L’ancien rédacteur de SPIN, Chuck Klosterman, a un jour publié une liste de groupes qui n’étaient ni surévalués ni sous-évalués, mais simplement correctement évalués. Il a brièvement résumé Les Beatles : “Les Beatles sont généralement considérés comme le groupe de rock le plus important de tous les temps parce qu’ils ont écrit toutes les meilleures chansons. Comme ces deux faits sont vrais, les Beatles sont correctement évalués.”
Le point de départ de facto d’où la culture rock et pop contemporaine a émergé, Les Beatles ont fait quelques choses mieux que leurs pairs et ont même réalisé quelques choses que personne n’avait encore conçues. Ainsi, célébrons les 20 façons dont Les Beatles ont changé le monde.
Sommaire
- Les premières vidéos musicales rock de l’histoire
- Ils ont mené la charge de l’Invasion Britannique, donnant naissance à un nouveau type de culture pop britannique
- Ils ont même brisé les règles de ce à quoi les pochettes d’albums pouvaient ressembler
- Ils étaient des maîtres du marketing
- Ils ont utilisé leur plateforme pour promouvoir des causes politiques
- Ils ont changé la manière de produire les disques
- Ils ont joué dans et réalisé la bande sonore de films qui ont réécrit les règles du cinéma rock
- Ils se sont exposés pour la justice raciale
- Ils ont réécrit les règles du succès dans la musique pop
- Ils ont créé leur propre label discographique, bouleversant l’industrie du disque établie
- Ils ont introduit l’avant-garde dans le courant principal avec leurs expériences et collaborateurs extravagants
- Ils sont devenus des icônes de mode de manière quelque peu involontaire
- Leur curiosité mondiale a aidé à intégrer de nouveaux instruments dans la conversation culturelle
- Ils ont redéfini ce qu’était une “carrière solo” après avoir quitté un groupe
- Ils ont créé l’un des premiers véritables albums conceptuels rock and roll
- Ils ont changé la manière dont la musique rock était évaluée par la critique
- Ils n’ont pas eu peur de provoquer la controverse et ont montré au monde comment la surmonter
- Leur passage dans l’émission ‘Ed Sullivan’ a provoqué un changement culturel
- Ils ont renversé la notion établie que les faces B étaient des “chansons mineures”
Les premières vidéos musicales rock de l’histoire
À l’époque, la plupart des artistes musicaux pouvaient avoir des performances légendaires filmées sur des plateaux pré-construits pour des émissions de fin de soirée et de variétés, mais en dehors de cela, les meilleurs endroits pour les voir étaient en concert ou à la radio. Le premier film des Beatles, A Hard Day’s Night, comprenait des séquences conçues pour mettre en valeur certaines chansons, mais les Fab Four voulaient pousser l’idée de l’art et du marketing encore plus loin et ont filmé leurs propres clips pour “Day Tripper” et “We Can Work It Out”.
Ils ont continué à tourner plusieurs autres vidéos. Néanmoins, ces expériences cinématographiques indépendantes et sans public, centrées autour de nouvelles chansons, prédisaient l’ère du vidéoclip, prouvant une autre raison pour laquelle ils étaient en avance sur leur temps.
Ils ont mené la charge de l’Invasion Britannique, donnant naissance à un nouveau type de culture pop britannique
Avant l’Invasion Britannique, il y avait le bon vieux rock and roll. Tandis que beaucoup attribuent à des artistes comme Elvis et Little Richard le mérite d’avoir lancé l’obsession mondiale pour le genre, les jeunes Britanniques qui grandissaient avec ces disques voulaient finalement créer leur propre musique. À la fin de 1963, la popularité des Beatles était si écrasante que les programmes d’actualités diffusaient des reportages sur eux.
Suite à leur légendaire performance dans le Ed Sullivan Show en 1964, l’Amérique a été consumée par “Beatlemania”, ouvrant la voie à des artistes comme The Kinks, The Rolling Stones, Dusty Springfield, et The Who pour faire des incursions dans la culture pop mondiale. Même la ville natale des Fab Four, Liverpool, est rapidement devenue une destination touristique prisée, générant une fascination mondiale pour tout ce qui est britannique.
