FESTIVAL D’AIX 2011: LA CLEMENZA DI TITO, de W.A.MOZART, dir.mus: Colin DAVIS, ms en scène: David McVICAR

Comme il est difficile de réussir une "Clémence de Titus"! Certaines m'ont laissé un très grand souvenir, par exemple, celle de Karl Heinz et Ursel Hermann, partie de la Monnaie de Bruxelles pour faire une sorte de tour du monde, on l'a vue à Salzbourg, à Paris. Et cette production d'une vingtaine d'années reste une des grandes réussites de la scène lyrique grâce à Gérard Mortier. Je vis il y a une quinzaine d'années une très belle production à l'Opéra de Francfort, due au tandem Cesare Lievi/Daniele Lievi lorsque les deux frères travaillaient ensemble, avant la disparition prématurée de Daniele. Le reste est tombé dans l'oubli...
Aix n'a pas eu trop de chance: la production précédente, de Lukas Hemleb, dirigée par Paul Daniel en 2005, bénéficiait d'une distribution homogène (Titus mis à part), d'une direction musicale honnête mais non marquante, et d'une mise en scène confuse, et n'a pas laissé de très grands souvenirs. Ce n'est pas encore cette année que le Festival inscrira une production satisfaisante de l’œuvre de Mozart.
Il est vrai aussi que c'est une œuvre ingrate, où se joue plus la confusion des sentiments qu'une véritable action tragique. Les personnages sont ambigus, contradictoires, l'action peu claire et au total simpliste, et la mise en scène qui représente le seul drame tourne rapidement à l'ennui, puisque l'essentiel n'est pas en scène, mais dans les têtes. On attendait donc avec impatience David Mc Vicar, un des grands de la scène lyrique actuelle, et le retour en fosse de Colin Davis, 84 ans, dont on connaît le goût pour Mozart.
Et pourtant, comme notre oreille a changé. Ce n'était pas une mauvaise idée de demander au grand maître britannique de diriger un Mozart. Il l'a souvent fait. je me souviens de Proms à la fin des années 70 où pour quelques livres sterlings et quelques longues heures de queue, on avait droit à la trilogie de Da Ponte à Covent Garden, assis à même. Même si Colin Davis n'a jamais été un des maîtres des interprétations mozartiennes. On le retrouve tel quel, avec un tempo ralenti, trop ralenti, et un son qui a terriblement vieilli, même si le London Symphony Orchestra, comme dans Traviata, n'appelle pas de reproche. Il faut se rendre à l'évidence, on ne dirige plus Mozart de la même façon après le passage des baroqueux. C'est un peu pompeux, c'est vaguement ennuyeux, il n'y a pas de trouvailles, rien de neuf depuis trente ans, comme si tel qu'en lui même enfin....Quand on pense au Mozart de Jacobs, si nerveux, à celui d'Abbado, si frais, si jeune, si vif, à celui même de Muti, plus classique mais toujours très séduisant, ou même à celui de Philippe Jordan, on se trouve confondu par le manque de sève, de couleur, et même oserais-je le dire, d'envie que trahit cette direction.
La mise en scène souffre de ce que le metteur en scène, très occupé car très demandé, soit paraît-il arrivé peu de temps avant la première. Où est le tourbillon d'idées auxquelles Mc Vicar nous a habitués? Certes, il y a quelques éléments: oui Titus vit isolé, dans le monde du pouvoir, un pouvoir dont il refuse le poids et les manifestations, et qui est lourd comme ce manteau impérial qu'il essaie de plier sans y arriver, lourd comme ces marches trop hautes gravies péniblement. L'isolement est montré par ces gardes qui le séparent d'un peuple qui veut le toucher, omniprésents, toujours prêts à intervenir et dégainer, et qui dansent à sa première apparition une sorte de danse un peu sauvage (genre all blacks avant un match) dont on se demande la raison et qui paraît un peu déplacée. Les Hermann avaient rendu la même idée par une succession de portes qui se fermaient successivement du fond de scène jusqu'au plateau, et qui montraient combien Titus était loin et inaccessible, autrement plus fin .

