Rencontre avec Gérard Lesne

Gérard Lesne a eu la gentillesse de m’accorder un entretien. Nous avons évoqué son approche et sa vision sur le travail de la voix, notamment pour le répertoire de la musique ancienne et baroque, ainsi que ses projets.

Vous mentionnez sur votre site Internet ainsi que dans différentes interviews que la musique ancienne vous a fourni les clés pour aborder d’autres genres musicaux, pourriez-vous développer ce point ?

En fait, le cheminement n’est pas tout à fait celui-là. Mon parcours est assez particulier par rapport aux autres interprètes de la musique baroque et ancienne. Je me revendique comme un autodidacte qui a surtout commencé avec la pratique de la scène semi-professionnelle, sur des répertoires de musique Folk ou de Jazz Rock, et avec une pratique à l’origine très limitée du solfège. Je suis ensuite entré dans le monde de la musique ancienne et baroque par le chant grégorien et le répertoire du Moyen Age. Mon apprentissage de l’harmonie et du solfège s’est faite par la lecture du système de notation des chants grégoriens ! Le Baroque est ensuite venu comme «une cerise sur le gâteau». Ce parcours atypique m’a permis d’aborder ce répertoire avec une vision différente, certainement plus débridée que des chanteurs qui ont eu d’emblée une formation classique et calée sur une certaine rhétorique. La pose de la voix et l’émission vocale sont alors différentes. Elles m’ont permis de me forger une identité sonore mais surtout de disposer d’une certaine malléabilité vocale. Je me plais à dire que j’ai quelque part une voix caméléon.

Vous pensez que les chanteurs formés à certaines écoles classiques ont alors des travers qui peuvent être au détriment d’une certaine richesse dans les couleurs et l’expressivité du chant ?

C’est certain. La voix doit être un outil le plus malléable possible par rapport à un climat donné et, surtout par rapport au texte. Je pense que c’est une erreur de prôner un système où ce serait uniquement «Prima la Musica». Le texte est primordial. Par conséquent, l’articulation est très importante et le travail sur le son filé est la base de toute interprétation. Ceci permet d’introduire le vibrato quand c’est judicieux, là encore en fonction du texte. Un travail correctement maîtrisé sur la voix doit permettre de déployer une palette d’expressions et de couleurs en fonction du texte. Il ne faut pas opposer son filé et son vibré mais plutôt considérer que, sur la base d’une ligne vocale qui doit être d’une linéarité et d’une transparence exemplaires, on vient distiller la bonne dose de vibrato en fonction des moments précis où il doit se diffuser. Les voix du répertoire ancien et baroque sont finalement très instrumentales, elles doivent conserver un caractère naturel et le lyrisme doit être abordé avec une certaine précaution. Il faut donc dépoussiérer une certaine forme d’expression vocale qui s’est inutilement encombrée de « tics d’interprétation » hérités de pratiques lyriques plus tardives. J’espère y avoir contribué, à travers mes interprétations, et dans l’enseignement que je prodigue.

Vous êtes connu des mélomanes pour avoir exploré le répertoire italien, en exhumant même des oeuvres de certains compositeurs peu connus. Concernant les grands maîtres à la charnière de la musique ancienne et de la musique baroque, pour ma part, j’ai été particulièrement ému par vos interprétations d’Alessandro Scarlatti, notamment ses motets.

Ce qui est intéressant dans les compositions d’Alessandro Scarlatti, c’est que le chanteur se trouve beaucoup moins prisonnier des canons qui étaient en vigueur à cette époque. Des grands compositeurs comme GF Haendel construisaient les arias souvent sur des matrices de base, le récitatif suivi d’un air de forme « da capo A/B/A », d’une structure harmonique assez invariable. Alessandro Scarlatti faisait preuve d’une liberté et d’une audace qui apportent des couleurs extraordinaires à l’interprétation vocale.

Vous êtes également l’un des rares (voire le seul) interprètes à proposer des versions d’opéras italiens sur lesquels vous avez procédé à des coupes sur les récitatifs, jugeant que le public actuel n’a pas du tout la même notion du temps et de la narration que celle de celui de l’époque des compositeurs baroques. Je me souviens notamment de votre version «compacte» de Sedecia, Roi de Jerusalem, d’Alessandro Scarlatti.

J’assume complètement cette démarche. Des récitatifs interminables ont l’inconvénient, outre d’être ennuyeux, de casser littéralement le rythme et la respiration des oeuvres. Il faut savoir procéder à ces aménagements, tout en cherchant à respecter la structure globale de l’oeuvre et la cohérence de la narration. L’interprétation de l’opéra gagne ainsi incroyablement en intensité.

Vous avez un tout petit peu abordé le répertoire anglais mais sans plus. John Blow et Henry Purcell sont des magnifiques compositeurs insuffisamment interprétés en France. Comment expliquez-vous cela ?

