Metropolitan Museum of Art (3)

Dans la même veine de la recherche de la couleur, mais avec un plus d’indéfinissable moelleux : Jean Baptiste Siméon Chardin

« On ne peint pas seulement avec des couleurs, on peint avec le sentiment », disait un jour Chardin. Tout est là. Et parler d’une œuvre qui nous est aujourd’hui si familière, si évidente, et pourtant si lointaine en sa perfection, c’est tenter de saisir comment, de la seule couleur, Chardin sut faire naître le sentiment.

C’est un cheminement intime et secret de Chardin vers la maîtrise et les premiers succès : ceux que lui vaudront, lorsqu’il les exposera place Dauphine, en 1728, à l’occasion de la Fête-Dieu, La Raie et Le Buffet, qui étonneront à ce point les peintres de l’Académie royale, et surtout Largillière, (qui se méprend sur Chardin et explique à Louis Boulogne ce qu’est la peinturehollandaise,) qu’il est sur-le-champ admis et, deux mois après, reçu parmi eux comme peintre « dans le talent des animaux et des fruits ».

Dès ce moment, Chardin est en pleine possession de ses moyens ; et quoique toute sa vie, il se soit passionné pour les mille secrets techniques de la peinture, sans doute n’ira-t-il jamais plus loin dans l’accomplissement de son métier.

De Chardin, comme de Corot, l’on pourrait dire que le fil de leur vie tient à la tendresse pénétrante du regard constant qu’ils portent aux êtres et aux choses, à cette lumière candide dont ils les baignent et les font s’interpénétrer. Ce qui touche c’est la composition rigoureuse, la lumière, l’admirable matière picturale de ses natures mortes, le moelleux et la fermeté de la touche. L’art de Chardin est tout de nuances subtiles, de correspondances secrètes, d’échos entre la matière translucide d’un verre et l’éclat délicat d’une tasse en argent, ou le grain d’un pot, le bleu discret d’un nœud, le velouté de pêches, le rose opalescent des fraises.

Officiellement peintre de fruits et d’animaux, Chardin n’aborde la figure qu’après 1730, année de son premier mariage, avec Marguerite Saintard.

Dans son Abecedario, un contemporain de Chardin, Mariette, rapporte l’anecdote suivante : Chardin faisant remarquer à un de ses amis peintres, Joseph Aved (1702-1766), qu’une somme d’argent même assez faible était toujours bonne à prendre pour un portrait commandé quand l’artiste n’était pas très connu, Aved lui aurait répondu :“Oui, si un portrait était aussi facile à faire qu’un cervelas”.

L’artiste était mis au défi de peindre autre chose que des natures mortes. Mais ce n’était pas la seule raison de changer de “talent”.Mariette ajoute :“Ce mot fit impression sur lui et, le prenant moins comme une raillerie que comme une vérité, il fit un retour sur son talent, et plus il l’examina, plus il se persuada qu’il n’en tirerait jamais grand parti. Il craignit, et peut-être avec raison, que, ne peignant que des objets inanimés et peu intéressants, on ne se lassât bientôt de ses productions.”

Peut-être est-ce l’influence toute flamande du portraitiste Avedqui décida Chardin à ne point se limiter à la seule peinture des objets.

Aussi son œuvre est-elle double : tableaux d’objets, d’animaux et de fruits, qui ne sont jamais des « natures mortes », tableaux d’intimité, scènes de la vie domestique, qui, mis à part les autoportraits au pastel des dernières années, ne sont pas des portraits au sens où l’on entendait ce genre au XVIIIe siècle.

L’unité de l’œuvre est là, faite d’un admirable métier, d’un espace toujours clos sur lui-même (à la différence des Hollandais, Chardin n’ouvre point de fenêtre ou d’échappée sur le monde extérieur) où l’objet immobile s’anime de vie silencieuse.

Les personnages se situent au sein d’un espace absolu, intemporel qu’il s’agit de ne point troubler car tout y est à sa place, une fois pour toutes, par une harmonie secrète, longuement méditée, dont on subit le charme sans jamais pleinement pouvoir le définir.

Les bulles de savon est la première œuvre de Chardin représentant des figures humaines.

Un garçon concentre toute son attention sur une bulle de savon toute tremblante, qui semble sur le point de se détacher de sa pipe. Le public français du XVIIIe iècles aura reconnu la bulle de savon des tableaux hollandais dans lesquels elle symbolise la fragilité de la vie et la vanité des entreprises terrestres.

Chardin concevait et exposait ses tableaux par paires.

C’est ainsi que j’ai vu à la Gemäldegalerie de Berlin le dessinateur voisinant avec un faisan.

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