée à l'aigu, sont anthologiques. Il est vrai que la cantatrice a l'âge exact où Leontyne Price abandonna la scène, parce qu'elle sentait qu'elle ne pouvait plus donner la pleine mesure de son immense talent. Renée Fleming est certes toujours une immense chanteuse, mais Dame Nature commence hélas son travail de sape.
Il serait injuste de dire que cette Arabella n'est pas un beau spectacle, et même grâce à sa distribution, un grand spectacle. Avec une mise en scène plus acérée et une direction musicale moins "sage", peut-être aurait-on eu droit à un spectacle d'anthologie. On veut toujours plus, évidemment, mais "quand on n'a pas ce que l'on aime, il faut aimer ce que l'on a".
Et l'on a aimé.
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