La statue de Titus, couverte au début, se dévoile à la fin, elle est couverte de sang, comme si même Titus, les délices du genre humain, ne pouvait pas échapper lui non plus aux manifestations de la violence du pouvoir. Et puis , une trouvaille dans la dernière image: Publio manigance une vengeance probable contre Vitellia: les cercles du pouvoir sont toujours sales, même après les actes de clémence.
L'espace est bien délimité, par des mouvements latéraux, grilles, murs isolent les personnages et ménagent des lieux de complot, de discussion, d'échanges séparés de l'espace du peuple, en fond de scène, et l'escalier monumental difficile à gravir (sauf pour l'un des gardes, d'une stupéfiante agilité (voulue?) ) qui mène dans une sorte de lieu indéterminé, le sommet du pouvoir? Les costumes, empire, renvoient aussi aux empereurs modernes, Joseph II, qui a servi sans doute de référence dans l'opéra, et Napoléon, exemple même de pouvoir despotique (Mc Vicar est britannique...).

Le jeu des chanteurs est assez épuré, sauf celui de Titus, inexplicablement agité, avec des gestes et des mouvements peu conformes à l'esprit de l’œuvre et de la mise en scène. Il est vrai que Gregory Kunde est arrivé tardivement pour remplacer le Titus initialement prévu, John Mark Ainsley et il n'a peut-être pas eu le temps de rentrer dans l'esprit de la production, mais son jeu est caricatural et frustre.

Malgré quelques moments assez bienvenus, l'ensemble est terne, ennuyeux, sans idées force et ne rend pas vraiment justice à un livret complexe, et des personnages ravagés par les contradictions et le doute. Un raté.

© Pascal Victor / ArtcomArt
Allait-on trouver dans les prestations vocales une compensation? Pas vraiment. Depuis qu'il a abordé des rôles plus lourds, Gregory Kunde n'a plus le timbre d'antan, n'a plus aucune agilité (les vocalises furent très pénibles), et il peine à être un Titus musicalement séduisant, la voix est artificiellement élargie, il pousse sans cesse, aucune élégance dans le chant: où est le Kunde que nous avons connu? La Vitellia de Carmen Giannattasio aurait la largeur voulue, le timbre métallique voulu, mais à force de soigner les aigus, quelquefois un peu trop stridents et fixes, elle a perdu tout grave. Pas de grave, dans un rôle où l'étendue du registre compte très fort, c'est tout de même difficile. Publio (Darren Jeffery) est franchement mal distribué: timbre ingrat, absence de style, voix déagréable...Quand on pense qu'en 2005, Luca Pisaroni dans ce même rôle avait séduit le public et partait pour la carrière que l'on sait! Amel Brahim Djelloul remplace Simona Mihai dans Servilia, elle était déjà Servilia en 2005, la voix est petite, mais la prestation et le chant sont très honorables. Le Sesto de Sarah Connolly est physiquement le personnage, la voix est claire, l'émission au point; le timbre n'est pas particulièrement séduisant mais il reste que la prestation est très satisfaisante, nettement au dessus des autres, même si elle n'atteint pas le niveau d'une Joyce di Donato, Sesto phénoménal, ou de celles, plus anciennes, d'une Ann Murray bouleversante sans parler de Tatiana Troyanos (allez sur youtube voir des extraits du film de Ponnelle!!). J'ai gardé pour la fin le bijou de la soirée, l'Annio vraiment magnifique de la jeune Anna Stephany, ancienne artiste de l'Académie Européenne de Musique, au physique qui n'est pas sans rappeler (avec son costume) Brigitte Fassbaender, à qui l'on souhaite pareille carrière: voix ronde, intensité, expressivité, engagement. Un très gros succès.
Au total une représentation assez pâle, qui n'atteint pas le niveau qu'on supposerait celui d'un festival qui a bâti sa réputation sur Mozart. Sur le papier, on pouvait espérer une belle soirée, la réalité est quelquefois différente et les déceptions cruelles. Dommage.