Comment les Studios Abbey Road et les Beatles se sont Mutuellement Transformés

Les EMI/Abbey Road Studios de Londres étaient un microcosme de l’évolution musicale du 20e siècle. Il est donc logique que le fil conducteur de beaucoup de ces développements soit le groupe le plus innovant ayant jamais existé. La discographie monumentale que les Beatles ont créée au 3 Abbey Road a à la fois bénéficié et inspiré de nombreux autres disques classiques réalisés dans ces murs sacrés.

Le complexe de trois studios élaboré à cette adresse auguste par EMI a ouvert ses portes en 1931. Le premier client de ce qui s’appelait alors EMI Studios était Sir Edward Elgar, le compositeur britannique le plus célèbre pour avoir écrit Pomp and Circumstance. Il a dirigé le London Symphony Orchestra à travers cette marche de remise de diplômes pour inaugurer l’endroit.

Jusqu’aux années 1950, les enregistrements classiques étaient la spécialité des studios. En 1934, Igor Stravinsky lui-même y a dirigé un ensemble, y compris le chœur de la BBC pour son ballet Les Noces. Au fil des ans, une parade de géants classiques y a travaillé, du célèbre pianiste Artur Schnabel au légendaire baryton Dietrich Fischer-Dieskau.

Les studios étaient idéaux pour capturer la grandeur orchestrale, suffisamment grands pour accueillir un orchestre mais pas assez vastes pour noyer les enregistrements symphoniques dans la réverbération naturelle. Lorsque les Beatles ont commencé à aller au-delà des bases guitare-batterie (souvent avec l’encouragement et l’aide du producteur/arrangeur George Martin), le pedigree classique des studios est devenu utile. On peut en témoigner avec le quatuor à cordes mélancolique qui colore « Yesterday », la marée montante de chaos amenant « A Day in the Life » à son apogée avec un orchestre entier passant de leurs notes les plus basses aux plus hautes, ou la grande bande de cuivres et de cordes renforçant le drame épique du medley sur l’album de clôture de carrière intitulé à juste titre Abbey Road.

Sommaire

• Cliff Richard et The Shadows
• Les débuts des Beatles à Abbey Road
• Feedback et bandes inversées
• Flanging et ADT
• Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band

Cliff Richard et The Shadows

La scène rock ‘n’ roll anglaise était en retard par rapport à celle des États-Unis, mais Abbey Road est l’endroit où le Big Bang du rock britannique a eu lieu. Le 24 juillet 1958, Cliff Richard & The Drifters sont venus au studio pour enregistrer « Move It », un morceau enflammé prouvant que les Britanniques pouvaient revendiquer le son bruyant modifiant l’ADN de la musique pop. Dans le documentaire de 2022 sur le studio, If These Walls Could Sing, Richard estime, “Abbey Road a donné vie au rock ‘n’ roll [britannique]… il était à l’avant-garde de l’un des plus grands changements musicaux”.

Un adolescent, Paul McCartney, était impressionné par « Move It », se précipitant soi-disant pour montrer à John Lennon quand il maîtrisait le riff de guitare d’ouverture du morceau. Richard affirmerait plus tard que Lennon aurait dit, “Avant Cliff Richard et ‘Move It’, il n’y avait rien qui valait la peine d’être écouté en Angleterre.” Les Drifters de Cliff ont rapidement évolué en The Shadows, qui ont eu une carrière distincte en tant que groupe instrumental, en plus de soutenir Richard. En juin 1960, ils ont innové à leur tour à Abbey Road en enregistrant « Apache ». Le guitariste principal Hank Marvin a obtenu un son transfixiant avec une combinaison d’un dispositif d’écho sur bande et une manipulation magistrale de sa barre de trémolo – un ton envoûtant à mi-chemin entre The Ventures (dont le premier succès venait à peine de sortir) et les bandes sonores de western spaghetti d’Ennio Morricone, qui étaient encore loin d’arriver.

Les débuts des Beatles à Abbey Road

Hank Marvin était un héros de la guitare pour tous les rockers britanniques des années 60, mais le son des Shadows a eu un impact très direct sur les Beatles. Les Liverpuldiens ont adopté « Apache » dans leur répertoire lors de leurs premiers jours dans les clubs de Hambourg et ont même enregistré leur propre hommage aux Shadows, « Cry for a Shadow ». En 1987, George Harrison a déclaré à Guitar Player, “John et moi étions juste en train de délirer un jour, et il avait cette nouvelle petite Rickenbacker avec une sorte de barre de trémolo drôle. Et il a commencé à jouer, et je suis juste intervenu, et nous l’avons inventée sur le coup.”

Une des raisons pour lesquelles les Beatles ont été signés après de nombreux refus d’autres labels était qu’EMI était impatient de trouver les prochains Cliff Richard & The Shadows. Avec George Martin à la production, ils ont enregistré une grande partie de leur premier album, Please Please Me, à Abbey Road en un peu moins de 12 heures, avec seulement une technologie à deux pistes.

Vous savez ce qui s’est passé ensuite. Mais l’un des nombreux effets de l’énorme succès des Beatles a été un afflux d’autres groupes britanniques venant dans les studios EMI pour capturer la même magie. Au milieu des années 60, le 3 Abbey Road était le foyer de tout, du rock ‘n’ roll infusé de R&B/jazz de Manfred Mann à la pop folk légère et harmonieuse des Seekers.

