© GTG/Monika Rittershaus
La distribution de ce Macbeth, avec en tête la Lady de Jennifer Larmore, a fait beaucoup gloser le petit monde des mélomanes ou surtout des lyricomanes. Pour le reste, c’est à un Macbeth de couleur typiquement germanique que Tobias Richter nous invite à Genève : germanique par l’équipe, Christof Loy à la mise en scène, Ingo Metzmacher à la direction musicale, germanique par les présupposés, qui mettent l’analyse dramaturgique au centre des décisions, tant scéniques que musicales : le choix des voix correspond non à une partition, mais à une lecture dramaturgique. Il en résulte évidemment des conséquences musicales non indifférentes. Sans donner ce crédit aux équipes artistiques du grand théâtre, on ne pourrait comprendre l’appel à Jennifer Larmore dans le rôle de Lady Macbeth, dont elle n’a ni le volume, ni l’assise, ni le style, prise de rôle, et première apparition dans Verdi de cette chanteuse plutôt rossinienne et quelquefois belcantiste . Ingo Metzmacher est un analyste, et construire une interprétation musicale en étroite osmose avec le metteur en scène lui va bien. Ainsi, les voix des deux protagonistes sont-elles « à côté » car le Macbeth de Davide Damiani s’en va aussi vocalement en capilotade à la fin de l’opéra tout comme le personnage, et si ce n’est pas voulu, c'est assez cohérent avec les intentions musico-scéniques.
Reste à démontrer que pour affirmer une interprétation mieux vaut s’appuyer dans ces rôles sur les défauts de voix inadaptées que de confier à de grands interprètes le soin de dessiner des personnages, en jouant sur leurs moyens et en colorant une voix bien dominée. Il est plus facile d'enlaidir une belle voix que l'inverse...
Ce sont les personnages secondaires (et positifs) qui ont de belles voix bien timbrées, un vrai bonheur à l’audition, Banquo (Christian van Horn), et Macduff (Andrea Carè) .
Les vilains ont de vilaines voix, et les bons de jolies voix : n’est-ce pas bien trouvé ?
Ceci posé, ce Macbeth n’est pas un spectacle négligeable, loin de là. Dans les nombreux spectacles de Christof Loy vus à Genève, c’est même sans doute le meilleur : s’appuyant sur une tradition cinématographique de films noirs américains des années 30 ou 40 en noir et blanc (une ambiance à la Hitchcock),
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la scénographie impressionnante de Jonas Dahlberg (grande salle de château Renaissance revue par Viollet Le Duc avec cheminée et escalier monumentauxl) est le cadre unique de l’action, y compris la scène des sorcières (ici le chœur dans son ensemble, et même avec des hommes habillés en femmes, pour répondre au texte qui évoque la barbe des sorcières). Le rideau s’ouvre sur ce qui sera l’image finale, pour tracer un destin : Macbeth vieilli et Lady Macbeth somnambule traversent la scène au milieu des sorcières, qui chantent de manière volontairement nasillarde (très beau travail du chœur).
Dans l'ensemble, la conduite des acteurs n'est pas véritablement précise, mais les mouvements de foule sont très bien réglés. Le ballet qui est donné n'ajoute pas grand chose.
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Le plus beau moment de la soirée est sans nul doute est le chœur "patria oppressa" avec le chœur disposé frontalement, sur toute la largeur de la scène, suivi de l'air de Macduff "figli, o figli miei" chanté avec grande intensité par Andrea Carè, un ex-élève de Luciano Pavarotti à qui il emprunté une certaine couleur.
La construction des scènes en noir et blanc, les maquillages blancs des principaux personnages, la violence de certains contrastes, tout concourt à construire des images vraiment frappantes, et pour une fois le propos de Loy est clair, qui souligne le glissement progressif vers la folie d'un couple isolé dans ses rêves fous, qui finit par faire le vide autour de lui, par le crime et par la crainte. Plus qu'une méditation sur le pouvoir et ses excès, c'est une méditation sur la solitude de ceux qui n'ont pas d'épaisseur humaine, et sont complètement dominés par leur désir fou.
A cette conception correspondent des choix musicaux forts: alors que c'est la version de Paris qui est présentée, d'un commun accord, Loy et Metzmacher choisissent pour le final de reprendre la version de la création à Florence qui se clôt sur la mort de Macbeth et sans chœur triomphal final qui donnerait une note trop optimiste. Par ailleurs, guidés par le fait que c'est à la Pergola, théâtre de dimensions moyennes que l'oeuvre a été créée à Florence, ils choisissent Jennifer Larmore comme Lady, une chanteuse rossinienne au volume convenant à une salle moyenne (malheureusement, le Grand Théâtre est une salle autrement vaste) et s'appuient sur une lettre de Verdi disant dans une lettre à son librettiste Cammarano "je voudrais pour la Lady une voix aigre, rauque et sourde....je voudrais que que la voix de la Lady ait quelque chose de diabolique". Il y a donc derrière cette production un vrai parti pris, qui élimine ce qui pourrait lui donner une couleur trop brillante, trop "italienne": pas de soleil dans l'univers gris et nocturne des Macbeth. Ainsi du fameux brindisi "Si colmi il calice", chanté joyeusement d'abord, puis repris par Jennifer Larmore d'une voix plus terne, plus blanche après la crise de Macbeth face au spectre (représenté par la veste de Banquo posée sur une chaise).