Ils ont même brisé les règles de ce à quoi les pochettes d’albums pouvaient ressembler
Au début de l’industrie du disque, les pochettes d’albums étaient souvent une photo de l’artiste accompagnée de texte. Peut-être y aurait-il un paysage s’il s’agissait d’un disque classique, mais en général, l’artwork des LP était plutôt prévisible.
Cependant, la controversée pochette de boucher sanglante de la compilation de 1966 Yesterday and Today s’est révélée trop extrême pour l’époque, mais l’art dessiné à la ligne pour Revolver et le collage pop pour Sgt. Peppers ont changé les notions de ce qui pouvait être fait avec ce médium. Le plus infâme, le double disque auto-intitulé des Beatles de 1968 a reçu la couverture d’album la plus radicale à ce jour : rien qu’une surface blanche et vierge. Cela est devenu un tel jalon culturel que les gens appellent encore cet enregistrement “l’Album Blanc”.
Ils étaient des maîtres du marketing
Au sommet de la Beatlemania, les marchandises de John Lennon, Paul McCartney, Ringo Starr, et George Harrison étaient omniprésentes et restent très recherchées jusqu’à aujourd’hui. Pourtant, même après leur séparation en 1970, la société du groupe, Apple Corps Limited, a réussi à introduire leur héritage dans de nouvelles manières folles. À chaque nouvelle décennie, ils trouvaient des moyens uniques et innovants pour apporter le son du groupe à une toute nouvelle génération d’auditeurs.
Le milieu des années 90 a vu la sortie de la série de trois parties Anthology et du documentaire, montrant aux fans des tonnes de prises de vue et des images en coulisses. La compilation de 2000 1 a simplement mis tous leurs succès numéro un sur un seul CD, vendant plus de 31 millions de copies. En 2006, leur spectacle du Cirque du Soleil Love a été présenté. Même en 2021, il y avait encore du nouveau à découvrir, comme le documentaire Get Back de Peter Jackson qui a reçu des éloges universels pour avoir montré des côtés du groupe avec des images brutes. Même si vous pensez connaître leur catalogue et leur histoire, il y aura toujours de nouvelles facettes à commercialiser et à reconditionner.
Ils ont utilisé leur plateforme pour promouvoir des causes politiques
Bien que la musique “rock” puisse parfois être vue comme anti-établissement, Les Beatles ont utilisé leur plateforme pour explorer des thèmes politiques — allant du ironique (“Back in the U.S.S.R.,” “Taxman”) au véritablement sincère (“Blackbird”, souvent perçu à travers le prisme du mouvement des droits civiques contemporain). Alors que certains politiciens au Royaume-Uni tentaient ardemment de rallier le groupe à leur cause, la carrière solo de John Lennon et son mariage avec Yoko Ono l’ont transformé en activiste, utilisant sa célébrité pour mettre en lumière les injustices et les causes qui lui tenaient à cœur.
Ils ont changé la manière de produire les disques
Les Beatles ont pris leur retraite des tournées assez tôt dans leur carrière (1966), ce qui était surprenant étant donné combien les tournées peuvent être financièrement lucratives. Au lieu de cela, avec l’aide du producteur et scientifique sonore George Martin, le groupe a traité le studio d’enregistrement comme un instrument, trouvant de nouvelles façons inédites de créer des sons jamais entendus auparavant. Ils ont inversé des pistes d’instruments, atténué les batteries, utilisé des voix superposées à des tonalités étonnantes, et employé divers instruments rarement utilisés dans les enregistrements pop occidentaux. Leur volonté d’expérimenter sur le plan sonore a encore souligné la qualité structurelle des chansons. Presque chaque enregistrement de chanson que vous entendez aujourd’hui doit quelque chose à l’innovation des Beatles, que ses créateurs en soient conscients ou non.