Cela n’a rien de surprenant car, pour ces compositions, le phrasé et l’articulation en anglais sont fondamentaux et c’est, par rapport au répertoire italien, incroyablement plus difficile pour des interprètes français d’atteindre le niveau de pertinence souhaité sur ce phrasé très spécifique.

Il y a aussi le répertoire français avec l’enregistrement récent de pièces profanes de Marc-Antoine Charpentier que vous aviez fait avec Il Seminario Musicale chez Zig Zag Territoires.

Ces pièces sont superbes car elles révèlent la richesse et la sensibilité extraordinaire de l’écriture de Marc-Antoine Charpentier. J’y vois même quelques points communs entre Marc-Antoine Charpentier et Alessandro Scarlatti à savoir cette forme de fragilité, comme une sorte de naïveté, avec pourtant une musique dont la structure est très élaborée. Le style de Charpentier reste très italianisant, ce dernier ayant été fortement influencé par Giacomo Carissimi, héritier d’une certaine forme de tradition dans l’école de musique italienne.

Vous allez également interpréter le 1er avril les Leçons de Ténèbres de M.A. Charpentier et de F. Couperin, toujours avec votre Ensemble Il Seminario Musicale. Ceci permet de soulever aussi la question de la tonalité «idéale» sur ce type de répertoire. On cite souvent Alfred Deller, contre-ténor, comme une des références dans l’interprétation des Leçons de ténèbres de F. Couperin mais est-ce vraiment la voix de contre-ténor qui est la plus appropriée ?

Le chanteur de ce répertoire est le haute-contre à la française. Sa tessiture est assez large, pouvant aller du sol grave du ténor au contre ut. Le contralto, pour reprendre la terminologie italienne, ou le «counter-tenor» anglais, rendent des couleurs de voix différentes plus appropriées au répertoire italien. Ma voix entre particulièrement bien dans le répertoire de la musique française car elle est constituée de trois registres : la voix de tête ou falsetto pour l’aigu de la voix, la voix mixte pour le médium (milieu de la voix) et le registre de poitrine pour le grave de la voix.

Comment comptez-vous prolonger votre démarche qui reste unique et originale ?

Je compte toujours faire cohabiter mes différents univers musicaux entre musiques ancienne, baroque, jazz, rock et pop. J’aurai donc toujours des projets dans mes différentes «bulles». J’ai en tête un projet, à connotation plus littéraire, qui serait de faire sortir des textes d’une forme de «ghetto» dans lequel ils ont été enfermés. Par exemple, j’aimerais mettre en place la lecture de textes du Marquis de Sade, par un comédien, révélant leur caractère cru et dérangeant, avec un accompagnement musical sur des pièces contemporaines de Sade. L’idée serait de trouver une liberté de ton qui n’est pas forcément en vigueur sur ces textes.

------

Gérard Lesne se produit le 1er avril au Temple de l'Oratoire du Louvre (Paris) à 20h30. Il interprétera des extrait des Leçons de Ténèbres, M.A.Charpentier (Leçons pour les mercredi, jeudi et vendredi saints (extraits) à la tête de l’Ensemble Il Seminario Musicale (Florence Bolton, viole de gambe, Benjamin Perrot, théorbe, Violaine Cochard, orgue et clavecin).

Dans la discographie abondante de Gérard Lesne, je recommande particulièrement, outre l’incontournable et bouleversante version des Stabat Mater, Nisi Dominus et Vestro Principi divino d’Antonio Vivaldi (1987 - Label Harmonic Records - disponible en téléchargement sur iTunes) qui a fait date et demeure l’une des interprétations majeures avec celle de James Bowman, également le superbe disque consacré aux motets d’Alessandro Scarlatti avec Véronique Gens (1994 - label Virgin Veritas). Il s’agit d’une splendide version de ces motets peu connus d'Alessandro Scarlatti. Interprétation très articulée et d'une belle musicalité par deux excellents chanteurs spécialistes de ce registre. Enfin, on retiendra le disque consacré à des motets de Baldassare Galuppi (1994 - label Virgin Classics) qui comprend de pures merveilles.

On notera enfin l’enregistrement de Gérard Lesne consacré à des pièces profanes de Marc-Antoine Charpentier (Album «Tristes Déserts» : Orphée descendant aux enfers Epitaphium Carpentarii Stances du Cid - Airs sérieux et à boire) (2007 - label Zig Zag Territoires).

Lien direct vers le site personnel de Gérard Lesne

Ce site comprend notamment des vidéo de concerts et répétitions que Gérard Lesne a produit lui-même et qui permettent de bien appréhender son style.

Lien direct vers le site de Il Seminario Musciale

Lien vers la discographie de Gérard Lesne

Lien direct vers la page iTunes consacrée à Gérard Lesne