Nés dans la banlieue de Liverpool au début des années 1960, les Beatles ont, sans le savoir, commencé à forger leur héritage en tant que plus grand groupe de tous les temps. Ils ont fait progresser les techniques d’enregistrement, ont donné naissance à la culture des fans telle que nous la connaissons aujourd’hui, et ont créé à parts égales des tubes pop et du psychédélisme expérimental. Leur attrait s’est avéré universel, puisque les auditeurs et les critiques continuent aujourd’hui encore à faire l’éloge des Fab Four.
En raison de leur héritage considérable, la vie et la création des Beatles ont fait l’objet d’études et d’examens approfondis. Ils ont écrit des centaines de chansons à eux deux, mais, d’une manière ou d’une autre, chacune d’entre elles a été analysée et intellectualisée à l’extrême. Les paroles et les compositions ont été décortiquées et réassemblées, à la recherche d’un sens caché ou d’une méthodologie.
Certaines chansons méritent ce genre de traitement – des chansons aux paroles énigmatiques comme “And Your Bird Can Sing” ou des œuvres délibérément absurdes comme “I Am The Walrus”, par exemple. Les tentatives sonores plus expérimentales du groupe peuvent également nécessiter un peu plus de réflexion, comme leur utilisation séminale de l’échantillonnage sur “Tomorrow Never Knows” ou le psychédélisme de “Strawberry Fields Forever”.
Cependant, toutes les chansons de leur catalogue ne demandent pas à être intellectualisées. Parfois, leurs chansons ne contenaient pas de signification spirituelle profonde ou les ingrédients nécessaires à la création d’une grande chanson. Parfois, il s’agissait simplement d’enregistrements de quatre gars qui s’amusaient dans un studio. “Nous avions l’habitude de rire de ceci, de cela ou d’autre chose”, a déclaré un jour Lennon à Rolling Stone, “d’une manière légère, et un intellectuel nous lisait, une génération de jeunes symboliques voulait y voir quelque chose”.
Si l’auteur-compositeur reconnaît que le groupe a pris au sérieux “certaines parties du rôle”, il y a une chanson qu’il considère comme exempte de cette intellectualisation : “Helter Skelter”. Figurant sur l’album éponyme des Beatles de 1968, également connu sous le nom de “White Album”, “Helter Skelter” a vu le groupe revenir à ses racines rock and roll, poussant le genre encore plus loin.
Au milieu de riffs rugissants et d’un lit de batterie, le morceau contient des paroles absurdes. “Quand j’arrive en bas, je retourne en haut du toboggan”, commence Paul McCartney, “Où je m’arrête, et je tourne, et je vais faire un tour”. Ses paroles vagues peuvent être interprétées à l’infini, faisant peut-être référence aux hauts et aux bas de la célébrité, des relations amoureuses, de la consommation de drogue, ou tout simplement de l’aventure.
Pour Lennon, cependant, la signification de la chanson ne semble pas aller au-delà de ses instruments de musique. “Je ne vois pas le rapport entre Helter Skelter et le fait de poignarder quelqu’un”, a-t-il déclaré avant d’admettre qu’il n’avait même pas réécouté la chanson. “Je ne l’ai jamais écoutée correctement”, a-t-il déclaré, “c’était juste un bruit”.
Le bruit est certainement la partie la plus frappante de “Helter Skelter”. Alors que McCartney chante ses voyages sans fin sur le manège de la fête foraine, ses paroles sont, le plus souvent, éclipsées par le feedback strident et la batterie bruyante qui les entourent. C’est le son de quatre gars de Liverpudlian exerçant leur noisy en studio plutôt que d’écrire quelque chose de significatif sur le plan lyrique.
Si “Helter Skelter” mérite toujours d’être étudié, en tant que précurseur de formes de rock plus lourdes et en tant qu’élément de la discographie du plus grand groupe de tous les temps, ce n’est aussi “qu’un bruit”.
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