Ils ont joué dans et réalisé la bande sonore de films qui ont réécrit les règles du cinéma rock
Les stars du rock et les cinémas n’étaient rien de nouveau lorsque les Fab Four sont devenus célèbres. Ricky Nelson a transformé sa notoriété à l’écran en succès au sommet des charts, et les films d’Elvis Presley sortaient à la douzaine (ils étaient pour la plupart médiocres, mais les spectateurs continuaient de venir et d’acheter les bandes sonores). Cependant, le film de 1963 A Hard Day’s Night était plus méta que la filmographie d’Elvis, car le groupe jouait “Les Beatles” mais dans des versions de eux-mêmes exagérées et fictionnalisées, mettant en avant leurs personnalités loufoques et leur timing comique. Il n’est pas surprenant que la bande sonore qui en résulte soit considérée comme l’une de leurs meilleures offrandes avant Rubber Soul, et le film a depuis changé la manière dont les musiciens rock et le cinéma s’entremêlent. (La bande sonore de Help! de 1965, cependant, était infiniment meilleure que son film correspondant.)
Ils se sont exposés pour la justice raciale
En 1964, Les Beatles devaient jouer au Gator Bowl à Jacksonville, Floride, mais ont initialement refusé en découvrant que le public serait séparé par races. “Nous ne jouons jamais pour des publics ségrégés, et nous n’allons pas commencer maintenant. Je préférerais perdre notre cachet,” a alors déclaré Lennon (source NPR). Le site a finalement cédé et a permis au public de se mélanger, mais Les Beatles ne se sontpas arrêtés là.
Souvent, ils reprenaient des hits de Motown et exprimaient leur amour pour les grands chanteurs de soul dans la presse, le groupe a demandé à la légendaire Mary Wells de faire leur première partie lors de leurs dates au Royaume-Uni. Plus tard, Esther Phillips les a rejoints pour des dates après le succès de sa reprise de “And I Love Him”.
Ils ont réécrit les règles du succès dans la musique pop
La date est gravée dans l’histoire : le 4 avril 1964. C’est le jour où Les Beatles ont réalisé l’exploit sans précédent d’occuper les cinq premières places du Billboard Hot 100. À cette époque en Australie, ils occupaient six places de leur Top 10. Une semaine au Canada, c’était neuf de ces 10 places. Ils terminaient régulièrement la plupart des années de leur existence en ayant l’album le plus vendu au Royaume-Uni, battant des records de fréquentation pendant les années où ils tournaient, et détenaient autrefois un record pour avoir eu six succès consécutifs au sommet des charts. Bien que de nombreux records aient été dépassés par divers artistes, Les Beatles étaient l’entité unique à établir un tel niveau de réussite dès le départ, un témoignage de leur force culturelle.
Ils ont créé leur propre label discographique, bouleversant l’industrie du disque établie
Bien que les Fab Four soient célèbres pour leur association avec Capitol Records et EMI, on ne devient pas une force conquérante mondiale comme Les Beatles sans quelques belles exceptions. L’une d’elles était la création de Apple Records, un lieu qui leur permettait d’être aussi créatifs qu’ils le souhaitaient sans avoir à répondre à autant de gens en costume. Tandis que Apple Records (et sa filiale avant-gardiste, Zapple) abritait des projets des Beatles, cela permettait également au groupe de soutenir ce qu’ils considéraient comme des talents méritants, offrant une plateforme majeure à des artistes tels que Mary Hopkin, l’ami du groupe Billy Preston, l’incroyable Badfinger, et un jeune artiste folk excentrique nommé James Taylor.
Ils ont introduit l’avant-garde dans le courant principal avec leurs expériences et collaborateurs extravagants
Autant Les Beatles ont expérimenté en studio pour produire des sons et des textures sortant de l’ordinaire, ils ne se sont pas arrêtés à de simples “chansons pop”. Ils ont exploré les confins les plus éloignés des genres connus, aboutissant à la sortie en 1968 de “Revolution 9”. Une tranche avant-gardiste de huit minutes de sons trouvés et de musique concrète (incluse sur “L’Album Blanc” où un nombre quelconque de genres étaient maîtrisés), “Revolution 9” a déconcerté beaucoup et en a ravi encore plus.