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Il faut d'ailleurs donner crédit à Jennifer Larmore qui face aux limites de sa voix, essaie de donner une interprétation juste et un poids aux paroles. Elle n'y réussit pas tout à fait à mon avis mais il y a des moments très justes.
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Venons en aux interprètes justement en commençant par Jennifer Larmore qui abordait Verdi, et donc Macbeth pour la première fois dans sa carrière. Malheureusement le choix idéologique de cette production en fait la première victime. La voix n'est pas adaptée du tout à ce rôle redoutable. Certes elle est aigre quelquefois et rauque souvent, mais il faut un autre volume et une autre assise pour pouvoir chanter un tel rôle, elle n'a ni la largeur voulu, ni la hauteur requise (les aigus sont tirés, sans aucune réserve d'appui, et la note finale de la grande scène du somnambulisme est loin du filet de voix demandé par Verdi. elle n'a pas non plus les agilités requises, chez elles bien plus rossiniennes que verdiennes, avec un effet une peu à rebours sur l'ambiance voulue. Malgré tout cela, il serait injuste de dire que Jennifer Larmore propose une prestation indigne. Certes, nos amis du blog italien "Corriere della Grisi" s'étrangleraient, mais dans l'ensemble, elle passe mieux que je ne l'attendais, même si évidemment La Lady demande un tout autre organe. A la limite, le cas de Davide Damiani est plus inquiétant. Là aussi, peut-être est-ce un choix "pensé" que de choisir une voix plutôt opaque et sans grand éclat pour construire un personnage plutôt pâle et dominé par son épouse. Mais j'en doute un peu. En tout cas, le chanteur est adéquat au personnage jusqu'à la fin, les approximations et hésitations du caractère trouvent dans cette voix à la technique approximative, aux aigus qui sortent mal, et au souffle court une image presque métaphorique. l'air final "Perfidi! all'anglo contro me v'unite..." en est même pénible à entendre, tant les problèmes de souffle, l'épuisement, les limites de la voix, les différences de timbre, les ruptures, l'absence de legato, les difficultés dans les passages et les problèmes d'appui sont criants. On reste indulgent parce qu'une annonce préalable avait laissé entendre une certaine fatigue de l'artiste, mais ce ne fut pas une prestation digne d'intérêt. Me viennent à l'esprit les paroles du regretté Piero Cappuccilli (reprise par l'Avant Scène Opéra dans son numéro n°40 de mars-avril 1982 sur Macbeth): "Si j'ai débuté dans ce rôle après 18 ans de carrière, c'est que c'est un opéra qui demande au baryton la même maturité qu'Otello à un ténor, d'abord vocalement parce que l'instrument doit être prêt(...) . et ensuite scéniquement parce que comme Simon Boccanegra, Macbeth est un opéra d'interprétation et pas seulement de chant (...) c'est un rôle qui demande un effort total à l'artiste."
L'intérêt il faut le chercher chez le Banquo du baryton basse Christian van Horn, à la voix chaude, à la couleur chatoyante, au style impeccable et à la technique très contrôlée qui prpose un personnage immédiatement humain, dont la tenue et l'élégance tranchent avec un Macbeth négligé vocalement, ce qui donne évidemment une construction symétrique assez réussie, l'audition nous indique qui est le bon et qui est la brute.
L'intérêt, il faut le chercher aussi chez le Macduff intense du jeune ténor Andrea Carè: voix lumineuse, techniquement solide (normal pour un élève de Pavarotti et de Raina Kabaïvanska), bien posée, mais aussi intense, avec des qualités notables de modulation et d'interprétation.
L'intérêt il faut aussi le trouver chez Natalia Gavrilan (la Dama), jeune mezzo moldave qui dans les ensembles domine l'ensemble des solistes, au point que je me suis demandé si elle ne donnait pas les notes à Lady Macbeth dont la voix noyée ne s'entendait pas.
L'intérêt enfin, il faut le trouver dans le bel orchestre dirigé par Ingo Metzmacher, bien préparé, qui propose une vision très sombre, très métallique et froide. Tous les moments ou Verdi essaie de danser (les sorcières dans "S'allontanarono...") sont aplatis, pour donner cette impression uniformément pessimiste et cette noirceur reproduite sur scène. Et l'orchestre sonne mieux que d'habitude. Metzmacher mieux connu pour son goût pour le contemporain a en réalité à 'opéra de Hambourg dirigé beaucoup le répertoire standard, et j'avoue que son approche a de quoi séduire.
Voilà une entreprise évidemment risquée: Christof Loy aime les chanteurs qui découvrent les œuvres, et il déteste les chanteurs professionnels d'un seul rôle. Il veut de la fraîcheur d'approche, au prix d'erreurs de casting, même si cela passe auprès du public, qui une fois de plus ne remplit pas la salle et dont une partie part à l'entracte. On est donc de ce point de vue bien servi. Musicalement, la direction imprimée par Metzmacher est intéressante, et l'ensemble nous permet de découvrir de très bons chanteurs. Il reste que si le problème est le couple Macbeth et Lady Macbeth, c'est quand même mal parti.
Je reste avec mon doux souvenir du grand Claudio à la Scala en 1985 avec un immense, inoubliable Cappuccilli et une Ghena Dimitrova qui ne faisait pas oublier Verrett, mais qui aujourd'hui ferait oublier toutes celles qui osent aborder la Lady, dans une mise en scène de Giorgio Strehler, marquée du sceau du génie pour l'éternité. Le vidéo de Verrett/Cappuccilli existe, courir le chercher séance tenante.