Feedback et bandes inversées

Les sessions d’Abbey Road des Beatles ont apporté une multitude d’innovations changeant la façon dont les disques étaient réalisés. Les avancées ont commencé dès octobre 1964, lorsque le bourdonnement d’ouverture de « I Feel Fine » a inauguré l’utilisation du feedback sur un disque. Cela a commencé par accident lorsque la guitare de John a capté la note de basse de Paul et l’a renvoyée à travers l’amplificateur de John. Le groupe a tellement aimé l’effet qu’ils l’ont reproduit pour l’intro. Lennon a ensuite déclaré, “Je défie quiconque de trouver un [ancien] disque – à moins que ce ne soit un vieux disque de blues de 1922 – qui utilise le feedback de cette manière.”

Pink Floyd faisait partie de ceux qui embrassaient ces développements, avec l’ingénieur des Beatles Norman Smith produisant la session d’Abbey Road pour leur single de 1967 « Apples and Oranges ». Mais la frénésie de feedback s’est répandue largement, impliquant finalement The Who, Jimi Hendrix, et presque tous les rockers psychédéliques que vous pouvez nommer.

Selon le récit que vous acceptez, soit John Lennon, soit George Martin ont eu l’idée de jouer les bandes à l’envers à Abbey Road. Mais en avril 1966, « Rain » est devenu le premier disque à utiliser cette technique, en passant la voix inversée de Lennon à la fin.

Peu de temps après, des bandes de voix, de guitares et de tout autre chose imaginable étaient inversées sur des morceaux hallucinants partout, que ce soit à Londres ou à Los Angeles. L’un des exemples les plus inhabituels, le cauchemardesque « Butcher’s Tale » du chef-d’œuvre des Zombies Odessey and Oracle, a été enregistré en juillet 1967 aux EMI Studios, avec des lavis atmosphériques et effrayants obtenus en jouant un enregistrement de Pierre Boulez à l’envers à la mauvaise vitesse. La tendance continuerait pour les générations à venir, sur les sessions d’Abbey Road pour tout, du mariage punk/prog visionnaire de Doctors of Madness Figments of Emancipation en 1976 à la bande sonore de Daniel Pemberton pour le film Motherless Brooklyn de 2019.

Flanging et ADT

Le flanging et l’ADT (automatic double tracking) ont également été inventés lors des sessions de Revolver en 1966. L’ingénieur Ken Townsend a imaginé un moyen permettant à John Lennon de doubler les pistes vocales sans les chanter deux fois. Le son psychédélique du flanging était un sous-produit fascinant ajouté pour la première fois à « Tomorrow Never Knows ».

En temps voulu, le flanging est devenu omniprésent, apparaissant sur des morceaux comme « Itchycoo Park » des Small Faces et « Pictures of Matchstick Men » de Status Quo. Bien plus tard, lorsque des pédales ont été perfectionnées pour accomplir ce que Townsend avait fait à la main, les flangers se sont avérés indispensables pour des artistes aussi divers que Rush et The Police.

Pour boucler la boucle, Alan Parsons (qui trouverait la célébrité en dirigeant le Alan Parsons Project) était un humble assistant ingénieur pour les Beatles aux EMI Studios, mais en tant que producteur de l’étape marquante de 1973 Dark Side of the Moon de Pink Floyd, enregistrée à Abbey Road, il a trouvé des applications nuancées de la technique, comme subvertir le son du chœur féminin sur « Time ».

Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band

La période la plus libre d’expérimentation des Beatles est arrivée en 1967, après qu’ils eurent abandonné les performances en direct et commencé à ressentir la pression de la Beatlemania. “Ils avaient besoin soit de se séparer, soit d’aller dans un bunker”, a déclaré Giles Martin dans If These Walls Could Sing, “et ce bunker était Abbey Road.” Avec une technologie de pointe, une ambition artistique sans précédent et un contrat garantissant un temps d’enregistrement illimité, ils ont fait du studio leur laboratoire/terrain de jeu.

C’est là qu’ils se sont mis au travail sur le premier album concept de rock, en splicing des bandes de musique de manège pour les scènes de cirque étourdissantes de « Being for the Benefit of Mr. Kite » et en mélangeant des instruments à vent et des bruits d’animaux sur « Good Morning Good Morning ». Sur le « A Day in the Life » susmentionné, après que la demande de Paul pour un “orgasme orchestral” à la coda ait été satisfaite, chaque Beatle a pris en main un piano différent pour l’accord final dramatique à huit mains.

Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band a ébloui les esprits du monde entier, même ceux des musiciens les plus avant-gardistes d’Angleterre. Pendant sa réalisation, Pink Floyd travaillait à Abbey Road sur leur premier album, Piper at the Gates of Dawn. Avec Norman Smith à la production, ils ont conjuré une tempête psychédélique peut-être encore plus hallucinante que celle convoquée dans le studio voisin. Mais ils ont eu l’avantage de voir une partie de la construction de Sgt. Pepper et d’utiliser des astuces perfectionnées par les ingénieurs d’Abbey Road pour les Beatles, comme les effets ADT pour les voix de Syd Barrett.

Les albums conceptuels psychédéliques ont commencé à affluer, notamment à Abbey Road, où The Pretty Things ont commencé à réaliser leur classique culte S.F. Sorrow sous la supervision de Smith, six mois après la sortie de Sgt. Pepper. Les groupes de la fin des années 60 désireux d’imiter la grandeur symphonique de « A Day in the Life » étaient nombreux, que ce soit aux EMI Studios (la piste titre cinématographique de A Salty Dog de Procol Harum) ou ailleurs (le conceptuel orchestré Days of Future Passed des Moody Blues).

Au moment où le nom du studio a été officiellement changé d’EMI à Abbey Road en 1976, les Beatles étaient un souvenir heureux, et les styles des années 60 semblaient déjà bien loin. Mais le prog, la new wave et une multitude de sons encore à venir seraient affectés par ce que John, Paul, Ringo et les deux Georges ont imaginé dans ce creuset de créativité avec un peu d’aide de leurs amis férus de technologie.