C’était un virage serré pour un groupe déjà en train de plier leur créativité dans de nouvelles formes, mais lorsqu’il a été publié sur un album pour un groupe aussi populaire que Les Beatles, il s’est également gravé dans la conscience publique, élevant le statut de la muse connue de Lennon, Yoko Ono, et introduisant bientôt au monde des genres qu’ils n’auraient peut-être même pas connus auparavant.
Ils sont devenus des icônes de mode de manière quelque peu involontaire
De nombreuses personnes avaient porté la botte Baba avant John Lennon, Paul McCartney, George Harrison et Ringo Starr, mais ces champions précédents n’étaient pas dans Les Beatles. Une fois la Beatlemania en plein essor, les quatre garçons de Liverpool avec les coupes de cheveux en mop-top ont commencé à remarquer que de nombreux fans adoptaient des coiffures similaires. La botte à talons hauts Baba est rapidement devenue familièrement connue sous le nom de “botte des Beatles” car tout le monde voulait les porter. À mesure que leur ère de “boy band” s’estompaient lentement, chaque membre a commencé à adopter son propre style et look distincts, établissant des tendances de vêtements et de mode décennie après décennie.
Leur curiosité mondiale a aidé à intégrer de nouveaux instruments dans la conversation culturelle
Le voyage des Beatles en Inde a été largement reconnu comme un tournant majeur pour leur son, leur esthétique et leur orientation générale. George Harrison, en particulier, est devenu fasciné par le sitar. Alors qu’il signait et produisait le maître de cet instrument, Ravi Shankar, pour Apple Records, c’était l’utilisation du sitar par Harrison sur “Norwegian Wood” qui s’est avérée être une porte d’entrée pour les audiences occidentales.
De même, Harrison a été l’une des premières personnes au Royaume-Uni à mettre la main sur une nouveauté puissante appelée le synthétiseur Moog. Bien que sa fonction était archaïque (on ne pouvait maintenir qu’une seule note à la fois), il a été utilisé de manière proéminente sur des pistes légendaires comme “Here Comes the Sun” et “I Want You (She’s So Heavy).” Leur utilisation d’un Mellotron dans “Strawberry Fields Forever” a également bouleversé le répertoire d’instruments populaires.
Ils ont redéfini ce qu’était une “carrière solo” après avoir quitté un groupe
Avant Les Beatles, les carrières solo en dehors des groupes n’étaient pas vraiment une chose. Vous étiez soit membre d’un groupe, soit une star solo dès le départ. Une fois Les Beatles dissous, leur popularité et leur bonne volonté culturelle ont aidé à propulser chacun d’entre eux vers un succès solo (et ce n’est pas pour rien que 1970 était également l’année où Diana Ross est devenue solo).
Ringo Starr a sorti le premier album en mars 1970, et Paul McCartney a sorti McCartney quelques semaines avant que le dernier disque des Beatles, Let It Be, ne sorte en mai 1970. All Things Must Pass de Harrison est arrivé en novembre de cette année, tandis que le premier effort de Lennon avec le Plastic Ono Band a atterri en décembre.
Encore plus remarquable est la manière dont tous leurs succès solo étaient uniques. Ringo était le troubadour pop-country espiègle, et Harrison a innové avec son écriture de chansons distincte et émotive. Lennon alternait entre des enregistrements de plaisanteries médiocres et des plaidoyers sincères en égale mesure, tandis que McCartney était le caméléon du rock & roll, évoluant avec les temps et accumulant des hits même dans les années 2010.
Ils ont créé l’un des premiers véritables albums conceptuels rock and roll
Pendant longtemps, les albums rock et pop étaient considérés comme une collection de singles potentiels. Rien de trop sophistiqué, et rarement, voire jamais, thématique. Cela a changé dans les années 1950 lorsque Frank Sinatra a commencé à publier des disques comme In the Wee Small Hours de 1955, où toutes les chansons avaient un ton mélancolique cohérent. Alors que l’album Pet Sounds des Beach Boys a prouvé qu’il menait l’ère du rock dans le domaine de l’album concept avec un disque qui s’est avéré être quelque peu autobiographique, Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band était un bond en avant quantique par rapport à tous les autres.
Avec le groupe jouant un groupe qui n’était pas eux-mêmes, ce méta-commentaire était bien plus complexe que les caricatures qu’ils avaient représentées dans A Hard Day’s Night. Ringo jouait le rôle du chanteur principal Billy Shears, mais il n’était qu’une partie d’une narrative étrangement entrelacée qui serait difficile à digérer si elle n’était pas intégrée dans certaines des meilleures chansons jamais enregistrées.
Ils ont changé la manière dont la musique rock était évaluée par la critique
Alors qu’Elvis, The Supremes et Les Beatles sont maintenant considérés comme les piliers sur lesquels toute la musique populaire est construite, cela n’a pas toujours été le cas. Les critiques musicaux existaient bien avant que “Five O’Clock Rock” ne soit diffusé, mais ils ne critiquaient pas le rock & roll avant que le genre ne soit établi. Elvis était populaire mais facile à rejeter en raison de sa carrière cinématographique désastreuse. Mais une fois que Les Beatles sont arrivés, il était impossible d’ignorer leur incroyable sens de l’artisanat. Les Beatles ont obtenu la première nomination de l’histoire pour l’Album de l’Année aux Grammys (pour Help!) et ont été le premier acte rock à remporter ce prix (pour Sgt. Pepper’s). Avec l’Invasion Britannique est venue l’ascension du critique rock, et ce sont ces mêmes critiques qui aident à maintenir l’héritage des Beatles bien en vie.
Ils n’ont pas eu peur de provoquer la controverse et ont montré au monde comment la surmonter
Lorsque vous êtes le plus grand groupe de la planète, tout ce que vous faites et dites est examiné à la loupe, et le commentaire désinvolte de John Lennon au printemps 1966 sur le fait que Les Beatles étaient en train de devenir “plus populaires que Jésus” a provoqué l’indignation. Dans sa citation originale et les conférences de presse qui ont suivi, Lennon n’a jamais impliqué que Les Beatles étaient plus importants que Jésus, mais les protestations ont eu lieu néanmoins. Bien que la controverse et le rock ne soient certainement pas étrangers l’un à l’autre, les remarques de Lennon ont prouvé à quel point Les Beatles étaient grands et combien ils pouvaient endurer.
Leur passage dans l’émission ‘Ed Sullivan’ a provoqué un changement culturel
Le Théâtre Ed Sullivan dans le Studio 50 peut accueillir 728 spectateurs pour un enregistrement en direct. Lorsque Elvis Presley y a performé en 1957, CBS a reçu plus de 7,000 demandes de billets. Lorsque Les Beatles étaient programmés pour apparaître en 1964, le studio a reçu plus de 50,000 demandes. La demande était énorme, mais l’impact a été plus grand que ce que quiconque aurait pu anticiper : plus de 73 millions de personnes ont regardé la diffusion, et pour beaucoup, la manie, l’énergie et le charme qui jaillissaient des écrans de télévision ont déclenché une étincelle dans leur cerveau qui les a fait vouloir devenir des rockstars. Billy Joel, Nancy Wilson, Tom Petty, et bien d’autres ont cité cette diffusion spécifique comme la raison pour laquelle ils ont voulu se lancer dans la musique en premier lieu, et l’enregistrement lui-même est devenu un tel héritage de la culture pop que tout le monde, d’OutKast à BTS, lui a rendu hommage.
Ils ont renversé la notion établie que les faces B étaient des “chansons mineures”
Dans les premières ères du rock, il y avait des albums, il y avait des singles, et il y avait des faces B. Alors que les albums et les singles étaient parfois des entités séparées, la radio rendait le single plus important, et la plupart des albums contenaient les singles, mais peut-être pas ces enregistrements de fond de tiroir jugés pas assez bons pour une sortie d’album proprement dite.
Les Beatles ont contré cette narrative en mettant certains de leurs meilleurs travaux au dos de grands succès radiophoniques, créant une discographie secrète qui courait en parallèle à leur principale. Oui, leurs double faces A étaient également très réussies, mais si nous devions choisir les meilleurs revers des Beatles, nous opterions pour “Rain” de 1966 et l’extraordinaire “Don’t Let Me Down” de 1969.